Heroínas

Bartolina Sisa de Bolivia

2012-02-10T12:33:00.000+01:00

En el año 1983, durante el Segundo Encuentro de Organizaciones y Movimientos de América en Tihuanacu, en Bolivia, se decidió instaurar el 5 de septiembre como Día Internacional de la Mujer Originaria.

Tal fecha fue escogida en homenaje a una de las más grandes luchadoras por los pueblos originarios: Bartolina Sisa.

!!!Jallalla warmis!!! Jallalla por la lucha de las mujeres originarias!!!

Bartolina Sisa. Heroína indígena Aimara. Nació el 12 de agosto de 1750. Aún no se ha esclarecido si era originaria de Sullkawi o Q’ara Qhatu, aunque ambas comunidades pertenecían al departamento de La Paz.

Hija de José Sisa y Josefa Vargas comerciantes de hoja de coca y de los tejidos nativos, se desplazaría por numerosos lugares del altiplano, observando la opresión a que eran sometidos los indígenas de los Andes por el racismo colonial y clerical foráneo.

Esta febril actividad permitió a Bartolina Sisa liberarse de la condición de servidumbre y esclavitud a la que fue sometida su nación originaria por los colonialistas. Así, Bartolina Sisa fue tomando verdadera conciencia y asumiendo una profunda convicción por redimir a su pueblo de las cadenas de la opresión y luchar por la emancipación definitiva de las comunidades originarias andinas.

Bartolina Sisa con 25 años se casaría con Julián Apaza, más tarde conocido como Tupac Catari el cual antes de comenzar la guerra había sido sacristán en la parroquia de Ayoayo situada a noventa kilómetros de la Paz.

Durante esta etapa ambos, tuvieron la ocasión de coincidir con los ideales libertarios del arriero José Gabriel Condorcanqui (Tupaj Amaru) y de los hermanos Dámaso y Tomás Katari de Chayanta, con quienes aunaron sus propósitos emancipatorios basados en una sólida convergencia de criterios, tácticas y estrategias de lucha.

De este modo decidieron elaborar un plan de acciones debidamente sistematizadas que puso en pie de guerra a más de 150 mil indígenas en toda la región más conflictiva del Perú, La Paz, Oruro, y los valles de Chayanta en Bolivia.

En el año 1780 todo el altiplano se hallaba convulsionado con la sublevación de Tupac Catari. Bartolina ayudó a su esposo a organizar campamentos en el Alto de La Paz, Chacaltaya, Killikilli, El Calvario, etc, impartió justicia, cuidó de las armas y de la alimentación, dirigió tropas.

Para los españoles dominar la insurrección era cuestión de vida o muerte. Si vencían los rebeldes, acababa el poderío de España no solo en las colonias americanas, sino en todo el imperio. Para los indios la sublevación constituía la recuperación de su libertad, territorio y riquezas o su definitiva claudicación ante el poderío de los blancos.

Es así que al estallar la insurgencia Aymara-Quishwa de 1781, su esposo era proclamado Virrey del Inca y ella era proclamada Virreina, pero no porque haya sido la esposa de Tupaj Katari, sino por el mérito propio que adornada su personalidad.

El 13 de marzo de 1781 el Ejercito Aymara decide la toma de La Paz, sitiándola. En la ceja del alto se levantó el campamento desde el cual se divisaba la ciudad. A todo esto la ciudad preparaba su defensa, Sebastián de Segurola, brigadier, fue el líder de las milicias.

El ejército de los Katari-Sisa que durante el inicio del Sitio de la Ciudad de La Paz (13 de marzo de 1781) contaba con 20 mil combatientes, en muy pocos días se convirtió en 40 mil, y al cabo de 5 meses alcanzaron a 80 mil. Con el paso del tiempo comenzaron a faltar los víveres y el agua en la ciudad sitiada, todos los días el ejercito Catarista avanzaba sobre la ciudad.

El 21 de mayo Tupac Catari se aleja y el ejército queda bajo la dirección de Bartolina Sisa, su misión es la de cuidar que el cerco a Chuquiago no se rompa pero los españoles al ver a una mujer en la dirección envían 300 soldados para capturarla.

Lejos de pensar en retirarse, Bartolina ordena el ataque que ella dirige y a fuerza de piedras los españoles son derrotados por el ejército andino donde las guerreras aymaras lucharon a la par de los hombres aymaras.

Se habían cumplido 109 días del cerco Katarista cuando el 10 de julio de 1781, los españoles recibieron refuerzos desde Charcas.

Tupac Catari es obligado a replegarse y en esta acción se produce la captura de Bartolina Sisa, cuando la comandanta se dirigía al campamento de Pampajasi, sus mismos acompañantes la traicionan y la entregaron al cruel Flores quien la condujo presa a la ciudad de La Paz. El genocida Segurola la encerró encadenada en la peor de las celdas.

Los españoles torturan a Bartolina Sisa y le dan el peor de los tratos pero la mantienen con vida esperando usarla como un cebo para capturara Katari, sin embargo, Tupac Katari, no cae en la trampa y envía a dos mensajeros para que entreguen alimentos, coca y oro a Bartolina.

El 5 de septiembre de 1782 La gran Bartolina Sisa, insobornable comandante en jefa de las fuerzas emancipatorias de las naciones originarias andinas, moría ahorcada no sin antes sufrir una horrenda tortura física y moral, flagelada, violada, azotada, arrastrada a puntapies en un inmenso charco de sangre.

Ya muerta Bartolina Sisa, y no conforme con ello, sus verdugos descuartizaron su cuerpo y exhibieron su cabeza y sus extremidades en distintos lugares de los ayllus y caminos donde ella resistió con su lucha.

Su cabeza fué clavada en la punta de una picota, “para escarmiento de los indios”, decían sus verdugos, y la situaron en Jayujayu-Marka, hoy provincia Aroma del departamento de La Paz. Sus extremidades fueron enviadas a Tinta-Marka, una comunidad situada en la actual república del Perú, donde también fueron exhibidas en sendas picotas.

¡¡¡¡ JALLALLA KULLAKA BARTOLINA SISA !!!!

http://www.ecured.cu/index.php/Bartolina_Sisa
http://www.centrocultural.coop/blogs/nuestramericanos/2010/04/12/bartolina-sisa-mujer-indigena-y-heroina-segunda-parte/
http://tinkumujeres.blogspot.com/2011/09/todas-las-mujeres-originarias.html

Elena Poniatowska

2012-02-09T10:46:00.000+01:00

Elena Poniatowska recibió, al nacer, el título de princesa Hélène Elizabeth Louise Amélie Paula Dolores Poniatowska Amor, hija del principe heredero Jean Joseph Evremond Sperry Poniatowski, descendiente directo del rey Estanislao II Poniatowski de Polonia— y de María de los Dolores (Paula) Amor de Yturbe. Su familia emigró a consecuencia de la segunda guerra mundial: Elena llegó a los ocho años de edad con su madre —nacida en 1913 en París en una familia porfiriana exiliada en Francia tras la revolución mexicana; el padre continuaría combatiendo y se reuniría con ellas después de finalizada la contienda y su hermana Kitzya a la Ciudad de México. Allí, ambas niñas aprendieron el castellano de su nana Magdalena Castillo. A los 10 años fue enviada a los Estados Unidos a estudiar, primero en un colegio católico de Filadelfia y después en el Manhattanville College de Nueva York.

Ya de regreso en México, comenzó en 1954 su carrera periodística: trabajó primero en el periódico Excélsior, y el año siguiente comenzó su colaboración en el periódico Novedades, que continuaría prácticamente durante toda su vida. Actualmente escribe para el periódico La Jornada. Sus entrevistas a autores mexicanos y extranjeros alcanzaron gran éxito, y más tarde algunas de ellas se reunieron en Palabras cruzadas (1961) y en Todo México (1990). Poniatowska ha escrito en numerosas publicaciones, tanto nacionales como internacionales.

El primer libro de ficción que publicó aquel mismo año fue Lilus Kikus, una colección de cuentos, seguida en 1963 por Todo empezó el domingo. Mientras tanto, en 1955 había nacido su primer hijo, Emmanuel. En 1965 viajó a Polonia con su madre, y desde allí envió a Novedades una serie de crónicas en las que "cuestionaba el sentido de moral establecido, el de justicia y en general, el absurdo de la vida".

El reconocimiento internacional le vino con sus libros de testimonios, Hasta no verte, Jesús mío (1969), novela basada en un larga entrevista a la lavandera Josefina Bórquez, y especialmente con La noche de Tlatelolco (1971), acerca de la matanza, principalmente de estudiantes, ocurrida el 2 de octubre de 1968 en la Plaza de las Tres Culturas.

El año de aquella tragedia nacional Poniatowska se casó con el astrofísico mexicano Guillermo Haro (1913-1988), con quien tuvo dos hijos más: Felipe y Paula. Pocos meses después murió su hermano Jan en un accidente automovilístico (había nacido en 1947, en México), y el padre de la escritora, por el impacto emocional, falleció al poco tiempo.

Poniatowska ha escrito cuentos, novelas, teatro y poesía. Entre las constantes de su obra encontramos la presencia de la mujer y su visión del mundo, la ciudad de México con su belleza y sus problemas, las luchas sociales, la vida cotidiana, la literatura, la denuncia de injusticias y la crítica social. Como creadora, se apoya en los recursos de la entrevista y la investigación periodística e histórica, quizá por ello su narrativa tiene mucho de testimonio, reportaje de investigación", señalan Angélica Arreola y Laura Navarrete.

«Sus escritos, especialmente sus crónicas, son una fuente excelente de información cultural, política, sociológica, económica e histórica de México y su pueblo», dice una enciclopedia en lengua inglesa.

A pesar de sus orígenes aristocráticos, Poniatowska ha sido políticamente de izquierda y una defensora de los derechos humanos que ha influido con sus puntos de vista sobre los sectores intelectuales más prominentes de México. Como dice la editorial Alfaguara, es una «periodista y escritora comprometida», que «a menudo ha puesto su pluma al servicio de las causas más justas».

En las elecciones presidenciales de 2006 apoyó a Andrés Manuel López Obrador, el candidato de la Coalición Por el Bien de Todos, quien ha sido presidente del Partido de la Revolución Democrática (PRD). Ante la crítica de algunos sectores, destacados escritores extranjeros, entre los que figuraba el Premio Nobel de Literatura 1998 José Saramago, firmaron una carta en su apoyo. Ese mismo año, participó en julio, junto con otros intelectuales, en la firma de un desplegado que condenaba los ataques israelíes al Líbano. El embajador de Israel en México acusó a los firmantes de apoyar el terrorismo.

A partir del 2007, el Gobierno de la Ciudad de México, a través de la Secretaría de Cultura, ha instaurado el Premio Iberoamericano de Novela «Elena Poniatowska», dotado de 500,000 pesos. El ganador de la primera edición de este certamen fue el novelista y licenciado en filosofía mexicano, Álvaro Uribe, por su novela Expediente del atentado.

Es sobrina de la poetisa mexicana Pita Amor (1918-2000).

La locura de vivir

Sobre Elena Poniatowska Amor y La pintora surrealista Leonora Carrington
PABLO ORDAZ 19/03/2011

Una va a cumplir 79 años y la otra ya llegó a los 95. Son amigas desde hace más de medio siglo, pero solo ahora -delante de dos tazas de té y de un pastel de chocolate- se atreven a volver juntas a la infancia. Lo hacen en inglés y en francés, sus idiomas de una época no solo lejana en el tiempo, sino también en la distancia. Aunque ambas son ya antiguas vecinas de la ciudad de México, la periodista y escritora Elena Poniatowska nació en París en 1932, hija de un descendiente directo del último rey de Polonia, y la pintora surrealista Leonora Carrington llegó al mundo en 1917 en el condado inglés de Lancashire y desde muy joven compartió mesa en el parisiense café Les Deux Magots con Max Ernst, Joan Miró, André Breton, Pablo Picasso, Salvador Dalí... Poniatowska supo siempre que la vida de su amiga ameritaba una novela, pero no le resultó nada fácil sonsacar a Leonora Carrington, implicarla en el proyecto. "A Leonora no le interesa nada de lo que se escriba sobre ella. Incluso no creo que vaya a leer el libro. Cuando nos sentábamos a hablar, me decía: '¿En qué estás trabajando?'. Y yo le respondía: en ti. Ella entonces ponía una linda sonrisa y me replicaba: '¿En tea? Ah, muy bien, vamos a tomar el tea'. Finalmente, Poniatowska lo consiguió. Escribió una novela que tituló Leonora y que el jurado del premio Biblioteca Breve 2011 consideró que se merecía ganar porque, "en un escenario cosmopolita y con recursos verbales magistrales, Elena Poniatowska construye una figura femenina turbadora en la que se encarnan los sueños y las pesadillas del siglo XX".

Sentada en su linda casa de México, recién llegada de Barcelona y a punto de salir hacia París, Elena Poniatowska espera la primera pregunta con la misma sonrisa e idéntica curiosidad de aquellos tiempos lejanos en los que, para parecer más mexicana, ocultaba que había sido criada como una princesa, en inglés y en francés, con clases de piano y de equitación. Hasta intentó firmar sus crónicas periodísticas con el apellido de su madre, Amor, y no con el de la dinastía Poniatowska, que le hacía parecer a los ojos de sus compañeros mexicanos "una espía rusa".

PREGUNTA. ¿Cuándo se conocieron?

RESPUESTA. Hace ya más de cincuenta años. Yo creo que le cayó bien la jovencita que era yo entonces. Ahora no hay tanta diferencia de edad porque yo voy a cumplir 79 y ella tiene 95. Pero cuando eres joven sí se nota si tienes tres años más... Yo le hice gracia porque preguntaba todo, cualquier cantidad de estupideces. Yo preguntaba por puritita ignorancia, por no saber ni en dónde estaba ni qué terrenos pisaba. Yo le preguntaba a Diego Rivera si sus dientes eran de leche. Y me decía que sí, para comerse a las polaquitas preguntonas... Yo preguntaba esas cosas porque no sabía nada. Tampoco sé nada ahora. Y sigo preguntando cualquier cosa, pero ya sin naturalidad... Recuerdo que Leonora era una mujer bellísima, bellisísima, que fumaba todo el tiempo. Todas las chimeneas de Inglaterra se las ha fumado Leonora.

P. ¿La falta de interés de Leonora sobre lo que se cuenta de ella es real o es una pose?

R. Es totalmente auténtica. De hecho, no creo que vaya a leer el libro. No le interesa. He escrito muchos artículos sobre ella y nunca me ha comentado nada. Ni recorta nada ni se entera. Supongo que sus hijos lo harán. Pero ella no es así. No tiene nada de figura pública. Ella, cuando le hacen un homenaje, la matan. La matan porque la suben a un estrado, le hablan de Max Ernst [el pintor surrealista alemán con el que tuvo una relación sentimental], un tema del que ella está superaburrida, y además no puede fumar. Pasa muy malos ratos. Leonora es una mujer muy solitaria, no le interesan las pláticas banales. Le aburren tanto que le dan ganas de pegarse un tiro.

P. ¿Por qué se decidió a escribir sobre Leonora Carrington?

R. Me di cuenta de que en México no hay mucho sobre ella. Que todos los libros escritos sobre ella y los estudios sobre su pintura están hechos en Estados Unidos. Entonces dije: qué raro, aquí hay muy poco, por qué... Pero no es una biografía, no es su historia. Alguien tendrá que hacerlas después, pero sí es un homenaje, un acercamiento a ella que no había habido. En primer lugar, porque ella y Remedios Varo

[su gran amiga, la pintora surrealista hispanomexicana fallecida en 1963] eran muy privadas, no querían que se hablara de ellas. No entendían ni les gustaba el muralismo mexicano, no querían a Diego Rivera, ni a Orozco, ni a Siqueiros, ni a la Revolución en los muros... Estaban muy lejos de todo eso. Es la razón por la cual creo que era importante ver su mundo.

P. Usted se metió en ese mundo, ¿qué descubrió?

R. Lo que descubrí me conmovió muchísimo. Leonora fue una espléndida combatiente anti-Hitler. Y una defensora de los judíos. Es un aspecto que no se había tratado. Su rechazo a Hitler es de lo más conmovedor y no se había tocado nunca. Y otra cosa que no se tocó jamás es su matrimonio con el escritor mexicano Renato Leduc. Siempre se había dicho que fue un matrimonio de conveniencia, pero ella sí quiso a Renato, fue pareja de Renato, fueron amantes. De hecho, ella dejó a Max Ernst, que era su maestro, que era lo más importante que podía imaginarse, y dejó Nueva York, que en esa época era la meca de la cultura, por venirse a México con Renato, un México del cual no sabía nada. Max le dijo: "Allí no hay galerías, no hay nada, los muralistas, los tres grandes, son infumables...". Y ella, de todos modos, se vino. Tal vez también lo hizo porque no quería formar parte de la corte de Peggy Guggenheim y quizás también porque quería escapar de la tutela de Max...

P. Cuando, después de vivir 20 años en Francia, detienen a Max Ernst, su gran pasión, y se lo llevan a un campo de concentración, Leonora se convierte en una feroz luchadora contra Hitler... ¿Por qué dice que esa oposición al nazismo es conmovedora?

R. Porque Leonora lo acompañó, ahí estuvo a su lado. Alquiló un cuarto cerca del campo de concentración para poder verlo todas las tardes. Y fíjese, a pesar de su reticencia a hablar sobre su vida, de lo que sí me habló y lo hizo con vehemencia -aunque no ahora, sino hace 8 o 10 años- fue de cuando estuvo en un manicomio en Santander, en España. Fue a raíz de que se llevaran a Max al campo de concentración. Ella perdió la cabeza y, cuando más tarde llegó a Santander, la encerraron. Allí le inyectaron algo que ya está prohibido y que se llama cardiasol, que provoca unos espasmos espantosos que llegan a provocar la rotura de la columna vertebral. Una cosa aterradora...

P. ¿Y de eso sí quiso hablar?

R. Sí, de eso sí me habló, buscando mi solidaridad, diciendo mira lo que me hicieron. De eso habló con mucha vehemencia, de eso habló como dos horas...

P. Como de una herida...

R. Como de una herida, de un maltrato, de una humillación. En aquella época, ella quería ir todo el tiempo a entrevistar a Franco, para decirle que cesara la guerra. Su defensa de los judíos es de lo más conmovedor... Y, sin embargo, es una mujer que no se deja llevar por el sentimentalismo. Leonora dice que el sentimentalismo es una forma de cansancio...

P. Cómo hizo entonces para que Leonora, tan reservada, se decidiera a contarle tantas cosas... ¿Contribuyó tal vez que las dos tienen trayectorias parecidas, dos mujeres de alta cuna que desafiaron las convenciones...?

R. Sí, el desafío a las convenciones, pero yo creo que ella fue más desafiante que yo en ese sentido. Pero es verdad que yo la entrevistaba aprovechando que las dos tuvimos una infancia parecida. Yo le decía: "Yo montaba a caballo". Y ella me respondía: "Lo que más me gustaba era montar a caballo". Y luego le decía: "Yo tuve un profesor de piano". Y ella me contestaba: "El mío se llamaba Mr. Richardson, me aburría como una ostra en sus clases...". Y así iba venciendo su poca predisposición a hablar. Leonora recuerda toda su niñez de maravilla. Dicen que la vida es un círculo, que cuando te acercas al final te acuerdas del principio...

P. Y así fue tirando del hilo...

R. Yo le platico cosas y ella me dice me too, yo también, a ella le fascina el pastel de chocolate, y hablamos de su infancia y así fue, de poco a poquito.

P. ¿Cuánto hay de ficción en el libro y cuánto de realidad?

R. Ah, sí, yo meto mucha ficción. En la novela hay muchísimo diálogo y los diálogos, pues, nunca sucedieron... Yo escribo como Dios me da a entender, hago como puedo, en el aire las compongo... En el libro incluí muchas de las cosas que ella me contó a lo largo de los años, pero también mucho de lo que ella escribió. Ella es una gran escritora. Ha escrito como nueve libros buenísimos, obras de teatro y cuentos, y todos los cuentos se relacionan con ella. Así que es muy fácil tomar fragmentos enteros de los cuentos y meterlos en la novela. Es lo que yo hice, y lo hice con un entusiasmo total.

P. Aunque no cree que lo vaya a hacer, ¿a usted le gustaría que Leonora lo leyera?

R. Claro, me gustaría. Tal vez puedo decirle que le voy a leer un capítulo, a ver qué le parece...

P. ¿Y le preocupa que no le guste?

R. No creo que no le gustara. Tal vez me podría decir: "¡Ay qué exagerada eres!" o "¿qué hongos tomaste?" o "¿de cuál te fumaste...?". Pero la novela está escrita con muchísimo respeto, no creo que ella pueda sentir que hay una traición.

P. ¿Fue Leonora una mujer libre?

R. Yo creo que sí.

P. ¿A costa de qué?

R. A costa de su soledad. Es una mujer muy sola. Aprendió a estar sola.

http://es.wikipedia.org/wiki/Elena_Poniatowska

http://www.elpais.com/articulo/portada/locura/vivir/elpepuculbab/20110319elpbabpor_3/Tes

http://www.hechosdehoy.com/elena-poniatowska-la-escritora-que-5827.htm

Las voces de las hijas: ¿qué esperamos del feminismo?

2012-02-08T10:41:00.000+01:00

Las mujeres jóvenes entrevistadas participan en diferentes grupos cuyos objetivos son diversos, incluyendo, por ejemplo, la promoción social de las mujeres árabes y romaní, la promoción de la educación para la lucha contra la violencia de género.

Sin embargo, podemos observar algunos elementos comunes que aparecen como objetivos de diversas organizaciones:

• La igualdad de las diferencias, en otras palabras, la búsqueda de la igualdad y la definición

de objetivos comunes entre todas las mujeres empezando por el respeto a las identidades diversas.

• La promoción del diálogo entre las mujeres de diferentes culturas, procedencias étnicas, edades, niveles educativos, etc.

• La promoción de la solidaridad entre todas las mujeres para luchar conjuntamente contra la discriminación de género.

• La promoción social de las mujeres, especialmente de aquellas con mayor riesgo de exclusión social.

• La importancia de la educación.

• La democratización del feminismo, enfatizando la necesidad de incluir todas las voces.

Dentro del movimiento feminista es importante garantizar que hay muchas mujeres, diferentes en todos los sentidos, mujeres de todo el mundo, mujeres adultas y mujeres jóvenes, niñas... Y tiene que haber un momento en el que podamos hablar incluso si pensamos de manera diferente, pero eso es también bonito (Alba, h4t).

A pesar de todos estos aspectos, las mujeres jóvenes valoran muy positivamente el énfasis sobre la transformación y el diálogo social. Dicen que una de las cosas que las animan más a participar es que sienten que con sus acciones están logrando realizar cambios sociales reales, contribuyendo a la transformación de las situaciones de desigualdad y evitando posiciones pasivas.

En primer lugar, eso te enriquece a ti misma. He crecido mucho. Y aprendes mucho, quiero decir, aprendes mucho y al mismo tiempo ves que tienes más repercusión y que lo que estás haciendo es muy transformador. Sí, quiero decir, que realmente cambias cosas, que no es sólo una etiqueta o ir a una manifestación (Saray, h1t).

Respecto a los perfiles, las mujeres que hemos entrevistado están preocupadas por la necesidad de incluir el máximo de voces dentro de la organización en la que participan. Creen que la pluralidad es necesaria si los movimientos sociales quieren promover cambios sociales reales.

Es muy bonito por eso (...) es muy enriquecedor estar con personas con vidas muy diferentes, con diferentes historias de vida, pero que son compatibles (...) porque eso hace que respetes a las otras personas, todas las opciones y te hace creer que otro mundo es posible y que todos podemos vivir en este mundo, con diferentes estilos de vida (Ariadna, h2t).

En otras palabras, creen que el feminismo no tiene que ser asimilacionista y tiene que respetar que cada mujer elija qué tipo de vida quiere, respetando las diferencias entre ellas sin forzar a nadie a separarse de su entorno, comunidad o identidad.

Por lo tanto, dicen que sus organizaciones están formadas por diferentes mujeres.

Consideran que la pluralidad es necesaria para construir un movimiento social que pueda representar diferentes mujeres, incluyendo las motivaciones y los intereses de todas ellas.

Por lo que se refiere a las actuaciones, son muy variadas. Muchas están en la misma línea que las acciones que solían hacer sus madres como por ejemplo, participar en conferencias o en grupos de mujeres de discusión sobre diferentes aspectos. Por otra parte, también apreciamos que las manifestaciones, que acostumbraban a ser muy importantes para sus madres, han perdido relevancia para ellas. Participan en algunas, pero no están muy presentes. Finalmente, subrayan las acciones centradas en la sensibilización de la ciudadanía sobre temas como la violencia de género o la importancia de la educación.

Ainhoa Flecha: Las hijas de las feministas. El feminismo del s. XXI... [RASE vol. 3, núm. 3: 325-335]
| Revista de la Asociación de Sociología de la Educación | www.ase.es/rase | vol. 3, núm. 3, p. 33
http://www.ase.es:81/navegacion/subido/numerosRase/0303/03_3_FLECHA.pdf

México: Por "razones de honor", 16 estados dejan impune el feminicidio

2012-02-07T07:40:00.000+01:00

En 16 estados de la República de México, los códigos penales estipulan los delitos por "razones de honor" o "emoción violenta", con lo que se justifican y quedan impunes las agresiones contra las mujeres, se asienta en la investigación "Feminicidio en México, aproximaciones, tendencias y cambios 1985-2009".

Con el argumento de que "la dignidad de la pareja ha sido agredida" se invisibliza el delito de feminicidio, advierte el estudio elaborado por ONU Mujeres, la Comisión Especial del Feminicidio de la Cámara de Diputados, el Instituto Nacional de las Mujeres y El Colegio de México.

Así, 16 códigos penales estatales contemplan atenuantes para disculpar la violencia que las mujeres sufren por parte de sus cónyuges, quienes incluso llegan a asesinarlas.

En Baja California Sur, Chiapas, Jalisco, Michoacán Yucatán, Nayarit, San Luis Potosí, Campeche y Zacatecas, se aplica la atenuante de "infidelidad conyugal" en los homicidios de mujeres, por lo que las penas de cárcel para los agresores son inferiores a las que se dictan por asesinatos cometidos bajo otras circunstancias.

En Coahuila, Nuevo León, Puebla, Querétaro, Sinaloa, Tabasco y Tamaulipas, existe la atenuante de "emoción violenta" para reducir las condenas de prisión a los agresores y homicidas.

Si el delito se comete por "infidelidad conyugal" o "emoción violenta" las penas de cárcel son muy bajas. Por ejemplo en Baja California Sur la condena es de cuatro a 10 años; en Chiapas, de dos a ocho años; y en Michoacán, de tres días a cinco años.

En cambio, el Código Penal Federal estipula de 10 a 40 años de prisión el homicidio agravado o calificado cuando la víctima es cónyuge o concubina.

De acuerdo con el informe, a nivel nacional hay una marcada tendencia discriminatoria a la hora de castigar las agresiones cometidas contra las mujeres, y que difiere de instrumentos internacionales de Derechos Humanos firmados por México, como la Convención sobre la Eliminación de Todas las Formas de Discriminación contra la Mujer (CEDAW, por sus siglas en inglés).

El estudio concluye que al no existir la figura del feminicidio en 23 códigos penales estatales se invisibilizan los crímenes en contra de las mujeres, situación que se agrava cuando aún hay estados que consideran "los delitos pasionales" en sus legislaciones.

Anaiz Zamora Márquez (CIMAC)

28 de diciembre de 2011
http://www.argenpress.info/2011/12/mexico-por-razones-de-honor-16-estados.html

Jane Franklin

2012-02-07T00:30:00.000+01:00

De los 16 hermanos de Benjamín Franklin, Jane es la que más se le parece en cuanto a talento y fuerza de voluntad.

Pero a la edad que Benjamín se marchó de casa para abrirse camino, Jane se casó con un talabartero pobre, que la aceptó sin dote, y 10 meses después dio a luz a su primer hijo. Desde entonces, durante un cuarto de siglo, Jane tuvo un hijo cada dos años. Algunos niños murieron, y cada muerte le abrió un tajo en el pecho. Los que vivieron exigieron comida, abrigo, instrucción y consuelo. Jane paso noches en vela acunando a los que lloraban, lavó montañas de ropa, bañó montoneras de niños, corrió del mercado a la cocina, fregó torres de platos, enseñó abecedarios y oficios, trabajó codo a codo con su marido en el taller, y atendió a los huéspedes cuyo alquiler ayudaba a llenar la olla. Jane fue esposa devota y viuda ejemplar, y cuando ya estuvieron crecidos sus hijos se hizo cargo de sus propios padres achacosos y de sus hijas solteronas y de sus nietos sin amparo.

Jane jamás conoció el placer de dejarse flotar en un lago, llevada a la deriva por un hilo de cometa, como suele hacer Benjamín a pesar de sus años. Jane nunca tuvo tiempo de pensar, ni se permitió dudar. Benjamín sigue siendo un amante fervoroso, pero Jane ignora que el sexo puede producir algo mas que hijos.

Benjamín, fundador de una nación de inventores, es un gran hombre de todos los tiempos. Jane es una mujer de su tiempo, igual a casi todas las mujeres de todos los tiempos, que ha cumplido su deber en esta tierra y ha expiado su parte de culpa en la maldición bíblica. Ella ha echo lo posible por no volverse loca y ha buscado, en vano, un poco de silencio.

Su caso carecerá de interés para los historiadores.

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Eduardo Galeano

Memoria del fuego / Las caras y las máscaras

Publicado por: Editorial Siglo XXI

SI EL HUBIERA NACIDO MUJER

BAJO el título «1778, Filadelfia: si él hubiera nacido mujer», Eduardo Galeano presenta en su libro titulado

«Mujeres» un relato en el que queda patente la diferencia de roles y funciones que los hombres y mujeres han venido desarrollando en la sociedad, al tiempo que refleja el protagonismo de la mujer en la vida doméstica y del hombre en la vida pública. Este texto carece de fecha de caducidad, porque la historia sigue repitiéndose, aunque más en unos lugares que en otros. Nos encontramos ante el hecho de Jane Franklin, que, por haber nacido mujer, la sociedad la recluyó al hogar y al silencio de la historia, mientras que Benjamín Franklin, siendo hombre, tuvo la oportunidad de formarse y participar activamente en el devenir de la humanidad y, además, que la historia lo recuerde como filósofo, físico y político. El texto no precisa comentarios.

Así ha sido la vivencia generalizada de las mujeres, más en el ayer que en el hoy. La desigualdad de oportunidades marcó la vida de las mujeres, que no tuvieron acceso a la educación, a la cultura... y les negó la posibilidad de ser protagonista de su propia existencia. El rumbo de la vida dependía del sexo, y aún en la actualidad no se ha conseguido la plena igualdad. Con la cooperación de hombres y mujeres nos acercamos a una sociedad más justa y equitativa. Seguro que si alguno de los hombres, que censuran la promoción y avance social de las mujeres, se detuviera en pensar «si hubiera nacido mujer» actuaría de otro modo. Porque también pudo haber sido al revés, que los hombres se encargaran del hogar y asumieran la totalidad de las responsabilidades domésticas, y ser las mujeres las que se encargaran del trabajo activo y la vida pública. Entonces, la historia hablaría de Jane Franklin, y de otras tantas mujeres olvidadas y sin memoria.

Dra. TERESA GONZALEZ PEREZ

Profesora en la Universidad de La Laguna

http://www.educarueca.org/spip.php?article38

Yolanda jb de 2006

http://www.eldia.es/2000-02-24/CRITERIOS/CRITERIOS4.HTM

Domitila Chungara de Catavi, Bolivia

2012-02-06T10:53:00.000+01:00

Domitila Catavi

1967 - El cementerio es como una imagen del fondo de la tierra. Es como esa bruma que va invadiendo toda la parroquia de Catavi. Es como las nubes que van llegando con todas las lágrimas de las minas. Es como el viento que va rompiendo el horizonte y, se viene tras la multitud de cuerpos caídos, esperando para ser enterrados; tras los muchos pozos que, son como heridas de esta tierra, cubierta por tanto dolor, por tanta mirada que cae como una piedra contra los militares que, el día antes sangraron la fiesta de San Juan en el vecino rincón de Llallagua...

Subida en el muro del cementerio, una mujer embarazada marca a fuego la muerte uniformada, marca la dolor con gritos salidos del último país de la alma, que es como decir de la furia guardada por cientos de años...

- ¡Asesinos!, ¡asesinos!

Y todas las miradas caen sobre ellos, y todos los odios del decir y del pensar... Pero los fusiles no hacen caso a la agonía, que es como decir que las sombras se tomaron toda Catavi y Llallagua. Y ella, la mujer del muro, con la panza grande como un mundo que va queriendo salir de sus entrañas, marcha presa por carajear los uniformes, que es como carajear al presidente de Bolivia, o sea nadie.

Y uno manda una patada contra ella que, se defiende y le da un sopapo, y el mismo manda un puñete y sigue mandado golpes, y le apreta la panza con la rodilla. Y ella se cubre y le araña la cara. Y él sigue mandando patadas. Y vienen otros cuatro para pegarle, y ella cae...

Cuando despierta entre rejas, con seis dientes rotos, la sangre chorrea... "Y como si la fatalidad del destino hiciera -dice-, comenzó el trabajo de parto. Empecé a sentir dolores, dolores y dolores y a ratos ya me vencía la criatura para nacer... Ya no pude aguantar. Y me fui a hincar en una esquina. Me apoyé y me cubrí la cara, porque no podía hacer ni un poquito de fuerza. La cara me dolía como para reventarme. Y en uno de esos momentos, me vencía. Noté que la cabeza de la huahua ya estaba saliendo... y allí mismo me desvanecí. Y cuando volví a despertar estaba toda mojada. Tanto la sangre como el líquido que una bota durante el parto, me habían mojado toda. Entonces hice un esfuerzo y resulta que encontré el cordón de la huahua. Y a través del cordón, estirando el cordón, encontré a mi huahuita, totalmente fría, helada, allí sobre el piso".

Después, todas la nubes se hicieron agua y todos los vientos cayeron sobre Llallagua y Catavi. Después hubo más peleas. Después, algún día de once años más tarde, dijo a su gente: "Nuestro enemigo principal es el miedo. Lo tenemos adentro". Y se fue a La Paz con otras cinco, a liberarlo...

Domitila Chungara. Indígena nacida en Pulacayo, zona minera de Bolivia. Al morir su padre tuvo que hacerse cargo de sus cinco hermanas porque su madre estaba muy enferma. Con el correr del tiempo comenzó a preocuparse por la situación social que vivían las comunidades mineras. El 1952, se casó con una trabajador minero y empezó a participar activamente en el Comité de Amas de Casa del Distrito Minero Siglo XXI, del que la nombran Secretaria General. Su testimonio dio a conocer la masacre de San Juan, en 1967, cuando el dictador René Barrientos mandó al ejército contra las comunidades mineras de Catavi y Llalagua. Tras la matanza, ella, que estaba embarazada, fue apresada y torturada hasta que perdió su hijo. Posteriormente ayudó en la lucha contra la dictadura del general Hugo Banzer. En la Navidad de 1978, en La Paz, junto a otras cuatro mujeres mineras y veinte niños inició una huelga de hambre contra la dictadura. A ellas se sumó un sacerdote y en poca tiempo se sumaron más de mil quinientas personas. Con el correr de las horas los huelguista se multiplicaron por miles. Veintitrés días después de que las mujeres comenzaron la huelga de hambre, las calles de las distintas ciudades de Bolivia fueron invadidas por la gente. Otro gobierno militar se había terminado. Los libros en los que se recopilan los testimonios de Domitila son: "Si me permiten hablar" y "Las mujeres tienen la palabra", que fueron traducidos a varios idiomas. En 1980, se produce un nuevo golpe de estado, y ella debe exiliarse. En 1996 vive en Bolivia junto a cuatro de sus siete hijos.

(*) Este texto fue tomado del libro Mujeres del Siglo XX, de Kintto Lucas. Editorial Abya Yala, Quito, 1997.

http://www.rel-uita.org/internacional/domitila.htm
http://www.1325mujerestejiendolapaz.org/sem_domitila.html
http://word.world-citizenship.org/wp-archive/333

MATILDE UCELAY: LA PRIMERA ARQUITECTA ESPAÑOLA

2012-02-05T00:36:00.002+01:00

Si hay una arquitecta conocida en España es Matilde Ucelay Maortúa, nacida en 1912 y fallecida en Madrid en noviembre del 2008. Y no solamente por haber sido la primera mujer que terminó la carrera de arquitectura en este país, sino por haber recibido en el 2004 el Premio Nacional de Arquitectura, otorgado anualmente por el Ministerio de Vivienda a “aquellos arquitectos cuya aportación sobresaliente y continuada, realizada fundamentalmente en España, y valorada con criterios objetivos, haya puesto de relieve los aspectos sociales, económicos, estéticos y tecnológicos de la arquitectura".

Los reconocimientos le vinieron algo tarde a esta singular e inteligente mujer, aunque ella no creía en más medallas que el bienestar de las personas que habitan en los edificios por ella diseñados. Matilde Ucelay terminó su carrera en 1936. Lo hizo de una manera natural, por vocación.

Como natural fue su infancia dentro del ambiente culto, liberal y progresista de su familia, y natural su asistencia al Instituto Escuela (continuador del Instituto Libre de Enseñanza) donde estudió brillantemente el bachillerato.

Algunas de sus amigas se decantaron por las carreras de Filosofía y Letras o Farmacia, pero ella tenía claro que lo suyo era la arquitectura. Época difícil, cuando menos, la que pasó estudiando en esos míticos años treinta en la Escuela de Arquitectura de Madrid, a pesar de algunos inconvenientes menores como el que la escuela careciera de aseos para señoritas. Amiga de Félix Candela y de Chueca Goitia y a pesar de lo inusual de su situación, siempre gozó del mayor respeto tanto de sus profesores como de sus compañeros. Su asignatura preferida: Proyectos Arquitectónicos.

Dos días antes de que estallara la guerra civil, fue homenajeada en el Colegio de Arquitectos de Madrid, acto al que acudieron destacadas figuras de la Segunda República como el Ministro de la Gobernación, Amós Salvador. Este hecho, junto con su filiación republicana, hizo que una vez terminada la contienda, fuera depurada y condenada en Consejo de Guerra a la inhabilitación para ejercer cargos públicos de por vida y para ejercer su profesión, durante cinco largos años.

.A pesar de todas las prohibiciones y dificultades, Matilde Ucelay mantuvo una actividad profesional continuada durante más de cuarenta años, construyendo edificios para clientes privados, proyectos que hábilmente consiguió que firmaran, al principio de su trayectoria, otros compañeros. Ejerció su labor en circunstancias realmente difíciles, inmersa en el contexto social de la época franquista, en el que las mujeres se veían confinadas al ámbito privado y forzadas a cumplir roles exclusivamente domésticos y familiares, careciendo de derechos legales. Sencilla y responsable, trabajó toda su vida sin considerarlo algo excepcional.

Su arquitectura se caracteriza por una profusión y riqueza en los detalles, y por un diseño intimista, ligado al usuario y al entorno. Entre sus obras destaca un gran número de viviendas unifamiliares, colaborando en algunas ocasiones, con el diseñador de jardines y paisajista, Couchepin. Entre sus más de ciento veinte proyectos, destacaremos “La Casa Oswald”, en Puerta de Hierro en Madrid; “La Casa Benítez de Lugo”, en las Palmas de Gran Canaria; así como las librerías “Turner” e “Hispano-Argentina” en Madrid. También diseñó fábricas, laboratorios y otros edificios singulares siguiendo la técnica de Félix Candela, del que importó su patente desde México con la ayuda de su hijo arquitecto.

Matilde Ucelay fue una pionera dentro de la arquitectura española, perteneciente a una generación de mujeres que supieron vivir su vida con imaginación. Mujeres que nos abrieron los caminos que hoy recorremos, con menores dificultades que las que ellas tuvieron que vencer, para participar en la hermosa tarea que es el construir.

FALLECE MATILDE UCELAY PRIMERA ARQUITECTA ESPAÑOLA por INÉS SÁNCHEZ DE MADARIAGA (26/11/2008)

En la madrugada del pasado lunes falleció en Madrid Matilde Ucelay Maórtua, la primera mujer titulada en arquitectura en España, en 1936, y también la primera en ejercer una carrera profesional plena: más de 120 proyectos realizados íntegramente por ella misma con la sola ayuda ocasional de un aparejador, algunos en el extranjero, en más de 40 años de ejercicio profesional. La mayor parte de sus obras son casas unifamiliares, como la que construyó para José Ortega Spottorno, pero también proyectó fábricas, laboratorios, almacenes y tiendas. En sus obras destaca la sensibilidad por el uso y el cuidado en los detalles constructivos. Por las mañanas, Ucelay visitaba las obras; por las tardes trabajaba en el tablero. Una trayectoria excepcional reconocida por el Premio Nacional de Arquitectura 2004.

Nacida en 1912, Ucelay pertenece a esa generación de mujeres de la burguesía ilustrada española que, educadas en ambientes liberales, artísticos y profesionales, empiezan a acceder a las universidades en las primeras décadas del siglo XX. Su padre, Enrique, es abogado; a su madre, Pura, la encontramos compartiendo escena con Federico García Lorca. Ucelay estudia brillantemente el bachillerato en el Instituto Escuela, que simultanea con la carrera de piano, y, en 1931, ingresa en la Escuela de Arquitectura de Madrid. Allí coincide con Félix Candela, a quien unirá una amistad de por vida, y con Fernando Chueca Goitia, con quien, estudiando durante un verano, realiza dos cursos en uno. Cuando termina la carrera, sus compañeros le ofrecen un homenaje al que asiste Amós Salvador, ministro de Gobernación.

En 1937 aparece como secretaria del Colegio de Arquitectos de Madrid, siendo presidente Eduardo Robles Piquer. El colegio, cerrado en los inicios de la guerra, había vuelto a abrir sus puertas por iniciativa personal de Ucelay. Se casa en Valencia en 1937 con José Ruiz Castillo, editor de los más importantes autores de las generaciones del 98 y del 27, y tiene dos hijos. En 1940 es depurada por la Dirección General de Arquitectura y condenada en Consejo de Guerra a inhabilitación perpetua para cargos públicos, directivos y de confianza, y, durante cinco años, para el ejercicio privado de la profesión. Como consecuencia de ello nunca recibió encargos públicos y sus primeros proyectos no pudieron llevar su firma.

Las mujeres de la generación de Ucelay abrieron en España caminos en las distintas ramas del arte, la ciencia y las profesiones, aunque muchas de ellas abandonaron o simplemente no llegaron a ejercer sus profesiones en el ambiente hostil del franquismo. No fue el caso de Ucelay. Más bien al contrario, en una época en la que las mujeres carecían de derechos legales, Ucelay, con gran inteligencia, dedicación y carácter, ejerció plenamente una profesión liberal de importantes responsabilidades hasta su jubilación en 1981. Sirva la integridad de su trayectoria ejemplar de modelo y referente a las nuevas generaciones de arquitectos, y sobre todo, de arquitectas, que desde este año son más de la mitad del alumnado en nuestras escuelas.

http://www.123people.es/s/matilde+ucelay

http://sancheztaffurarquitecto.wordpress.com/2008/11/27/fallece-matilde-ucelay-primera-arquitecta-espanola-el-pais-espana/

http://lamujerconstruye.blogspot.com/2010/10/matilde-ucelay-la-primera-arquitecta.html

Leonora Carrington

2012-02-04T10:18:00.000+01:00

Nace el 6 de abril de 1917 en el pueblo de Chorley, en Lancashire, Inglaterra. En el año 1936 ingresa en la academia Ozenfant de arte, en la ciudad de Londres. Al año siguiente conoce a quien la introdujo indirectamente en el movimiento surrealista: el pintor alemán Max Ernst, a quien vuelve a encontrar en un viaje a París y con quien no tarda en establecer una relación sentimental. Durante su estancia en esa ciudad entra en contacto con el movimiento surrealista y convive con personajes notables del movimiento como Joan Miró y André Breton, así como con otros pintores que se reunían alrededor de la mesa del Café Les Deux Magots, como por ejemplo el pintor Pablo Picasso y Salvador Dalí.

En 1938 escribe una obra de cuentos titulada La casa del miedo y participa junto con Max Ernst en la Exposición Internacional de Surrealismo en París y Ámsterdam.

Previamente a la ocupación nazi de Francia, varios de los pintores del movimiento surrealista, incluida Leonora Carrington, se vuelven colaboradores activos del Kunstler Bund, movimiento subterráneo de intelectuales antifascistas.

Leonora Carrington tenía solo 20 años cuando conoció a Max Ernst en Londres. Entonces el pintor ya contaba con 47 años y con bastante fama como surrealista. La gran diferencia de edad, el hecho de que Ernst además estaba casado, así como sus posiciones surrealistas radicales hacían que esta relación no contara con la anuencia del padre de Leonora. A pesar de ello, la pareja se reencontró en París y pronto se fueron a vivir a la provincia, al poblado de Saint-Martin-d'Ardèche, en una casa de campo que adquirieron en 1938. Hasta hoy se conserva en la fachada de esta casa un relieve que representa a la pareja y su juego de roles: «Loplop», el alter ego de Max Ernst, un animal alado fabuloso entre pájaro y estrella de mar y su «Desposada del Viento»: Leonora Carrington.

La vida tranquila y feliz de la pareja en este sitio duró solo un año. En septiembre de 1939 Max Ernst fue declarado enemigo del regimen de Vichy. Tras su detención y prisión en el campo de Les Milles, Leonora sufre una desestabilización psíquica. Ante la inexorable invasión nazi, se ve además obligada a huir a España. Por gestión de su padre es internada en un hospital psiquiátrico de Santander. De este período la pintora guardará una marca indeleble, que afectará de manera decisiva su obra posterior. Leonora describe, en su obra autobiográfica (En bas) los pormenores de esta dramática historia.

En 1941 escapa del hospital y llega a la ciudad de Lisboa, donde encuentra refugio en la embajada de México. Allí conoce al escritor Renato Leduc, quien terminará ayudándola a emigrar. Ese mismo año contraen matrimonio y Leonora viaja a Nueva York. En 1942 emigra a México y en 1943 se divorcia de Renato Leduc. En México, la pintora restablece sus lazos con varios de sus colegas y amigos surrealistas en el exilio, quienes también se encuentran en ese país, tales como André Breton, Benjamin Péret, Alice Rahon, Wolfgang Paalen y la pintora Remedios Varo, con quien mantendrá una amistad particularmente duradera.

Fue ganadora del Premio Nacional de Bellas Artes, otorgado por el gobierno de México en el 2005.

Falleció a los 94 años en la Ciudad de México el 25 de mayo del 2011.

La inmortal Leonora Carrington

El escritor Pável Granados, autor de El ocaso del porfiriato, Mi novia la tristeza, entre otros habló esta mañana con Animal Político sobre la muerte de la artista Leonora Carrington: “Pensaba que no se iba a morir nunca, que era inmortal, aunque en cierto sentido lo es porque su obra es una fuente de sueños, una obra tan vital y tan fuera del tiempo. Pienso que Leonora Carrington es una de las mentes más extravagantes, fuera de serie, es una obra que se mantuvo a lo largo de los años”.

Y es entonces cuando recuerda la exposición que en 2008 le dio otra cara a Paseo de la Reforma, cuando la locura lívida de sus 17 esculturas fue compartida entre muchos: “Fue una especie de regalo para la ciudad de México, uno pensaría que era una obra antigua, pero era la obra reciente de Leonora Carrington, su mente estaba trabajando tan bien como siempre. Había gente de todas las edades, era asombroso, hasta conmovía.

“Leonora Carrington es capaz de conocer los sueños

que tras ella ya no pueden ser abandonados”

Carlos Monsiváis

Admirada por todos, Carrington perteneció a un grupo de artistas que habían vivido en Francia antes de la Segunda Guerra Mundial, antes de la ocupación nazi, y, según han dicho algunos, esto fue lo que la motivó a que se casara con Renato Leduc y llegara a México en 1941: “Estuvieron juntos un tiempo, él siempre decía que Leonora Carrington era una mujer de otra especie, completamente ajena.

“A veces me la encontraba en la calle y una de las cosas más surrealistas que me han pasado en la vida es ver salir a una pintora surrealista de la tiendita o del cajero automático”.

Entonces al escritor le viene a la mente el recuerdo de Leonora caminando por las calles de la colonia Roma, donde vivía, en la calle de Chihuahua, con su andar erguido, vigilado de cerca por una enfermera. Le vienen a la mente esos encuentros donde Leonora hablaba de París, de Renato Leduc, de su amistad con Agustín Lara, a quien curiosamente no conoció en París, aunque coincidieron en la capital francesa en 1938.

“Ahora veo con terror el mundo”: Leonora Carrington

La reportera Nélida Alejandra Cabrera, de la revista Farenheit, entrevistó a la artista hace seis años.

No es una mujer fácil. Depende del día, especialmente cómo interactúes con ella. No debes hablarle de su pasado ni de política, tampoco de su relación con Max Ernest. Demasiadas advertencias para ir relajada al encuentro con una de las últimas protagonistas vivas de un movimiento que puso, allá por los años treinta, al mundo del arte de cabeza: el surrealismo.

Una anécdota contada por quienes dicen conocerla suma cierto cosquilleo: hace mucho un periodista le preguntó: “Leonora, ¿qué cosas le hacen gracia?”. Ella, con una sonrisa, contestó: “tu cara”.

El misterio se develó cuando, 15 minutos después de la hora pactada para la entrevista, llegó Leonora Carrington. El escenario fue la galería El Estudio, casa de arte que representa a este mito de aquella tendencia artística que se originó en París, Francia, se expandió por el mundo y encontró en un nuestro país un refugio para muchos de sus fundadores, entre ellos André Breton, Wofgang Paalen, Alice Rahon y Remedios Varo.

Pintora, escritora y escultura, Leonora (Lancashire, Inglaterra, 1917) despierta admiración en las nuevas generaciones, aunque ella haya dicho: “en mi opinión, no es bueno admirar por completo a alguien, incluido al propio Dios, porque al hacerlo se excluye una de las facetas más importantes del ser humano: su lado oscuro, que no debe despreciarse”.

Vestida con una camisa y falda de jean, una figura muy delgada, cabello blanquísimo recogido, una mirada clara y profunda, se planta en el lugar, su imagen irremediablemente recuerda a esas criaturas fantasmagóricas que merodean en su obra. Saluda, comenta lo tardado que es hacer trámites en los bancos, se prende un cigarrillo y pregunta: “¿qué quiere saber?”.

¿Qué está haciendo en la actualidad?

Ir al supermercado, a la farmacia, comprar comida, sobrevivir como puedo, esa es la verdad. Ahora, si quiere que le invente algo…

Así inició la plática. Repasar su vida no sería una tarea sencilla, Leonora no es difícil, más bien es una mujer provocadora, de frases cortas y verba filosa, como lo ha sido a lo largo de sus 88 años de existencia.

“Tengo tantos problemas que me cuesta guardar en la cabeza todas las cosas que me vienen. Lo que más me interesa es poder dormir toda la noche, para poder recuperarme y seguir otra vez”.

Alguna vez aseguró que usted no inventó un mundo, más bien el mundo la inventó a usted. ¿Qué mundo la está creando en la actualidad?

Mi marido, Chiki (Emerico Weisz, fotógrafo húngaro con quien se casó en 1946), tiene 94 años, apenas puede caminar. Yo tengo 88 años, así que hoy en día invento una casa de viejos muy agradable, adonde me dejan en paz.

La lectura ha sido determinante en su vida. Justamente fue a partir de un libro que le regaló su madre, El surrealismo, de Herbert Read, cuya portada es un cuadro de Max Ernest, Dos niños amenazados por un ruiseñor, que se introdujo en el movimiento surrealista, tenía 19 años. Más tarde alimentó ese fantástico universo con tratados de alquimia, astrología, cábala y mitología celta, y ahora se sumerge en la física para encontrar respuestas a ciertos misterios de la vida.

¿Qué encontró en esta ciencia?

No sé de esto. Yo solamente soy una persona muy ignorante de la física y de la matemática, me enseñan un número y no sé de qué lado hay que escribir.

Me interesa tratar de saber qué somos, porque no sabemos de dónde venimos. Sabemos sólo los detalles sexuales de los papás, pero esto realmente no explica mucho, porque ¿qué es el sexo, de dónde viene?

¿Qué le preocupa del mundo exterior?

Todo el planeta, con todos los seres encima y todo lo que está a su alrededor, que es mucho.

Creo que el ser humano es un animal muy peligroso, estropea el planeta con las agresiones, las matanzas, los otros animales tienen una moral, qué puedo decir… no creo que las mujeres sean tan maravillosas tampoco. Ahora veo con terror el mundo.

¿Ahora más que antes?

Sí, ahora más que antes.

Pero, ¿hubo mujeres importantes que marcaron su vida?

“Importante” me parece una palabra vacía.

¿Cómo ve la posición social de la mujer en la actualidad?

Mejor que cuando nací. Provengo de una familia muy convencional, tuve tres hermanos y yo era la única mujer. Mi padre era bastante autoritario y mi madre lo era menos.

“Las sensaciones son muy difíciles de expresar con palabras intelectuales, porque los sentimientos son diferentes a lo intelectual… a veces entran en conflicto”.

¿Qué movimiento artístico de las nuevas generaciones le gusta?

No puedo dar una opinión porque no soy crítica de arte. Lo que hacen, hacen. Si me gusta o no me gusta es cosa personal, mía. Pero los artistas hacen lo que les viene en gana.

¿Existe en la actualidad un movimiento surrealista?

Surrealista en la actualidad, no. De lo que he visto no hay. Esto es una cosa que ya pasó y lo que hacen ahora es lo que le salen, uno hace lo que sale, uno hace lo que sabe, ¿no?

¿El surrealismo fue una actitud?

No hay que poner la palabra antes de la realidad, hay que poner primero la realidad. La realidad es que encontré el surrealismo en un libro que me regaló mi mamá en Navidad, que estaba escrito por un inglés que se llamaba Herbert Read. Tenía una afinidad muy cercana con ese movimiento, por lo que no fue una decisión propia. Esa es la verdad.

El encuentro fue sumamente ordinario y sencillo. Mi mamá me dio un libro porque le gustó la portada.

Cuando llegó a México ¿con qué país se encontró?

Primeramente no había tanto smog, no había tanta gente y tampoco tantos coches. Era más fácil de respirar, la gente era más amable, aunque conmigo siempre han sido muy amables.

¿Y el México de hoy cómo lo ve?

Mis informantes son los choferes de taxi y cada uno dice algo diferente, yo sé muy poco de lo qué pasa.

Leonora no quiere hablar de lo que ella llama política, aunque pertenezca a una generación de artistas cuyo pensamiento crítico los llevó a ser protagonistas de una ruptura. Además de formar parte de una emigración europea, muchos de ellos refugiados políticos, que llegaron bajo el amparo del gobierno de Lázaro Cárdenas entre 1934 y 1940.

Antes de desembarcar en México, Leonora se instaló en Nueva York junto a su marido, el mexicano Renato Leduc, con quien se casó en Portugal. Pero fue aquí donde se consolidó como artista.

De todos esos lugares que recorrió, ¿cuáles le resultaron más pictóricos?

Todos me gustan como lugares de sorpresa, de enseñanza o físicamente hermosos. Por ejemplo, París y Londres son muy sublimes, Nueva York es muy interesante, Chicago también.

¿Y qué le fue aportando para su obra?

En México he tenido más posibilidades, ahora cambió un poco. Aquí empecé hacer algo que llegó al público, pero no lo pensé de esta manera cuando yo estaba trabajando.

¿Qué es para usted la vejez?

Creo que la naturaleza es muy feroz. Es muy desagradable nacer, estamos condenados a nacer. Llegamos a la vejez que tampoco es muy agradable, y la muerte no sé, nunca en mi memoria me he muerto.

Yo no conozco a nadie, ni a mí misma. Uno no puede conocerse, los seres vivos no sabemos nada. Estoy convencida de la enorme y oscura ignorancia en la cual todos vivimos. Somos una cosa tan chiquita en el enorme universo y no sabemos nada. Usted me pregunta cosas que no puedo contestar, no puedo. Porque tengo conciencia de estar prácticamente invisible.

Pero usted es una persona pública…

Esto llegó, pero no juego ese papel, trato de no jugar papeles, no tengo tiempo. Todos estamos en una enorme oscuridad y la única sabiduría para mí es saber que no sabemos nada.

Leonora deja entrever a una mujer que posee una sensibilidad diferente al resto. Es consciente de que ante una entrevista se calza su mejor traje blindado. De ahí que, al final, ofrece disculpas.

Los años no la han hecho indiferente a la “descomposición del mundo”, sino que lo denuncia. Tampoco le robaron belleza, la colmaron de misterio y elegancia, porque desde ese mapa que la vida ha dibujado sobre su rostro se asoma ese rasgo de “oscuridad”, que no es más que el espacio que ha reservado para sí misma. Por ello es una mujer mágica.

“Leonora Carrington en la Ciudad de México” Arte y Cultura, Exposiciones| febrero 13, 2008 16:20

Las esculturas de la artista surrealista británica Leonora Carrington han tomado desde hoy hasta el próximo 31 de octubre un tramo de una de las principales vías de la ciudad de México en una iniciativa de la alcaldía, que pretende sacar el arte a la calle.

La colección de 17 esculturas que forman la exposición “Leonora Carrington en la Ciudad de México” fueron realizadas entre 1994 y 2007 y miden desde 90 centímetros a 8,5 metros de alto, según informó el comisario de la exposición, Isaac Masri.

Están acompañadas por 50 paneles luminosos con pinturas de la artista, fotos suyas y de su familia, y frases sobre su modo de ver la vida. Este proyecto de arte en espacios públicos está situado en el neurálgico Paseo de Reforma, desde el Museo de Arte Contemporáneo Tamayo hasta el Museo de Antropología.

http://es.wikipedia.org/wiki/Leonora_Carrington

http://www.animalpolitico.com/2011/05/muere-leonora-carrington/

http://nalocos.blogspot.com/2011/05/el-siglo-de-leonora-carrington.html

http://defecito.com/2008/02/13/esculturas-de-leonora-carrington-en-reforma/

Perota Chingo

2012-02-03T10:11:00.001+01:00

Perota chingo esta conformado por Julia Ortiz y Dolores Aguirre ( conocidas en la net como Dolo y Maju ), si bien ambas somos oriundas de la costa norte Porteña del Rio de la Plata y nos conocemos hace ya unos 20 años, esta formación surge en y para el verano del 2011, con la autopropuesta de conocer toda la costa Uruguaya a dedo, guitarra y dos voces .

el cabo Polonio nos abrio todas sus puertas y ventanas y nos abrazo con fuerza en un flujo arremolinado de energías musicales.

nos encontramos un muy buen día con Pocho Alvarez y Martin Donozo que en esta serie de espontaneidades nos invitaron a un rico plato de trigo con pasas y capturaron de la forma mas sensible un momento de estos momentos magicos, unicos e irrepetibles.

Dolores Aguirre es la autora de este especie de sonido "saca-sonrisas"

Lo filmó Pocho Alvarez (pochoalvarez@gmail.com) y lo hizo junto con Martin Donozo (tinchodonozo@gmail.com) (gracias muchachis) y fue extraido de unos minutos de tarde de Cabo Polonio en 2011.

Pueden seguirlas en Facebook poniendo "Perota Chingo"!!! www.facebook.com/perotachingo

Alice Walker

2012-02-02T11:56:00.001+01:00

Alice Walker

Alice Malsenior Walker (nacida el 9 de febrero de 1944) es una escritora afroamericana y feminista que recibió el Premio Pulitzer a la obra de ficción en 1983 por la novela El color púrpura, en la que se basó la película del mismo nombre, dirigida por Steven Spielberg.

Los primeros años y la influencia de su madreWalker nació en Eatonton (Georgia, Estados Unidos), y su familia tiene sangre cherokee, escocesa e irlandesa. Fue la octava y última hija de Willie Lee Walker y Minnie Talulah Grant, que eran nietos de esclavos y aparceros en la pequeña comunidad agrícola sureña y vivían en una minúscula cabaña.

Según indica Carmen Alborch en un capítulo de su libro Libres, ciudadanas del mundo dedicado a esta autora, las relaciones de Walker con su padre fueron conflictivas, especialmente cuando la joven mostró interés por los trabajos intelectuales.Su madre se dedicaba al servicio doméstico y también era costurera. No soportaba los malos tratos y se marchó de casa de su propio padre, que intentaba tratarla mal. Esto parece indicar que su madre pudo ser la figura en la que se inspiró para diseñar a Celie, la protagonista de su principal novela.Además, su madre –no se sabe si de manera consciente o no- pareció señalarle el destino cuando, tras ahorrar durante mucho tiempo, le regaló tres objetos: una máquina de coser que le permitiría ser independiente, una maleta para que viajara y regresara y una máquina de escribir.

El trauma de la ceguera

Cuando a los 8 años jugaba con sus hermanos a indios y vaqueros, uno de ellos le disparó con una escopeta de perdigones y dejó a Walker tuerta de por vida. Para la escritora éste fue un acontecimiento que marcó su vida porque su familia trató el suceso como un accidente mientras que ella lo consideraba un acto totalmente deliberado.Por otro lado, la cicatriz dejó en ella un profundo sentimiento de fealdad, aislamiento y soledad y se vio discriminada por otros niños y niñas, sintiéndose incapaz, debido a ella, de mirar a los ojos a otras personas.

Probablemente esto influyó de varias formas en su literatura, ya que, en su opinión, su desarrollo como escritora se inició porque pudo quedarse fuera y observar. Es decir, la herida le proporcionó consciencia y lucidez.Carmen Alborch señala además que los personajes de sus novelas atienden a multitud de asuntos (sociales, políticos, económicos o culturales, entre otros), pero estas circunstancias se mueven con un impulso interno: la conciencia. Por ello, la cuestión que se repite en la obra de Walker es cómo cambian las personas y qué les hace cambiar.

Vida

Entre 1967 y 1976 estuvo casada con Mel Leventhal, activista y abogado defensor de los derechos humanos de origen judío, y la pareja tuvo una hija, Rebecca Walker, quien también es activista y escritora reconocida (en el 2000 publicó sus memorias, Black White and Jewish (Negra, blanca y judía, aún no publicada en español), donde describe la influencia negativa de la relación de sus padres sobre su infancia.

Actualmente, Walker y su hija están separadas. Rebecca declaró que su madre escribió que su "relación había sido incongruente durante muchos años, y que ella ya no estaba interesada en ser mi madre."

Walker es vegetariana. Walker habló abiertamente de su relación amorosa con la cantautora Tracy Chapman en una entrevista en diciembre de 2006 con The Guardian, en donde explicó por qué no hicieron pública su relación, diciendo que "la relación era encantadora y amorosa y maravillosa, y yo la disfruté por completo, y estaba absolutamente enamorada de ella, pero no se trataba de un asunto de nadie más, era un asunto nuestro.

Obra

Walker ha escrito novelas, relatos, ensayos y libros de poemas. Sus escritos suelen centrarse en las luchas de los afroamericanos, especialmente las mujeres, y su testimonio contra las sociedades racistas, sexistas y violentas. También escribe sobre el papel de la mujer negra en la cultura y la historia.

El color púrpura

En 1982, Walker publicaría el que fuera su trabajo más conocido, la novela epistolar El color púrpura. Se trata de la historia de una joven mujer negra en lucha no sólo contra el racismo de la cultura blanca, sino también contra las actitudes fomentadas desde el patriarcado negro. Este libro obtuvo un absoluto éxito comercial. Acabó convirtiéndose en un best seller que en 1985 vería una adaptación cinematográfica dirigida por Steven Spielberg, en la que ella misma se encargó de adaptar el guion, y su secuela como musical de Broadway en 2005.

Además del Premio Pulizter en 1983, también ganó el American Book Award por este libro.Por otra parte, el libro ha recibido numerosas críticas centradas en la imagen que el libro da de los hombres afroamericanos.

Cuando fue publicado, había críticas sobre los perfiles de los personajes masculinos, ya que se les describía como abusadores (en el caso de Alber/Mr) o bufones (como su hijastro Harpo). Las críticas se intensificaron cuando la película vio la luz, ya que la trama de ésta corta una significativa parte del libro en la que se cuenta una reconciliación entre Albert y Celie, la protagonista.

Activismo

Walker es una figura muy respetada en la comunidad política liberal por su apoyo a las visiones impopulares e inconvencionales como principio personal. Se reconoce abiertamente como bisexual y apoya los derechos de las personas en cuanto a la diversidad sexual, étnica o racial.Su principal influencia fue el activista Howard Zinn, uno de los profesores del Spelman Collage donde ella estudió. Ella pasó varios años en la década de los 60 trabajando como activista por los derechos civiles. Se ha implicado en causas como la ambiental, la feminista, la de los derechos de los animales, contra el bloqueo a Cuba y contra la mutilación genital femenina.

Así que al final ni siquiera se puede realmente lamentar de su desgracia ", explica la querida autora Alice Walker," porque la llevó a alguna parte. "

Walker habla de su experiencia. El crecimiento entre la pobreza en el Sur segregado y la perdida de parte de su visión en un accidente de la niñez, el recibir amenazas del Ku Klux Klan por su matrimonio interracial y trabajar con la NAACP en Mississippi en 1960 . Walker ha tenido su cuota de dificultades.

Pero con los años ha canalizado estas experiencias innovadoras en la ficción sobre la vida de los negros en Estados Unidos, convirtiéndose en una de las-los escritores más célebres de su tiempo. A través de su continua dedicación a la escritura y la política , sigue siendo un gran ejemplo de lo que significa llevar una vida con objetivos.

Open Road Media se enorgullece en presentar este vídeo inspirador de la nueva Walker, cuya obra está ahora disponible por primera vez en formato digital.

http://es.wikipedia.org/wiki/Alice_Walker
http://aalbc.com/authors/alice.htm#.TyJrdMVdxIE
http://www.openroadmedia.com/authors/alice-walker.aspx

Jane Jacobs

2012-02-01T20:37:00.000+01:00

Jane Butzner Jacobs (Scranton, 4 de mayo de 1916 — Toronto, 25 de abril de 2006) fue una divulgadora científica, teórica del urbanismo y activista político-social canadiense, nacida en Estados Unidos.

Su obra más influyente fue The Death and Life of Great American Cities (1961), en la cual critica duramente las prácticas de renovación urbana de los años cincuenta del siglo XX en Estados Unidos, cuyos planificadores (planificación urbanística, diseño urbano) asumían modelos esquemáticos ideales que según ella condujeron a la destrucción del espacio público. Utilizando métodos científicos innovadores e interdisciplinares (procedentes tanto de las ciencias sociales como de las ciencias naturales), la autora identificaba las causas de la violencia en lo cotidiano de la vida urbana, según estuviera sujeta al abandono o, por el contrario, a la buena alimentación, la seguridad y la calidad de vida

Sus ideas sobre la autoorganización espontánea del urbanismo fueron aplicadas en el posterior concepto de sistemas emergentes.

Además de por su obra literaria, Jacobs destacó por su activismo en la organización de movimientos sociales autodefinidos como espontáneos (grassroots), encaminados a paralizar los proyectos urbanísticos que entendía que destruían las comunidades locales. Primero en Estados Unidos, donde consiguió la cancelación del Lower Manhattan Expressway; y posteriormente en Canadá, a donde emigró en 1968 y donde consiguió la cancelación del Spadina Expressway y la red de autopistas que pretendían construirse

Jane Jacobs era una pensadora brillante y una revolucionaria en su disciplina. Sus teorías fueron claves para entender la gestión urbanística de ciudades como Nueva York y otros grandes núcleos urbanos en Norteamérica.

Jane Jacobs, teórica y activista del urbanismo humanista-

El pasado martes, 25 de abril de 2006, Jacobs falleció en un hospital Toronto (Canadá) a los 89 años, donde vivía desde 1968, tras abandonar Estados Unidos para evitar que sus hijos fueran alistados en el Ejército para ir a la Guerra de Vietnam. Le irritaba saber que sus impuestos servían para financiar el conflicto, hasta el punto de que se cuestionó su lealtad.

El próximo 4 de mayo iba a cumplir 90 años, pero su salud era delicada. Nacida en la ciudad minera de Scranton (Pensilvania), Jane Jacobs no tenía una formación académica en la disciplina que dominaba.

Pero como decía el alcalde de Toronto, David Miller, sus contribuciones y conocimientos cambiaron la forma en la que se desarrollan las grandes ciudades norteamericanas. Su trabajo más conocido se titula The Death and Life of Great American Cities, publicado en 1961, todo un clásico y referente en el mundo de la arquitectura urbana.

Era una persona exuberante, original, amable y con una mente privilegiada, genial. Su magia estuvo en transformar la visión tecnócrata que tenían los planificadores urbanísticos de la época, para que se fijaran más en las cuestiones humanas de las ciudades y en sus comunidades.

Y de esta manera se opuso frontalmente a la expansión descontrolada de las urbes, a la construcción de grandes autovías que tejieran los núcleos urbanos, a los coches como símbolo del progreso, a la separación de los barrios o a la idea de que las calles vacías eran una garantía de seguridad.

En su particular visión de la ciudad, Jacobs intentó cambiar las reglas que dominaban en su tiempo y trató de imponer nuevos principios, para hacer de las calles y de los barrios lugares vibrantes para vivir y trabajar, llenos de gente, con comercio, a la vez que se preservaba su naturaleza distintiva, atendiendo a sus raíces históricas. Y en esta nueva realidad que proponía, la iniciativa de la autoridad local jugaba un papel primordial frente a una burocracia centralizada. "Inspiró una especie de revolución", dijo su editor, Jason Epstein.

Antes de trasladarse a Toronto, Jane Jacobs, casada con el arquitecto Robert Jacobs, vivió durante algunos años en Nueva York. Su marido falleció en 1996. La ciudad de los rascacielos no es la única que se han impregnado de sus teorías y conocimientos. Hay otras menos conocidas, como Hércules (California) y Civano (Arizona) que han seguido las guías hacia el nuevo urbanismo surgidas del ingenio de esta pensadora.

Entre los numerosos galardones que recibió Jacobs por su obra están el que concede la National Building Foundation en Washington o la Orden de Canadá.-

SANDRO POZZI 27/04/2006

Obra

La muerte y la vida de las grandes ciudades de América (1961) Nueva York: Random House. ISBN 0-679-60047-7 (trad. fundido.

Muerte y vida de las Grandes Ciudades , Capitán swing Libros 2011)

La economía de las ciudades (1969) ISBN 0-394-70584-X (trad. fundido. La economía de las Ciudades , Edicions 62, 1969)

La cuestión del separatismo: Quebec y la lucha por la Soberanía (1980) ISBN 0-394-50981-1

Las ciudades y la riqueza de las naciones (1984) ISBN 0-394-72911-0 (trad. fundido.

Las Ciudades y la Riqueza de Las Naciones , Ariel 1986)

Sistemas de supervivencia : un diálogo sobre los fundamentos morales del comercio y la política (1992) ISBN 0-679-74816-4

La naturaleza de las economías (2000), Nueva York. Random House, The Modern Library ISBN 0-679-60340-9

Edad Oscura por delante (2004) ISBN 1-4000-6232-2

http://www.melibro.com/muerte-y-vida-de-las-grandes-ciudades-jane-jacobs/

http://www.elpais.com/articulo/agenda/Jane/Jacobs/teorica/activista/urbanismo/humanista/elpeputec/20060427elpepiage_5/Tes

http://es.wikipedia.org/wiki/Jane_Jacobs

Cynthia Nicole, defensora de los derechos de las personas transgénero

2012-01-31T00:04:00.000+01:00

Cynthia Nicole fue líder de "Colectivo Violeta", una organización que, desde 1995, se desempeña por la defensa de los derechos de las personas transgénero. Su labor abarcaba el brindar información sobre VIH/SIDA y derechos humanos, como así también la representación de su comunidad en conferencias nacionales y en los medios de comunicación. También se desempeñó como traductora de los representantes de Front Line, durante una reciente visita a Honduras, en entrevistas con defensores/as de los derechos humanos en riesgo.

Temprano por la mañana del domingo 9 de enero de 2009, tres desconocidos –que conducían un automóvil azul- dispararon contra Cynthia Nicole, quien recibió tres disparos en el pecho y uno en la cabeza, en Barrio Guaserique Comayaguela, en las inmediaciones de Tegucigalpa.

Los investigadores habrían encontrado el vehículo abandonado y los casquillos de las balas, pero ninguno de los involucrados fue identificado. Front Line considera que el asesinato de Cynthia Nicole puede tener relación con sus actividades legítimas a favor de los derechos humanos, particularmente por su compromiso con la defensa de los derechos de la comunidad transgénero.

Dado que se habría habido varios ataques violentos contra esta comunidad en los últimos meses en ese país, Front Line teme que este hecho pueda formar parte de una tendencia de hostigamiento en curso contra la comunidad transgénero en Honduras.

Publicado el 16/01/2009 Front Line manifiesta su honda preocupación ante las noticias recibidas sobre el asesinato de Cynthia Nicole, defensora de los derechos de las personas transgénero, el 9 de enero de 2009

http://www.frontlinedefenders.org/es/node/5822

Rogelia Cruz de Guatemala

2012-01-30T12:00:00.000+01:00

Este proyecto narra parte de lo que conocemos acerca de la vida de Rogelia Cruz y sus luchas, el Estado de Guatemala realizó un homenaje en el Patio de la Paz en el Palacio Nacional de la Cultura el 23 de Marzo de 2011, este video es una versión extendida que incluye la canción "Rogelia" del autor e interprete Tito Medina y los créditos de todos los que participaron en este proyecto.

Silvia Vázquez defensora de derechos humanos en México

2012-01-29T21:35:00.000+01:00

Reportan 68 ataques a activistasLas defensoras Silvia Vázquez y Malú García tuvieron que exiliarse

“¿Quién sigue ahora?”, es la pregunta con la que todas las mañanas despierta Silvia Vázquez y Malú García, defensoras de derechos humanos por cuya actividad han sido amenazadas, han sufrido atentados, sus familiares han sido asesinados o baleados, y por la que han tenido que exiliarse de sus estados para salvar la vida. ¿Por cuánto tiempo? No lo saben.

A casi un año del asesinato de Marisela Escobedo, el video del homicidio a sangre fría que le dio la vuelta al mundo sigue rondando en sus pensamientos. Esa fue la advertencia, aseguran. Ahora la persecución a defensores de derechos humanos está cobrando vidas por la impunidad con que quedan los crímenes en México. Los asesinos de la activista siguen en libertad.

De acuerdo con un reporte del Centro de Comunicación Social (Cencos) de enero a la fecha tienen registrados 68 casos de agresiones contra defensores de derechos humanos en México, basados en comunicaciones con diferentes ONG, monitoreo de medios y denuncias de activistas.

En estos 68 casos de agresiones y amenazas, según Cencos, hay involucradas y están en riesgo alrededor de 126 personas de diferentes organizaciones de todo el país, el mayor número de casos se encuentran en Oaxaca, seguido de Chiapas, Chihuahua y Guerrero; los responsables de las amenazas y agresiones son en su mayoría funcionarios públicos, principalmente policías estatales y municipales; el tipo de agresión más frecuente son las amenazas, seguidas del asesinato y el hostigamiento.

“No esperas que la defensa de derechos humanos sea un crimen en México”, dice Silvia Vázquez, quien tras los atentados y amenazas que sufrió debió salir de Tijuana para refugiarse en otro estado del país.

Vive sin protección

Aunque tiene dictadas medidas cautelares por parte de la Comisión Interamericana de Derechos Humanos (CIDH), vive sin protección policial y ha aprendido a establecer sus propios protocolos de seguridad con familiares y amigos.

“¿A qué te limita el Estado? Pues a perderlo todo. A fracturar tu familia, tu círculo social, tu círculo profesional y te limita la defensa de los casos. Porque al final, al estar hostigándote, amenazándote, es para que tú dejes de hacerlo. Quieren mantenerte atemorizada todo el tiempo y que no estés cerca de tus víctimas”, señala Vázquez.

La activista considera que “lo que quieren es orillarte a perderlo todo, tu estabilidad emocional, familiar y económica, porque te enfrentas a críticas, a cuestionamientos no solamente profesionales porque también tu familia te cuestiona. En el momento en que tienes que huir, en que atentan contra tus padres, claro que la familia te cuestiona: ¿en qué estás metido?”.

Silvia se niega a dejar la defensoría. Pese a todo lo que a perdido, asegura que sus esfuerzos valen la pena. Ahora ejerce su acompañamiento a víctimas a través de internet y redes sociales ante las amenazas del crimen organizado.

OPERATIVO. Militares y policías de Guerrero y federales participan en la búsqueda de Marcial Bautista Valle y Eva Alarcón Ortiz, militantes del Movimiento por la Paz (Foto: ADRIANA COVARRUBIAS EL UNIVERSAL )

http://www.eluniversal.com.mx/estados/83401.html

http://blog.rtve.es/desdemexico/

Ángeles Marco

2012-01-28T14:15:00.000+01:00

La artista valenciana Ángeles Marco, es uno de los grandes referentes de la escultura en la Comunitat y en España,

Nacida en Valencia en 1947, estudió en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos hasta 1966, y posteriormente obtuvo el doctorado en 1987 por la Universitat Politècnica de València, en la que era profesora desde 1989 en la Facultad de Bellas Artes.La escultora falleció a los 61 años de edad el 26 de noviembre de 2008.

Durante dos décadas compaginó la docencia con la creación. Los expertos señalan la notable influencia del minimalismo, el constructivismo y el arte conceptual en la obra de Ángeles Marco, centrada en la escultura a lo largo de una trayectoria de más de treinta años. El hierro se convirtió con el tiempo en su material preferido, aunque también trabajó con otros como el caucho, la cera o el cristal.

En 1988 obtuvo el Premio Alfons Roig de la Diputación de Valencia, una de las instituciones en las que pervive su obra, que también se encuentra en colecciones como las de la Diputación de Alicante, Bancaja, el IVAM o las universidades literaria y politécnica.

El IVAM le dedicó en 1998 en el Centre del Carme una de sus últimas grandes exposiciones, con Ángeles Marco. El taller de la memoria, a la que seguiría en 2001 Trípodes oblicuos y conos, en la Universidad Politécnica.

Impulsora de nuevos lenguajes en la escultura, muy personal e innovadora, Ángeles Marco llevó a lo más alto el arte moderno. En su doble faceta de artista y docente, pues era doctora en Bellas Artes y profesora en la Universidad Politécnica de Valencia, consiguió dar gran impulso al arte escultórico y ha dejado buena muestra de su maestría en puntos como las diputaciones de Valencia y Alicante, la Caja de Ahorros de Valencia, el museo de Arte Contemporáneo de Madrid, el IVAM, el museo de Bellas Artes de Málaga, la Universidad Literaria de Valencia y la Universidad Politécnica, donde poseen obra de la autora.

La artista realizó exposiciones individuales en Arco, el Centro del Carmen, el museo de Arte Contemporáneo de Madrid o en la galería Leonarte de Valencia.

http://www.levante-emv.com/secciones/noticia.jsp?pRef=2008120100_39_526210__Cultura-Fallece-escultora-Angeles-Marco

http://www.lasprovincias.es/valencia/20081130/cultura/fallece-escultora-valenciana-angeles-20081130.html

http://linea-e.com/angeles-marco/1

http://www.liberediciones.com/masobrartistas.asp?autor=Marco,%20%C1ngeles%20&pagina=1&grupo=masobragrafica&bot=

http://www.salaparpallo.es/user_page_182.wbe?go_250=page&page=4

http://www.mac.uchile.cl/exposiciones/arteespanol/angelesmarco/index.html

http://yogartevida.blogspot.com/2008/11/en-memoria-de-mi-madre-ngeles-marco.html

Manuela Pinheiro de Portugal

2012-01-27T10:07:00.000+01:00

Maria Manuela Pinheiro da Silva (n. 1939) Sem título Tecnica mista sobre papel Assinado e datado de '88' Dim.: 63 x 48 cm. Diplomada em 1965 na ESBAL com uma classificação de 19 valores, formou-se em outras áreas tais como Ciências Pedagógicas e Gravura, e foi bolseira da Fundação Calouste Gulbenkian em 1964 e 1966, da Embaixada de Espanha em Portugal, entre outras. Realizou inúmeras exposições individuais e colectivas desde 1959.

Manuela Pinheiro es una pintora portuguesa .

Manuela Pinheiro, se graduó en pintura en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Lisboa , también hizo el curso de Ciencias Pedagógicas de la Facultad de la Universidad de Lisboa y el curso de grabado en la Sociedad Cooperativa de Grabadores portugués . La artista fue una beca de la Fundación Calouste Gulbenkian , la Embajada de España y el Instituto de Cultura Superior de la Escuela Superior de Bellas Artes de San Jorge de Barcelona, .

http://fadoepoesia.blogspot.com/
http://www.arcadja.com/auctions/es/pinheiro_manuela/artista/368264/
http://www.dgaj.mj.pt/sections/files/galeria/antigas/pintura-de-manuela/

Coosje van Bruggen

2012-01-26T10:52:00.000+01:00

Coosje van Bruggen ( Groningen , 06 de junio 1942 - Los Angeles , 10 de enero 2009 ) fue una escultora holandésa / americana . Estudió historia del arte en la Universidad de Groningen y luego trabajó en el Stedelijk Museum de Amsterdam . De 1971 a 1976 enseñó en la Academia de Arte e Industria (IRA) en Enschede . Más tarde se instaló en el Estados Unidos . Trabajado desde 1976 con el escultor Claes Oldenburg , con el que en 1977 se casó.

Desde el comienzo de los años ochenta, Van Bruggen también trabajó como independiente curador y crítico de arte. Fue miembro del comité de selección para la Documenta 7 en 1982 en Kassel .

En 1993, Van Bruggen se nacionaliza estadounidense.Coosje van Bruggen murió el 10 de enero de 2009 en Los Angeles por los efectos del cáncer de mama.

Ella hizo con su marido más de cuarenta obras para espacios públicos. Las obras de Claes Oldenburg y Coosje van Bruggen pertenecen al arte pop . Coosje van Bruggen publicó los primeros trabajos de Claes Oldenburg, el Museo Guggenheim (Bilbao) y la obra de Bruce Nauman .

Coosje van Bruggen, artistaRedefinió con su marido, Claes Oldenburg, el lenguaje de la escultura pública monumental
El próximo mayo, la holandesa Coosje van Bruggen no podrá estar en el parque de esculturas del Museo Kistefos, cerca de Oslo, para instalar las chinchetas gigantes de Tumbling Tacks, la última obra que creó con su marido, Claes Oldenburg. El pasado 10 de enero, un tumor acabó con su vida, en su residencia de Los Ángeles, a la edad de 66 años.
La enfermedad se le declaró en 2006, cuando preparaba su mayor exposición retrospectiva, el reconocimiento de 30 años de vida y trabajo en común, que se presentó en octubre de aquel año en el Castello di Rivoli de Turín (Italia) y en marzo de 2007 en la Fundación Miró de Barcelona. Entonces el tratamiento al que se sometía le impidió acudir, aunque siguió ocupándose personalmente del montaje de éste y otros proyectos como siempre hizo desde que empezó a trabajar con Oldenburg.Culta y refinada, formada en el ámbito de la historiografía noreuropea, Van Bruggen (Groningen, 1942) trabajaba en el Museo Stedelijk de Ámsterdam cuando le encargaron coordinar una exposición de Oldenburg (Estocolmo, 1929), uno de los padres del pop americano.
Era 1970 y fueron necesarios cinco años para que éste le convenciera de que no era otro "típico artista imperialista". En 1976 firmaron Trowel, su primera obra juntos, y el año siguiente ratificaron con el matrimonio una alianza que duró el resto de su vida. "No perseguimos una irrealizable comprensión total. Nuestro trabajo avanza como un partido de pimpóm, desde el diálogo íntimo hacia la cristalización definitiva, primero el esbozo, luego el estudio, el modelo tridimensional o la configuración dinámica por ordenador, siguiendo un método que privilegia las sensaciones al análisis", explicó Van Bruggen en Turín.Aunque cierta crítica misógina intentó restar importancia a su trabajo, su papel fue fundamental y consiguió introducir un nuevo dinamismo, tanto formal como conceptual, en el impacto monolítico de las obras del primer Oldenburg.
Durante 30 años concibieron sus piezas juntos: luego él se centraba en las formas y ella en los colores y el emplazamiento. Juntos capearon las múltiples polémicas provocadas por su innovadora concepción de la escultura pública monumental y su lenguaje irónico que explota la sorpresa causada por la alteración de las dimensiones de objetos cotidianos e intencionadamente estereotipados. En Barcelona dejaron una gigantesca caja de cerillas, que se suma a los más de 40 large-scale projects, como la corbata que desafía la ley de la gravedad de Francfort o el arco y la flecha de Cupido que brotan entre la hierba de San Francisco.Las chinchetas a partir de mayo parecerán rodar de la ladera de una colina noruega quedarán como un último monumento a su ironía, sentido del humor y profunda humanidad.

http://elleaimeny.blogspot.com/2009/01/coosje-van-bruggen-dies-at-66-art.html
http://www.elpais.com/articulo/Necrologicas/Coosje/van/Bruggen/artista/elpepinec/20090119elpepinec_1/Tes

http://nl.wikipedia.org/wiki/Coosje_van_Bruggen

http://trialx.com/curetalk/2011/04/coosje-van-bruggen-diagnosed-with-breast-cancer/

Chavela Vargas

2012-01-25T10:12:00.000+01:00

Isabel Vargas Lizano (San Joaquín de Flores, Costa Rica, 17 de abril de 1919) es una cantante nacida en Costa Rica y bautizada en la Parroquia de Guadalupe el quince de julio de mil novecientos diecinueve con el nombre Maria Isabel Anita Carmen de Jesús, hija de Francisco Vargas y Herminia Lizano. Nacionalizada mexicana.

En México ha residido por más de siete décadas, donde es conocida artísticamente como Chavela Vargas. La canción ranchera es un género musical muy masculino y sensual, cantado generalmente por hombres. Chavela solía cantar canciones normalmente interpretadas por hombres sobre su deseo por las mujeres. Vestía como un hombre, fumaba tabaco, bebía mucho, llevaba pistola y era reconocida por su característico gabán rojo.

En una entrevista para la televisión colombiana en el año 2000, expresó abiertamente que era lesbiana.

Chavela Vargas huyó a México cuando tenía 17 añosy posteriormente adoptó la nacionalidad mexicana. Durante muchos años cantó en las calles hasta que a los treinta se hizo cantante profesional, de la mano de José Alfredo Jiménez, cantante y compositor de sus mayores éxitos.Su primer álbum fue publicado en 1961 y desde entonces ha grabado más de ochenta discos. Se retiró a finales de los años setenta y regresó en 1991.Apareció en la película de Julie Taymor, Frida, cantando sus clásicos La llorona y Paloma negra.En 2004, a la edad de 85 años, presentó el disco En Carnegie Hall.También apareció en Babel, la película de Alejandro González Iñárritu, cantando Tú me acostumbraste, bolero de Frank Domínguez.Actualmente vive en Tepoztlán, en el Estado de Morelos, a las faldas del Cerro del Tepozteco con quien ella cuenta que platica todas las mañanas.

Durante 2009, con motivo de su 90 aniversario, el Gobierno de la Ciudad de México le rindió un homenaje nombrándola ciudadana distinguida. A este evento concurrieron, de manera presencial y a través de video, múltiples personalidades del ámbito artístico, cultural y periodístico de Iberoamérica, entre los que se cuentan la cantautora Julieta Venegas, la intérprete Eugenia León, el escritor Carlos Monsiváis, la periodista Carmen Aristegui y sus amigos Joaquín Sabina y Pedro Almodóvar.Aparece inmortalizada en la canción Por el bulevar de los sueños rotos de Joaquín Sabina y Álvaro Urquijo.
En diciembre de 2009, en coautoría con María Cortina, se presenta el libro Las verdades de Chavela, que narra a modo de entrevista, los acontecimientos más trascendentes de la vida de Chavela Vargas.

En abril de 2010, a los 91 años de edad, presenta su más reciente material discográfico POR MI CULPA, en el que se incluyen duetos con sus grandes amigos: Eugenia León, Lila Downs, Joaquín Sabina, La Negra Chagra y Mario Ávila. Y en octubre de 2010 se presenta, en el marco de la Feria Internacional del Libro de la Ciudad de México, en un concierto junto con la Negra Chagra y logra reunir en el zócalo de la ciudad a centenares de personas para el relanzamiento de su libro y disco.

http://es.wikipedia.org/wiki/Chavela_Vargas
Sitio web www.chavelavargas.com.mx

Madalena Barbosa de Portugal

2012-01-24T08:23:00.002+01:00

Madalena Barbosa (1942 - 21 de febrero de 2008) fue la fundadora del Movimiento para la Liberación de la Mujer ( Movimiento de Liberación das Mulheres ), en abril de 1974, creado para "luchar por el derecho a la igualdad de oportunidades sin discriminación de género".

En 1980, Madalena Barbosa se unió a la Comisión de la Condición de la Mujer, Comisión para la Ciudadanía y Género. En las elecciónes de 2007, fue candidata a la Cámara Municipal de Lisboa por el izquierdista Movimiento Ciudadano por Lisboa (Movimento Cidadãos Por Lisboa).En el curso de su carrera como activista represento a Portugal y a la Unión Europea en las diferentes cumbres y conferencias internacionales, sobre todo en Nueva York .

Madalena Barbosa se auto-identificaba como " feminista , socialista y mujer ", conocida como" experta en género "en otros lugares del mundo.Madalena Barbosa murió un día antes del lanzamiento de Que Força é Essa ("¿Qué es esta fuerza"), su crónica de la reflexión sobre temas como el feminismo y los estudios de igualdad de género, la participación cívica y política .

El trabajo se lanzo en la Fábrica Braço de Prata en Lisboa, como un homenaje final a ella.
Existe un documental sobre su vida al que no hemos podido acceder (ZEIT DER HOFFNUNGEN Drei Frauen in einer Portugiesischen Familie, Evelyn Schels, 2003 )

En el siguiente link aparece un seminario sobre feminismo del que es autora :
http://es.scribd.com/shyznogud/d/3638714-Madalena-Barbosa-Feminismo
Otras fuentes:

http://en.wikipedia.org/wiki/Madalena_Barbosa
http://www.cidadaosporlisboa.org/index.htm?no=10100001236:062008
http://aeiou.expresso.pt/cinema-maratona-de-filmes-sobre-a-condicao-feminina-comeca-sexta-feira-no-sao-jorge=f343543

Susy Gomez

2012-01-23T11:09:00.002+01:00

Nació en Pollenza (Mallorca) en el año 1965. Estudió en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona. Luego de finalizar su formación, realizó su primera exposición en la Galería Norai de su ciudad natal, en 1987. En 1993, provocó una gran sorpresa con su exposición individual en la Fundación Miró de Barcelona.

La obra de Susy Gómez se caracteriza por una gran versatilidad técnica: pintura, la fotografía, la escultura, el dibujo, el vídeo o la instalación los territorios.A partir de Arco 95, su obra causó una gran expectativa, por lo que fue incluida en importantes muestras colectivas tanto nacionales como internacionales, como el Salón de los 16 de ese mismo año.

Desde entonces realizó varias exposiciones individuales, de las que se destacan: la realizada en 1996 en la Galería Toni Tápies-Edicions T (Barcelona), La Casa Que Hoy Soy realizada en 1997 en la Galería Giorgo Persano (Turín), With A Kiss, hecha en 1998 en el Centre of Contemporary Art Ileana Tounta (Atenas) y Maldito Corazón, llevada a cabo en 1999 en el Musue d’Art Moderne et d’Art Contemporain (Niza).

En 1999 obtuvo la Beca Endesa. Al año siguiente el Centre del Carmen del Ivam deValenciarealizó su primera retrospectiva, Algunas Cosas Que Llamaba Mías. En 2001 el Museo de Pollenza presentó su individual No sé cuantas veces. En 2005 fue una de los catorce artistas que compuso la muestra Contemporáneos 2005, una exposición organizada por el BBVA.

En su obra se pueden ver varias propuestas, que continúan la tradición del postminimalismo (que rechaza la forma por la forma sin querer imponer otra posibilidad), y que a la vez está vinculada a las estéticas más actuales. En definitiva, se mueve en su arte con una profunda libertad.Además de trabajar con el cuerpo femenino, utiliza otras imágenes, como las flores, el mar, barcas, corazones, casas, vestidos, paisajes; y sus temas van desde el amor, el interior y las apariencias, hasta la infancia y la creación artística.

http://cacmalaga.org/?p=22
http://www.artespain.com/10-04-2008/pintura/biografia-de-susy-gomez
http://www.artespain.com/10-04-2008/pintura/biografia-de-susy-gomez
http://itfashion.com/03-arte/arte-de-revista/

Lila Downs

2012-01-22T12:54:00.001+01:00

Ana Lila Downs Sánchez más conocida como Lila Downs (nacida el 19 de septiembre de 1968 en Heroica Ciudad de Tlaxiaco, Oaxaca, México) es una cantante, intérprete, compositora, productora discográfica y actriz mexicana del género world music, que canta en diversos idiomas de América del Norte, principalmente en español.

En su estilo musical reivindica sus raíces mexicanas y la de los pueblos indígenas de México, interpretando melodías en diversas lenguas entre los que destacan sobre todo el mixteco, zapoteco, maya, purépecha y náhuatl, además de las músicas regionales de México basándose en los sonidos de Oaxaca.

Downs adquirió fama tras el lanzamiento de su álbum de estudio debut La Sandunga en 1999, que logró éxito comercial y una recepción crítica positiva, pero su debut comercial en el mercado discográfico hispanoamericano fue en 2000 con el álbum Árbol de la Vida/Tree of Life y el éxito internacional le llegó de forma definitiva en 2001 con La Línea/Border, ha sido ganadora en una ocasión del Premio Grammy y dos veces ganadora del Grammy Latino, inspirada en cantantes de trova como Mercedes Sosa y Chabuca Granda, así como artistas de música folclórica como Totó la Momposina y Susana Baca,

Lila es conocida por su sentido estético con respecto a la música, su peculiar estilo de vestir donde combina trajes regionales de México fusionados con estilos modernos y alternativos, las presentaciones en vivo y los videos musicales en los que siempre es cambiante y extravagante. Su contribución a la industria musical le ha aportado numerosos reconocimientos.

Actualmente Lila Downs es considerada unas de las artistas más importantes de su género por su impacto global claramente consolidado, y se ubica dentro de los artistas más importantes del mundo.

http://es.wikipedia.org/wiki/Lila_Downs
http://www.liladowns.com/us/home

SUFRAGISTAS Y SINDICALISTAS (La participación femenina en los espacios públicos)

2012-01-21T00:25:00.000+01:00

“Es la hora inaugural de la historia

para las mujeres del mundo.

Es la hora de las mujeres”.

(Raymond Robins, Sindicalista Norteamericana

Congreso de la National Women`s Trade Union League 1917)

En la organización socio-cultural de la que somos partícipes, la historia de la humanidad que nos ha sido presentada, ha sido una historia unidimensional, donde las mujeres, su presencia, sus experiencias, han sido ignoradas, irreconocidas y excluidas durante los diferentes periodos del complejo societal; por ello, es posible afirmar que la historia ha sido relatada desde una perspectiva androcéntrica, universalizadora de la historia de los hombres como una historia de la humanidad, y donde incluso la limitada historia de las mujeres de la cual tenemos noción ha sido abordada desde una concepción androcéntrica.

Las mujeres reconocidas en la historia han sido aquellas masculinizadas, es decir, aquellas cuya acción estuvo condicionada por prácticas y conductas históricamente monopolizadas por los hombres, pues, en una organización sociocultural de tipo patriarcal, androcéntrica y falonarcicista, solo la masculinización de la mujer justificaría su participación en el relato histórico, no siempre celebrada y fundamentalmente sancionada.

Así, las mujeres a lo largo de la historiografía han sido concebidas como anónimas, o en caso de estar presentes será como objetos de la historia, sin embargo, pese a los intentos del patriarcado por ocultar y descalificar la participación de las mujeres en los diferentes momentos y escenarios socio-culturales, el feminismo orientaría sus esfuerzos a la vindicación de las mujeres como sujetos de la historia mediante la recopilación de testimonios, relatos, archivos, correspondencias, panfletos, actas de sesiones, lista de miembros, entre otras.

Estos hechos en su conjunto tendrían como objetivo “restablecer las mujeres en la historia, acabar con su exclusión y concederles a ellas, a sus acciones y pasiones el estatuto de objetos dignos de historia” (Rodriguez, 1997, p. 17). No obstante, estos intentos por vindicar y reconocer una historia de las mujeres no ha gozado de legitimidad, por el contrario han sido desestimados, excluidos y sus argumentos descalificados.

La historia de las mujeres encontrará detractores, quienes argumentarán que una historia de las mujeres es innecesaria pues ésta se encuentra contenida en la llamada historia de la humanidad, la cual en realidad es la historia de los hombres, blancos, heterosexuales y poseedores de recursos económicos. La historia de las mujeres tendrá unas especificidades que refieren a su participación en los procesos, ámbitos y situaciones, pero también como dicha participación o ausencia es relatada por ellas, como son vivenciados y experimentados los procesos socio-políticos por las mujeres, que efectos han tenido estos en sus vidas, entre otros.

Pero el tratamiento dado por parte del feminismo a la historia de las mujeres, se orientaría a su abordaje desde la recopilación y estudio de las ideas desarrolladas y mantenidas sobre la mujer, emanadas de pensadores hombres desde una lógica androcéntrica, es decir, se ha considerado historia de las mujeres la forma en que filósofos y otros autores han pensado, escrito y manifestado sobre las mujeres, razón por la cual tenemos una historiografía feminista que reproduce las opiniones misóginas que los hombres han transmitido a lo largo del proceso histórico social.

No obstante, este tratamiento dado a la historia de la mujer desde el feminismo, puede argumentarse en la necesidad de comprender esas ideas que dominaron el pensamiento a lo largo del proceso histórico social y que direccionaron la presencia o ausencia de las mujeres en los diferentes hechos y episodios socio-políticos desarrollados en un tiempo y espacio determinado, pues:

Solo analizando, y reconstruyendo, genealógicamente, las interrelaciones poder/saber que ha dado lugar a las concepciones de <<la mujer>> podremos a la vez develar la genealogía patriarcal de muchos discursos supuestamente neutros y universales, y adentrarnos en la recreación-fabulación de una genealogía propia que legitime nuestra imagen y nuestra palabra. (Rodriguez, 1997, p. 10-11)

Sin embargo, este abordaje tendría como consecuencia la prolongación y continuidad de la invisibilidad de las mujeres en la historia, el desconocimiento de la participación y/o ausencia de las mujeres en procesos históricos específicos, el rol que desempeñaron en estos, como así mismo, los efectos, transformaciones, e influencia de la tradición desencadenados en los espacios privados y públicos, definidos como escenarios por excelencia de realización de lo social.

No obstante, así como estos discursos misóginos y androcéntricos limitaron y coartaron la activa participación de las mujeres en los espacios públicos, y promovieron la ocultación deliberada de aquella presencia de las mujeres que si tuvo lugar en lo público, así mismo, estos discursos desarrollados por mujeres y en menor medida por hombres en favor de la vindicación de los derechos de la mujer, motivaron la participación activa de estas en los espacios que por tradición le fueron negados.

Entre ellos podemos reconocer la emergencia de la Querelle des femmes (Querella de las mujeres) como corriente del pensamiento orientada a develar las inequidades a las que se encontrasen expuestas las mujeres, así mismo, el uso público de la razón de las mujeres en los salones, donde:

De manera informal, se reunían las personalidades vinculadas al poder y a la cultura del momento y debatían, bajo el pretexto del entretenimiento, cuestiones importantes e interesantes. El salón más conocido fue el de la marquesa de Ramboullet que, por los años veinte del siglo XVII, abría sus puertas en parís, en una rica mansión cerca del Louvre. Curiosamente en los salones, un mondo clásico, galante y refinado, eran las mujeres las anfitrionas, las que organizaban estos encuentros de la elite social, intelectual y artística como si ésta fuera, y en realidad lo era, la única posibilidad que tenían de acercarse al poder y a la cultura. (Rodriguez, 1997, 94)

Aunada a la experiencia de las mujeres en estos salones, las primeras organizaciones de mujeres de orientación feminista organizadas para defender los derechos de la mujer emergerían en la década de 1790, posterior a la explosión social manifiesta en las revoluciones americana y la revolución francesa, es decir, la organización de las mujeres no se produce de manera aislada, por el contrario, se alimenta de los procesos e ideas de revolución desarrollados en su escenario social.

De esta manera, la lucha de las mujeres desde una perspectiva feminista puede ubicarse tiempo-espacialmente con la Declaración de los Derechos de las Mujeres, elaborada y presentada por Olympe de Gouges, por la cual fuese ejecutada en 1793, hecho que pone de manifiesto las limitaciones, renuencia y coacción impuesta a la participación de las mujeres en los espacios públicos.

Tras la emergencia de este documento revolucionario y desafiante de las normas y tradición androcéntrica hasta el momento imperante, las asociaciones, clubes y lugares de reunión para las mujeres que se organizaron inspirados en los ideales de libertad, igualdad y fraternidad, serían disueltas por decreto, al ser sus demandas de igualdad de derechos en lo político, lo educativo y lo laboral consideradas amenazas al orden social impuesto y al poder patriarcal.

Ahora bien, la participación de la mujer en lo público no puede describirse como una participación única e indivisible, por el contrario, si bien se le denomina “participación de las mujeres” de manera general y abstracta, esta participación tendría particularidades dadas por un tiempo-espacio específico, la pertenencia de la mujer a una clase social, religión, preferencia sexo-afectiva, raza o etnia, ubicación geográfica, postura política, entre otros elementos capaces de condicionar-modificar dicha participación; por ello, asumir la participación de las mujeres desde un único lugar contribuiría a invisibilizar la diversidad de mujeres y sus experiencias.

En el caso específico que nos ocupa, sería de las condiciones de clase y la tenencia de recursos que emergerían dos facciones de la lucha por los derechos de la mujer, pues no todas las mujeres tuvieron acceso a estos discursos producidos desde las élites; las consumidoras de estos discursos fueron las mujeres burguesas que se desenvolvían en los espacios donde se discutían asuntos políticos, como los clubes y donde el discurso pudo calar a sus vidas y ser identificado con su experiencia, desde la cual se promoviera su acción social. Entre ellas podemos identificar:

Las sufragistas, mujeres pertenecientes a las clases media y alta, con acceso a la educación y al discurso de emancipación emanada de las filosofas y pensadoras por la vindicación de la mujer, las sufragistas asumieron que mediante el reconocimiento de las mujeres en la constitución y el otorgamiento del derecho al voto se alcanzaría consecuentemente la igualdad perseguida en los distintos ámbitos de la vida social.

Estas mujeres denominadas sufragistas se organizarían en una pluralidad de organizaciones, en diversos países del mundo, entre ellas el Congreso Internacional por los Derechos de las Mujeres (Paris, 1878), Congreso Feminista Internacional (Paris, 1896), Congreso Internacionaal sobre las Condiciones y los Derechos de las Mujeres (1900), Conseil National des Femmes Francaises (1901), Women`s Social and Political Union (1903), National Union of Women`s Suffrage Societies (NUWSS) que contaría con 480 sociedades y 53.000 mujeres afiliadas. Union Francaise pour le Suffrage des Femmes (1909), National Women Suffrage Asociation (NAWSA), Union Francaise pour le Suffrage de Femmes (1914), Woman`s peace party (WPP) que contrarian con 25.000 afiliadas. Woman`s Section of Navy League (1916) que declaro 1.000.000 afiliadas.

No obstante, esta lucha de las mujeres pertenecientes a las clases altas, su la búsqueda de obtención de derechos civiles, al voto, y el trabajo femenino generó reacciones sociales significativamente negativas, principalmente el temor o paranoia social a la masculinización de la mujer, el cuestionamiento, la sanción moral y la hostilidad, al vincular a la mujer y sus intentos de emancipación a la inmoralidad, la homosexualidad o perversión de la sexualidad.

Las sindicalistas y huelguistas, mujeres proletarias, obreras, pertenecientes a las clases más desposeídas, que al no tener acceso a los discursos filosófico-políticos de emancipación femenina producidos en el seno de la burguesía,ni a la herencia de los clubes femeninos, su participación en lo público sería tardía, al igual que la toma de conciencia de su situación de excluidas.

En el contexto de industrialización capitalista, la mujer fue incorporada masivamente y convertida en proletariado femenino, por ello, para las proletarias, contrario a las mujeres pertenecientes a las clases altas, la motivación real de participación y lucha político-social en el espacio público emerge entonces como respuesta a la explotación a la cual estarían sometidas, como así mismo, las condiciones de pobreza, pauperismo, la feminización de la explotación y las condiciones de vida y de trabajo sub humanas; hechos en su conjunto que motivarían la organización de proletarias en sindicatos, en los cuales frente a la desatención de sus demandas de vindicaciones de orden laboral y salarial, la huelga se erigió como el instrumento de protesta por excelencia.

Estas mujeres se organizarían en distintos lugares del mundo en organizaciones como: Las Mujeres del Partido Laborista (1907), Groupe de Femmes Socislistes, entre otras.

Ahora bien, estas organizaciones de mujeres, ya fuesen sufragistas o sindicalistas huelguistas, su participación en lo público se manifestaría no solo frente a la situación de la mujer, intentarían participar en otros espacios, en apoyo o rechazo a candidaturas políticas, como así mismo, la definición de posturas frente a los procesos bélicos, que no serían ajenos a ella y su realidad social, entre ellas Clara Zetkin, quien en la Conferencia Internacional celebrada del 26 al 28 de marzo de 1915 condenaría vehementemente la guerra capitalista.

Así mismo:

Del 28 de abril al 1 de mayo de 1915, 800 Holandesas, 28 Alemanas del grupo de Anita Augspura, 47 Norteamericanas, 16 Suecas, 12 Noruegas, 2 Canadienses, 1 Italiana, 3 Belgas y 3 Inglesas protestan contra la guerra y discuten, mucho antes de los 14 puntos de Wilson, las condiciones de paz futura y permanente: arbitraje obligatorio, respeto por las nacionalidades, educación pacifista de los niños y también sufragio femenino. (Duby, 1993, p. 88)

No obstante, en este contexto, la manifestación de posturas políticas contrarias al pensamiento y poder dominante desencadenaría la prohibición del uso público de la palabra a las mujeres, ejemplo de ello sería Luise Zietz responsable de la Organización Nacional de Mujeres.

Sin embargo, la organización de mujeres en grupos de presión política tuvo severas dificultades pues estas al no poseer derechos políticos formales, pero tampoco informales, es decir al ser sancionadas moralmente por sus intentos de emancipación no podían constituirse en grupos y organizaciones políticas concretas.

Además de ello, la organización de mujeres estaría significativamente fracturada al no compartir los mismos principios ni perseguir los mismos objetivos; la lucha de las mujeres obreras, proletarias, organizadas en la facción de sindicalistas y huelguistas, tendrían como objetivo y propósito la regulación del trabajo, principalmente el trabajo fabril donde serían explotadas con más énfasis las mujeres, pues como sostendría Mabel Atkinson en 1914: Las mujeres de clase obrera, a diferencia de las mujeres de clase media, no se sentían excluidas del trabajo, y que no pedían el derecho a trabajar, sino más bien, la protección contra la interminable carga de trabajo.

Por su parte, el feminismo sufragista se preocuparía por la obtención del voto, pues la supervivencia para las mujeres de su clase no sería un problema, por lo cual ignorarían la experiencia femenina de la pobreza y la explotación asalariada; el feminismo sufragista, feminismo burgués, obvió la situación de sus compañeras, la feminización de la pobreza y la explotación despiadada que experimentasen, la cual, las llevase inclusive a la mendicidad y a instituciones benéficas para poder sobrevivir.

Es en este contexto que los cambios y modificaciones en la situación de la mujer no pueden ser solo atribuidos a la lucha feminista expresada específicamente para esa época en el sufragismo y el sindicalismo, por el contrario se articularon e influenciaron por episodios históricos específicos, entre los cuales podemos considerar la primera guerra mundial, en la cual se dio masivamente un proceso de feminización de la mano de obra para sustituir el ausentismo masculino producto del desplazamiento bélico.

Cabe aquí entonces preguntarnos: ¿Tuvo realmente el feminismo y sus intentos de emancipación real incidencia en la cotidianidad de las mujeres y su inserción masiva al trabajo remunerado, o por el contrario puede adjudicarse al proceso bélico? ¿Pudo más el ideal nacional y el llamado a sustituir a los hombres en los puestos de trabajo que el llamado feminista?

Culminada la primera guerra mundial se genera un proceso de desmovilización de las mujeres, se promueve, incita y motiva el retorno al hogar, la devolución de los puestos de trabajo a los hombres que regresan al combate, se exalta la feminidad, “perdida” de la mujer asalariada durante el proceso bélico.

Así mismo, antes de la segunda guerra mundial el sufragio femenino solo se había concedido en Australia, Finlandia, Nueva Zelanda, Noruega, Dinamarca, Holanda y la Unión Soviética, en 1918 se otorgó en Suecia, Gran Bretaña, Austria, Alemania en 1918 mediante Decreto del Consejo de Representantes del pueblo, en 1919 es aprobada en el senado de Estados Unidos la 19ª enmienda, la cual sería ratificada en los 36 estados restantes a lo largo de 14 meses, y 1920 Canadá.

Pero, ¿Coincidió el reconocimiento del sufragio femenino con el proceso de desmovilización femenina generado por el fin del proceso bélico? ¿Responde entonces la concesión del voto femenino a un mecanismo de silenciar y neutralizar la lucha de las mujeres y lograr un pacífico retorno al hogar?

Bibliografía

Giddens, Anthony. (2000) Sociología. Alianza Editorial, Madrid.

Duby, Georges & Perrot Michelle. (1993) Historia de las mujeres. Tomo 5, El siglo XX. Taurus, Buenos Aires.

Rodriguez, Magda. (1997) Mujeres en la historia del pensamiento. Editorial Anthoropos, Barcelona.

Socióloga Esther Pineda G.

estherpinedag@gmail.com

http://estherpinedag.wordpress.com /2012/01/16/sufragistas-y-sindicalistas-la-participacion-femenina-en-los-espacios-publicos/

Dolores Ariño Martín de Aragón

2012-01-20T09:23:00.001+01:00

Desde este blog nos sumamos a la celebración de la vida de Lola. Gritamos GRACIAS al cielo para que reparta por la tierra su mensaje .

A Lola Ariño, in memoriam. Hasta siempre

La doctora Dolores Ariño Martín, médica de familia del Centro de Salud de San Pablo falleció el día 14 de enero. Algunos de vosotros, pudisteis, de alguna manera conocerla, a través de una entrevista en esta web. Ahora me habéis pedido una ligera semblanza de su persona y, aunque me siento un poco usurpador, ya que mucha gente la conocía más profundamente que yo, su amistad era desde hace más años compartida y sus compañeros o pacientes os podrían decir más cosas, no voy a dejar pasar esta inesperada oportunidad con la que aliviaré mi tristeza y paliaré, si eso es posible, el olvido que seremos.

Lola hizo la especialidad de Medicina Interna en el Hospital Miguel Servet. Allí la conocimos muchos de sus colegas, cuando compartíamos algún paciente ingresado y nos encontrábamos siempre con su gran capacidad de trabajo inteligente, pero también con su disponibilidad, su amabilidad, que nos hacía sentirnos, de verdad, compañeros. También cuando tuvimos necesidad de ayuda para nosotros mismos o familiares, como algunos me recuerdan hoy.

Alguna circunstancia, para mi desconocida, pero que seguro que tuvo que ver con su visión del mundo y sus valores, la decidió a trabajar en Atención Primaria, “en las trincheras” como nos gustaba decir, directamente con las personas sin intermediarios de papeles, pruebas, listas de espera y otros factores de deshumanización. Y es que Lola era una “médica de las personas” frente a la preponderante “medicina de los números”, que, sólo se preocupa de que los números “cuadren” en todos los aspectos clínicos y económicos, olvidando algo tan esencial como el entorno sociofamiliar en que todas las personas nos movemos. Y eso no iba con ella…

Ya compañeros de Atención Primaria, los contactos se multiplicaron, a veces por compañeros y amigos comunes, otras veces en reuniones donde era un placer compartir sus opiniones y puntos de vista. Sencillos y demoledores, desmontando las mil y una excusas de siempre de los pequeños gestores. Valiente. Era más respetada que temida porque era muy difícil argumentar contra sus pareceres, que venían del corazón pero muy bien tamizados por la razón y el sentido común.

A pesar de venir del Hospital, dignificó los principios de nuestra especialidad que no en vano se llama Medicina Familiar y Comunitaria, con un compromiso con el barrio reconocido por todos, porque realmente creía que la desigualdad y la pobreza engendran enfermedad y siempre estuvo al lado de los que la sociedad ha hecho perdedores.

Centro de Salud San Pablo, donde trabajaba Lola

Era líder discreta para los que la conocíamos, pero con un liderazgo silencioso, surgido sobre todo de su coherencia personal y de su dignidad, evitando siempre los focos de la primera fila. Esa discreción no distante, creída, auténtica, hace que ni yo mismo os pueda decir en todas las historias en las que se comprometió, sin duda con un coste importante en tiempo de vida personal, aunque con la satisfacción que siempre proporciona el dar a cambio de nada. También en estas horas de encuentros he podido conocer hechos y compromisos que agrandan aun más su figura y su valor ejemplar.

Compatibilizó sus inquietudes sociales, su vida, con las científicas y colaboró en proyectos de investigación, siempre que estuvieran financiados por instituciones públicas. Era extremadamente cautelosa con la participación de la industria farmacéutica en cualquier proyecto.

Personalmente, me distinguió con un cariño y una confianza que, sinceramente, no creo merecer y me dio la posibilidad de añadirme, en la manera que yo quisiera, a alguna de sus causas. La complicidad que detectaba en sus palabras y miradas eran un regalo para mí. Veréis, ya desde hace tiempo se interesó sobre todo en el enfoque de género cuando se habla de medicina, enfermedades y la vida en si misma. Organizó cursos relacionados con este tema en los que pudimos conocer a gente bien interesante, casi todas mujeres, y fue impulsora del proyecto “Mujeres y Corazón” en el que algunos nos enrolamos y seguimos potenciando. “¿Por qué llegan tantas veces las mujeres tarde a Urgencias cuando tienen un infarto, Jose Manuel?”, “porque están esperando que un hijo, esposo u otros las acompañen, esperando que se pase la molestia ó el dolor, había que reconocer”. “Pero es un tema de educación y discriminación” y ahí estaba ella poniendo todo el genio en su respuesta. Sólo puedo corresponderle teniéndolo muy en cuenta en mi práctica profesional y en lo que escribo cuando es posible.

¿Hace falta señalar en una persona así que era educada, comprensiva, afable, sonriente y como he dicho antes, coherente, circunstancia tan difícil de encontrar?. Si creía en las bondades del ejercicio, iba a trabajar andando, si reconocía los peligros del tabaco, no fumaba, si pensaba que la alegría, de verdad, no la potencia el alcohol, apenas lo probaba. Si pensaba que lo más importante eran las personas, a ellas se entregaba en cada faceta de su vida. No le importaba la prima de riesgo, ni la deuda soberana, pero si sabía que en El Chad, poco dinero es mucho. Y procuraba que allí llegara.

En el momento de la despedida última, casi siempre tengo más un sentimiento de pena por los que se quedan que por el que se ha ido. Esta vez no ha sido así. He recibido de Lola una penúltima lección. Es tanto lo que nos ha dado a todos los que le han rodeado, que podemos llenar varias mochilas con su recuerdo y ejemplo y, Lola, lo que más siento en este momento es que no puedas disfrutar plenamente de todo lo que has sembrado, sobre todo en tu familia, pero también en todos los que te hemos conocido. Tenemos una inmensa deuda de gratitud contigo y espero que la vida nos de tiempo para compensarla.

Ayer mientras muchas personas compartían el dolor de tu familia pensé que distinto sería el mundo contigo y con las personas con las que decidiste rodearte. Ser tu amigo, Lola, es para mi un valor seguro. Que distinto a todo lo que te abrumaba y nos abruma. Cuando cualquier día vea en la mirada de un paciente un gesto de sentirse comprendido, acogido, no sentirse juzgado, mermado su dolor y aliviada su carga, me diré “¡no estas sólo compañero, Lola no debe andar lejos!”. Y es que siento, si alguna vez hago bien las cosas, que tienen mucho que ver contigo, buena amiga.

No voy a decirte para no herir tu sensibilidad de cristiana de base, comprometida, auténtica, lejos de los artificios y contradicciones de la Iglesia oficial, que Dios tuvo un despiste y no se portó nada bien cuando eligió sacarte de aquí con la falta que nos haces. Quiero pensar que en el cielo también tienen problemas y que necesitan para poner orden, aunque sea a una sola, a la persona honrada, generosa, con sentido común y con un corazón tan grande como el tuyo, que no cabía en la tierra.

Si es cierto, como hemos escuchado hoy muchas veces, que el amor es más fuerte que la muerte, realmente no te has ido Lola, porque no sabes cuanto podemos llegar a quererte.

Jose Manuel Millaruelo, compañero del Centro de Salud Torrero La Paz | Para AraInfo

Enviado por AraInfo el 17 enero, 2012

http://arainfo.org/2012/01/a-lola-arino-in-memoriam-hasta-siempre-companera/

http://arainfo.org/2012/01/hasta-siempre-lola/
http://www.comz.org/un-obituario-sobre-la-doctora-dolores-arino-en-el-periodico-de-aragon/
http://www.comz.org/wp-content/uploads/2012/01/doctora-Ari%C3%B1o.pdf
http://www.elsevier.es/es/revistas/atencion-primaria-27/una-mirada-al-genero-investigacion-analisis-cualitativo-90027924-originales-2011

La Sexualidad Abierta y sus Enemigos

2012-01-19T11:13:00.000+01:00

Aborto y libertad sexual

Como es insistente el alboroto de los antiabortistas, trataremos de examinar su multisábida argumentación, en particular apuntando hacia su objetivo básico: hacer del aborto un acto culpable, clandestino y peligroso, sin proponerse eliminar sus causas o tornarlo innecesario, sino solo pidiendo represión del hecho.

La base principal del ideario antiabortista está en su vitalismo extremista: se asegura que el feto es vida humana para dar argumentos en base a un significado ambiguo del término “vida”. La cosa es hablar de vida en el feto con igual sentido a si se tratase de vida extrauterina, como si ya se presentase en el seno materno ese mínimo de autonomía y separación del otro que define la existencia individual humana. Se invoca el silogismo marrullero de: “el feto es vida”, “la persona es vida”, y por lo tanto “el feto es persona”; se podría decir igual: “el feto es vida”, “el ministro corrupto es vida”, luego “el feto es un ministro corrupto”; o también “el feto es vida”, “mantener una familia con Bs. 10.000 mensuales no es vida”, de ahí que “el feto no es mantener la familia con Bs. 10.000 mensuales”.

Para evitar esas complicaciones lógicas, a veces se matiza calificando al embrión como “germen” o “simiente”, ardid que elude el inconveniente de catalogar como persona a quien no lo es; pero a la hora de proponer sanciones, se habla de “indefenso niño”, en malabarismo para convertir lo que es (el mentado “germen”) en lo que podría ser (persona, niño y hasta “individuo útil a la sociedad”). La base de todo es un principio que parece inatacable: el respeto absoluto a la persona humana, pues si se empieza por “matar” embriones, se seguiría con impedidos, ancianos y otros que estorben en una sociedad del asesinato legalizado. Esto sonaría convincente si se olvida el intencional enredo que el antiabortismo hace con el concepto de vida humana y en la definición de quién es persona. Si se entrampan a si mismos, allá ellos; pero pretender que los demás aceptemos su confusión de simiente con gente o, peor aun, atribuir al prójimo que no comparte sus lucubraciones siniestros designios de ahorcar viejitos, fusilar a los mochos o la eliminación de los feos no pasa de ser una solemne idiotez, y vaya Ud. a saber si hasta una proyección en los demás de los propios deseos reprimidos.

Los 7 Pecados Capitales del Antiabortismo

1) Para sorpresa de despistados, los adversarios del aborto lo son también de difundir información sexológica y métodos anticonceptivos, como si les pareciera mas peligrosa que el aborto la posibilidad de romper con una sexualidad reprimida, acomplejada e institucionalizada. Por eso, poco les importa investigar y denunciar sobre las clínicas de “aborto clandestino” que impunemente se benefician de la situación, o se hacen de la vista gorda ante la incompetencia de los servicios públicos de salud en atender y educar a una colectividad que en este ámbito carece de casi todo. Mientras menos se sepa y mas se tema por ignorancia de lo sexual tanto mejor, dirían los antiabortistas, especialmente refiriéndose a las mujeres y su derecho de informarse y decidir sobre el propio cuerpo.

2) Se baten lanzas por defender “la vida del niño” en el seno materno, con furia generalmente inversa a la preocupación que esos cruzados del engendramiento suelen tener por una existencia plena fuera de allí, en particular si se trata de la infancia marginal.

3) Se estigmatiza como “asesinato” la interrupción voluntaria del embarazo, pero... ¿Acaso los abortos causados por hambre, insalubridad, malas condiciones laborales y brutalidad machista son legítimos y en nada condenables porque en ellos no hay libre decisión de la involucrada? ... ¿Como pedir penalidad para el aborto por “antinatural” si es tan frecuente (un tercio o mas de los embarazos humanos) su ocurrencia involuntaria?

4) Nada mas se considera persona al embrión humano para culpabilizar la interrupción del embarazo, nunca para extender ese reconocimiento a otros efectos como bautizo, cumpleaños, registro civil, herencia, sepelio, etc. Ni al mas convencido lector de las columnas dominicales de la Señora Vollmer se le ocurriría pedir que los contratos colectivos incluyesen, junto con la prima por hijos, una prima por fetos.

5) El antiabortismo es a la par misógino y antinatalista a ultranza. La misoginia o antifeminismo es por considerar a la mujer como inferior, simple máquina reproductora al servicio de la especie (o de la “patria”), incapaz de determinar por si misma las condiciones de una maternidad feliz. El natalismo se expresa concibiendo la sexualidad únicamente en términos de sus resultados reproductivos eficientes, una vieja concepción de las clases dominantes que parecía enterrada por el miedo a la explosión demográfica, pero que ahora resurge en el capitalismo avanzado afincada en temores racistas y chauvinistas.

6) La tradición judeo-cristiana ve en lo sexual una manifestación en esencia pecaminosa y diabólica; jamás lo considera expresión real de humanidad, por el contrario, es pura animalidad que debe ser domesticada. Por eso las religiones occidentales siempre han repetido que el embarazo es “el fruto del pecado” o “el precio del placer”, aunque se obvia que el disfrute de ese placer es, demasiadas veces, acto cuasi-masturbatorio del hombre que limita a la mujer como mera receptora pasiva y paciente.

7) El Poder ha sentido desde siempre una profunda aversión por todo placer, diversión o juego que no pueda ser controlado o reprimido en sus potencialidades liberadoras ante la opresión y alienación cotidianas; recuérdese que pese a las apariencias de permisividad, el orden actual es enemigo de toda expresión de felicidad fuera de su control. Y en ello está además la contenida envidia de quienes piensan: “...si esos sinvergüenzas hacen eso y nada les castiga… ¿no estaré perdiéndome de lo bueno como un mismísimo pendejo?”.

Sofía Comuniello

(CORRE@ # 18, pp. 16-17; marzo 1992)

http://correoa.blogspot.com/2010/10/aborto-y-libertad-sexual.html
Imagen tomada a Alegriart : http://www.alegriart.tk/

Montserrat Roig

2012-01-18T09:25:00.003+01:00

Hace unos meses, en noviembre, hizo veinte años que murió Montserrat Roig. Tenía 45 y estaba en la plenitud de su creación literaria. Todo indicaba que había finalizado una etapa y que se adentraba, con El cant de la juventud (Ediciones 62, 1990), en una espléndida madurez.

Su muerte prematura fue un golpe terrible, en el mundo literario y entre sus lectores. Dejó un vacío difícil de llenar. Pero, hay buenas noticias: sus libros están vivos. Se puede encontrar casi todos sus títulos, muchos en bolsillo en su editorial, Ediciones 62, y en otras colecciones. Sus novelas han entrado en el circuito escolar y en un futuro sus libros aparecerán también en versión electrónica.

Sus amigos se esmeran para rendirle homenajes. Empezó el pasado martes la revistaSerra d'Or, donde colaboró. Participaron Josep Maria Benet i Jornet, Frederic Rueda y Lluïsa Julià. La actriz Mariona Casanovas representó algunos de los artículos que publicó en el diario Avui (recogidos en Un pensament de sal, un pessic).

En la semana el 5 de mayo de 2011, el Amical de Mauthausen conmemoró en el antiguo campo de exterminio nazi, en Austria, el 66 aniversario de su liberación y organiza un acto en memoria de Montserrat Roig, la inolvidable autora de Els catalans als camps nazis (Edicions 62, 1977). Estuvo presente uno de sus hijos, Roger Sempere, profesor de instituto, que viaja con un grupo de alumnos.

El Pen Club catalán y el Memorial Ravensbrück están preparando un festival Montserrat Roig para el próximo 14 de junio. La escritora nació el 13 de junio de 1946. Participarán Josep Maria Castellet, Dolors Oller, Isabel-Clara Simó, Rosa Montero... y actuarán, entre otros, Marina Rossell y Paco Ibáñez. Sólo es el principio.

Montserrat Roig murió el 10 de noviembre de 1991 en Barcelona. Todo el mundo sabía que estaba muy enferma, pero la noticia fue un golpe muy fuerte. Costaba de creer que una mujer con tanta alegría de vivir, tan divertida y apasionada, con tanta curiosidad, que ponía una enorme ilusión a todo lo que hacía, estuviera muerta.

Estaba dando clases en la Universidad de Arizona cuando empezó a encontrarse mal y volvió a Barcelona, donde, el 1990, le detectaron un cáncer de pecho muy agresivo. Un día le preguntó a su madre, Albina Fransitorra: "¿Crees que moriré, madre?". "Si te tuvieras que morir no estarías tan tranquila", le respondió. En esta época nefasta, Montserrat pasó mucho tiempo en casa de Albina.

En octubre se celebró la Feria del Libro de Francfort dedicada a España. No pudo ir, sus colegas, encabezados por Manuel Vázquez Montalbán, le organizaron un homenaje. Publicó su último artículo en el Avui el día antes de morir.

Albina Fransitorra, que mantuvo una estrecha relación con su hija, que le hacía de secretaria y que lo acompañaba en muchos viajes, tiene ahora 99 años. Continúa siendo una mujer con mucho carácter, con la cabeza bastante clara, que lee un par de libros a la semana. Los nietos adoran a la abuela Albina.

Montserrat Roig fue la sexta de siete hermanos. Su padre era el escritor Tomàs Roig i Llop. A los 13 años, después de haber pasado por un colegio de monjas, Montserrat fue al instituto Montserrat, donde ganó un premio con un poema dedicado a la virgen de Montserrat. En esta época, se acostumbró a dejar sus escritos en la mesa del despacho de su padre, que se los corregía.

Quería ser actriz, como su hermana Glòria, y se apuntó en la Escuela de Arte Dramático Adrià Gual, donde conoció, entre otros, Josep Maria Benet i Jornet y Maria Aurèlia Capmany, que murió un mes antes de que ella.

Estudió Filosofía y Letras (Románicas). Se licenció el 1968. Muchos la recuerdan, en minifalda y medias de colorines, subida en un banco, en el Patio de Letras de la Universidad de Barcelona, intentando que los compañeros se apuntaran a la creación del Sindicato Democrático de Estudiantes. Participó en la Caputxinada, el 1966, en el convento de los Caputxins de Sarriá, donde se celebró la asamblea constituyente del sindicato.

Aunque no le gustaban los despachos, trabajó como redactora de la Gran Enciclopèdia Catalana y del Diccionari de literatura catalana. Obtuvo una beca para la universidad italiana de Perugia. Fue lectora de catalán y de castellano en la universidad inglesa de Bristol. De izquierdas, siempre crítica, entró al PSUC, salió, volvió a entrar y volvió a salir. Firmaba en la revista Treball con el seudónimo de Capità Nemo. Defendió las causas feministas, luchaba por sus principios y era solidaria.

Estuvo encerrada en el monasterio de Montserrat en protesta por el proceso de Burgos cuando supo que su primer libro, de relatos, Molta roba i poc sabó... i tan neta que la volen, había ganado el Víctor Català. Se publicó en 1971. Le siguieron las novelasRamona, adéu (1972), El temps de les cireres (premio Sant Jordi 1976), La hora violeta(1980), La òpera quotidiana (1982) y La veu melodiosa (1987).

Un ciclo con un mundo común: la ciudad de Barcelona y, sobre todo, el Eixample, donde nació y vivió toda la vida. "Soy del Ensanche de nuestra estimada ciudad. De un barrio de segunda categoría, con iglesias que se hacen la competencia dominical. De un barrio de señoras "pones" y de señores que poseen más cordura que oro", dice en el prólogo deMolta roba i poc sabó... i tan neta que la volen, el retrato de la burguesía catalana desde principios del siglo XX a través de diferentes generaciones y la repetición de personajes, en especial, de las familias Miralpeix y Claret. Acertó en el retrato de las generaciones universitarias de la posguerra. Muchos lectores se sintieron identificados.

Tomó prestado un diálogo entre Sterling Hayden y Joan Crawford de la película Johnny Guitar para otro de sus libros fundamentales, Digues que m'estimes encara que sigui mentida, que salió en 1991. Es su testamento literario, resultado de apuntes en libretas a lo largo de los años. Vemos su evolución creativa y como mujer y la de su ciudad. "Conciencia de finitud, atrapar el tiempo. He aquí el castigo del oficio de escribir. En la trama de la narración me invento que el tiempo no se acaba. Sueño que tengo palabras y que, con ellas, poseo el mundo", escribió.

Montserrat Roig fue una periodista de primera y una entrevistadora todavía mejor. Se metía la gente en el bolsillo. Hacía tándem con la fotógrafa Pilar Aymerich, a quién conoció en la Escuela de Arte Dramático Adrià Gual y de la que fue amiga toda la vida. Se fueron a París, con 10.000 pesetas cada una, a buscarse la vida.

Roig entrevistaba y Aymerich fotografiaba, de Jorge Semprún a Josep Maria Flotats. Al regreso, lo vendieron todo. Se divirtieron como locas.

Todo el mundo recuerda la entrevista a Josep Pla, en Llofriu. Lo primero que le dijo es que por qué se dedicaba a escribir si tenía las piernas tan bonitas, después intentó meterle mano y les prohibió hacer fotografías. La entrevista salió y la foto también. Es probablemente la única que ha robado en su vida Pilar Aymerich, aquella en que el escritor sale sentado en la mecedora.

Colaboró en Tele/Express, Serra d'Or —las entrevistas que publicó salieron en tres volúmenes, Retratos paralelos (1975, 1976 y 1978)—, a Oriflama, Presencia, Cavall fort,Avui, L'avenç, El temps, Arreu, Destino, Triunfo, Vindicación feminista...

Hizo programas de televisión en TVE: Personatges, Los padres de nuestros padres yBúscate la vida, y en TV-3, Líders-Herois, también de entrevistas. Se lo trabajaba bastante.

Todo le interesaba y por todo se apasionaba. Els catalans als camps nazis fue un libro de encargo: investigar y recoger los testimonios de los supervivientes antes de que desaparecieran. Lo hizo con un rigor extraordinario.

Con L'agulla daurada, sobre el sitio de Leningrado por el ejército alemán, mezclado con personajes históricos, como Pushkin y la experiencia de su estada en la ciudad. Los dos son magníficos.

ROSA MORA - Barcelona - 05/05/2011

Hemos alterado dos tiempos verbales en el articulo para actualizarlo, indicamos link del original.
http://lletra.uoc.edu/ca/autora/montserrat-roig

http://www.elpais.com/articulo/cultura/Montserrat/Roig/vence/tiempo/elpepucul/20110505elpepucul_2/Tes

Francesca Woodman

2012-01-17T10:52:00.002+01:00

A treinta años de su muerte, dos muestras presentan diez fotografías inéditas de la precoz Francesca Woodman, artista que cimentó una carrera veloz y permanente, signada por la tragedia.

Se dice que escribía en diarios o viejos libros de contaduría acerca de hermosos hombres de jengibre, trufas de chocolate, duraznos y moras. Que la depresión la arrojaba en una pendiente autodestructiva, aun cuando –de niña– llevaba la humorada a flor de piel. Se dice que, de joven, soñaba con tomar imágenes de moda. Que su ego era obsesivo y su personalidad, frágil. Que sus autorretratos no se ofrecen como autorrevelación sino como actuación y posibilidad: la de explorar la inestabilidad de la identidad. Se dice que era una genia, una feminista, una surrealista, una gótica; luego, se le niegan los calificativos. Se dice que era precozmente madura o adolescentemente narcisista. Que sus piezas eran performáticas; que no lo eran. Que sus fotografías tenían la cualidad de la verdad y del dramatismo. Que amaba vestir ropa vintage mucho antes que estuviese de moda; que disfrutaba navegar por tiendas yanquis de segunda mano para hacerse de guantes largos, medias antiguas, pieles de zorro, vestidos. Que los suyos eran anti-retratos.

Como cualquier misterio que se repliegue sobre sí mismo, el de la fotógrafa Francesca Woodman ha generado muchos dichos; lo sigue haciendo. De hecho ha despertado polémica y debates durante las últimas tres décadas y, con cada nueva entrega de alguno de las 800 negativos que sus padres vigilan con recelo, el culto vuelve a alimentarse. Así y todo, la biografía no es extensa (tampoco necesita serlo): nació en Denver en 1958; viajó mucho (en especial, a Italia); cursó en la Abbott Academy y la Rhode Island School of Design; vivió en Roma; vivió en Nueva York. Fue modelo de pintores, asistente de fotógrafos, fotógrafa. Envió portfolios, sin éxito. Experimentó, leyó a Proust, amó a las heroínas victorianas. En vida publicó un libro –Some Disordered Interior Geometries– y luego murió sonoramente, unos días antes de que su padre artista inaugurara en el Guggenheim de NY una exposición colectiva. Cinco años más tarde, era conocida; mejor dicho, se volvía artista de culto.

Como bien es sabido, Francesca se suicidó con apenas 22 años, arrojándose –en 1981– por la ventana de su loft en el Lower East Side de Manhattan, Nueva York. Antes de hacerlo, escribía a uno de sus amigos: “Mi vida en este punto es como un sedimento muy viejo en una taza de café y preferiría morir joven dejando varias realizaciones... en vez de ir borrando atropelladamente todas estas cosas delicadas”. El augurio rindió frutos: nadie ha sido capaz de borrar las “cosas delicadas” que reflejó su obra, donde ella misma se prestaba a la pose y se mimetizaba con el entorno; se desdibujaba en espacios derruidos por el tiempo, agrietados, destartalados, melancólicos; se ofrecía desnuda, sin artificios, con la cara expuesta o tapada en un directo visceral y extremadamente íntimo, donde oscilaba entre estar y no estar, entre sexualidad e inocencia, movimiento y quietud.

Le alcanzaron nueve años de disparos para dejar un legado que aún inquieta. De allí que cada nueva entrega de su obra sea un acontecimiento digno de cobertura; en especial cuando Betty y George, sus progenitores, han sido reacios a la hora de exponer su trabajo y lo hacen de a poco, cuidando el quién, el dónde, el cómo. Ocurrió, por ejemplo, que un curador del Palazzo delle Esposizioni, en Roma, los contactó diez años atrás, creyendo que se alegrarían con el pedido de presentar una caché con prints vintage inéditos para montar una retrospectiva de Francesca. Para su sorpresa, sin embargo, el dúo se negó: “En aquel entonces, nos dijo que tendría particular cuidado con sus piezas; que incluso había tenido cuadros de El Greco el año anterior. Entonces, le dijimos: ‘Bueno, pero El Greco no tiene a sus padres para cuidarlo’”.

Ahora, afortunadamente, más imágenes han comenzado a ver la luz; las más recientes, de hecho, ubican coordenadas en España y Estados Unidos. En la galería madrileña La Fábrica y hasta el 21 de enero, se erige Unseen Photographs and Selected Works, donde una decena de copias inéditas completan la muestra con otro tanto editado previamente. ¿El trayecto? Estrictamente temporal. Desde su primera fotografía –“Autorretrato a los 13” (1972)–, pasando por las imágenes tomadas durante la estudiantina del ‘75 al ‘78 en la Escuela de Bellas Artes de Rhode Island, la estancia en Roma (1977-1978), la residencia en la colonia Mac Dowell, en Peterborough, New Hampshire (1980) y la última etapa en Nueva York.

Mientras, hasta el 20 de febrero, el San Francisco Museum of Modern Art (Sfmoma), en Estados Unidos, hace lo propio, con la primera retrospectiva exclusivamente dedicada a FW en dos décadas. No sólo incluye las nuevas imágenes, cortesía de Betty y George; también suma paneles de discusión, charlas de curaduría y actividades varias. “Decisiva en su tiempo, sus fotografías conservan una inmediatez innegable y, treinta años después de su muerte, continúan inspirando a audiencias con su ambigüedad, las ricas exploraciones del retrato y su cuerpo en el espacio arquitectónico. Como artista, se implicó en las preocupaciones clave de su era –la feminidad y la subjetividad femenina, la naturaleza de la imagen–, pero con una profunda visión personal”, ofrece –desde la web– el team de Sfmoma. La muestra, vale mencionar, tendrá su merecido lugar en el Guggenheim de Nueva York en el próximo 2012.

MIRA QUIEN HABLA

Una vez, un amigo le preguntó por qué se fotografiaba obsesivamente; la respuesta de Woodman fue inesperadamente evidente: “Es una cuestión de conveniencia; siempre estoy disponible”, respondió ella. La réplica, sin embargo, no consuela a todos y, polarizando las aguas, algunos críticos la han calificado de narcisista y adolescente. Otros, en cambio, le han propinado elogios de genialidad, de rockstar, de talento que supo entregar imágenes acabadas con un giro: el de permitir deconstruir el proceso fotográfico.

Hay quienes aseguran que es la simplicidad de sus piezas la que habilita a que los historiadores del arte discutan sin cesar sobre el significado de su obra. Porque, así como el feminismo, también el surrealismo se ha alineado tras su trabajo, confiando en que aquel año que Francesca pasase en Roma entre el ‘77 y el ‘78, siendo habitué en una librería especializada en la corriente, hubiese impregnado su mirada sobre la realidad. También se la ha puesto bajo la lupa en nombre del arte conceptual, de la relación entre literatura y performance, del posmodernismo, del simbolismo. Incluso están los que sugieren que FW pertenece a la tradición del “gótico americano”, sosteniendo la opinión en su amor incondicional por Jane Eyre, observando cierto aire espeluznante y espectral en sus piezas.

Para la artista Cindy Sherman, FW difícilmente se hubiese pensado a sí misma como una feminista; en ese sentido habla de trabajos “orgánicos”, no “declaraciones”. George Woodman coincide con esta mirada y cree que, en ocasiones, se tiende a “sobreinterpretar” el trabajo de su hija. Para Rosalind Krauss, de la Universidad de Columbia, sin embargo, la historieta es otra; a su entender, la tendencia al camuflaje –presente en la obra de la fotógrafa– responde a un impulso feminista. ¿Cuál? El de disolverse en, digamos, el material de una casa de Rhode Island, como resistencia a la mirada masculina, rechazando los roles preconcebidos de género, donde la feminidad se iguala a domesticidad.

Así podría leerse “From Space” (1980), imagen en blanco y negro, originalmente impresa en gelatina de plata, donde, enmarcado por dos ventanas de las que sólo pueden verse fragmentos, aparece medio oculto –por los restos de un papel de flores– el cuerpo desnudo de una mujer. Apoyada en la pared, los pies desnudos, el piso de madera, las grietas por el paso del tiempo, es Woodman la que se metamorfosea con el entorno; permanece y huye a la vez. La atmósfera atemporal mezcla realidad y ficción. Es la condición misma de la existencia la que está en jaque.

Sea como fuere, más allá de las lecturas, es una obra que interpela sin aliento: la relación con el mundo exterior, el conflicto, la desaparición del yo, el borramiento, la fuerza del encuadre, lo fantasmagórico, la vulnerabilidad, el cuerpo femenino, habilitan sencillez y complejidad en igual medida. Y, como dicen por allí, la verdad yace en el ojo que la mira.

EL CLUB DEL CLAN

En su afán de contextualizar forma y fondo, la curaduría de La Fábrica –espacio español que inauguró la muestra dedicada a Woodman el pasado noviembre– ha expresado que el trabajo de la fotógrafa es frecuentemente situado junto al de contemporáneas como la cubana Ana Mendieta o la norteamericana Hannah Wilke. Tampoco han hecho caso omiso a generaciones posteriores que, por sus diálogos con el yo y la representación del cuerpo femenino, pueden asociarse al trabajo de Francesca. En esa línea, nombres como el de Sherman, Sarah Lucas, Karen Finley o Nan Goldin vienen al recuerdo.

Casualmente es Sherman, aquella mujer que pusiera en jaque el concepto de belleza, quien pronunciase –tiempo atrás– sus apreciaciones sobre el trabajo de Woodman: “FW se usó a sí misma orgánicamente, no para hacer una declaración”. Y aunque admite haber conocido la obra de Woodman apenas quince años atrás, hoy se reconoce una fanática: “Tenía poquísimos límites y hacía arte con prácticamente nada: habitaciones vacías con empapelados cayéndose y sólo su figura. Ninguna escenografía elaborada o puesta de luces. Trabajaba con lo que estaba frente a ella, a diferencia de otros fotógrafos –como yo misma– que necesitamos tiempo para planificar qué vamos a hacer”.

MI FAMILIA Y SUS DIBUJOS

Mientras la suerte ibérica deposita muestra en los parajes capitalinos de España, los norteamericanos han tenido su (doble) dosis de Francesca el pasado domingo, cuando la señal PBS estrenó en pantalla chica y a nivel nacional The Woodmans, film de C. Scott Willis, ganador del Tribeca Film Festival 2010, que inaugura cinta con escena granulada: una donde la mismísima fotógrafa se acerca a una hoja de papel, escribe su nombre y lo ofrece, desnuda. A la imagen inicial se suman otras (algunas exclusivas, otras de videos caseros de los ‘70, más documentos puestos a disposición para el documental).

“Tuvo tanto impacto emocional y una biografía que iluminó su obra”, ofrece el realizador a la hora de justificar el tópico de una composición fílmica que cuenta con un plus: acceso irrestricto a material inédito. Como sus diarios íntimos con entradas juguetonas (“Soy muy femenina en la moda rosa y de encaje”, escribía al momento de soñar con trabajar como fotógrafa fashion) y otras –por lo menos– inquietantes (“Lo real no me asusta; sólo lo que yace en mi mente”, asentaba cuando, mudada a Nueva York, no conseguía trabajo). Allí está la voz de Francesca Woodman: en sus escritos. “A menudo redactaba en libros de contabilidad del siglo XIX o sobre viejos diarios italianos que ya estaban escritos”, explica un Scott Willis sorprendido. Es que, en sus palabras: “En ellos uno descubre que su obra es mucho más vital de lo que parece, que no tiene tanto que ver con la ausencia como con la celebración de la vida. El arte era una religión para ella y su familia; quizá es ahí donde surge el problema”.

Sin embargo, tal como el título augura, The Woodmans no sólo se detiene en FW; es –también– la historia de Betty Woodman, ceramista experimentada, y George Woodman, pintor abstracto y docente en crítica de arte y el universo expresivo creado por ambos para su séquito: un mundo donde el valor absoluto yace en el arte, donde la incondicionalidad en el hacer responde al compromiso y a la inevitabilidad. “Jamás hubiera podido vivir con alguien que no le diera al arte la misma importancia que yo le asignaba. Sencillamente lo hubiese odiado”, explica Betty sobre el eje y la línea rectora de su familia.

De allí que los autodefinidos “inexpertos y extraños” padres en sus veinte sacaran a sus hijos del colegio y los alejasen de sus amigos para viajar alrededor del mundo y concurrir masivamente a cuanto museo se les topase. De allí, los veranos en Florencia. O el marco estimulante que rodeó a Francesca y Charles, su hermano mayor, quien luego se volviera profesor de arte electrónico en la Universidad de Cincinnati.

Con música compuesta por el ganador del Pulitzer, David Lang, el film completa panorama con declaraciones de amigos, colegas y especialistas. Por supuesto está la voz cantora de sus padres que, según la crítica, se expresan con “demasiada franqueza” en desmadre de cómo puedan ser percibidos. De hecho, muchos apuestan al culebrón y hablan de “competencia” y “celos”, argumentando con citas de George como: “Ella era tan buena que logró que mi propio trabajo pareciera un poco tonto. No me hubiera molestado recibir a mí también una porción de la torta”.

Otros, en cambio, rescatan el clima estimulante y la compresión de hecho; el factor –para nada menor– de que la propia Francesca jamás hubiera señalado a su entorno por su depresión. Al final de cuentas, como el documental retrata, en la última entrada de sus diarios, la fotógrafa garabatea: “No tiene nada que ver con no poder soportar la decepción en la gran ciudad, con las propias dudas o con que mi corazón se haya ido. Tampoco se trata de enseñarle a la gente una lección. Simplemente es otra cosa”. “Hay un riesgo psíquico en ser un artista. Quizás eso haya hecho su vida un poco más difícil”, ofrece el padre con el botón Rec encendido.

MI SECRETO ME CONDENA

Cuando, en una nota para el Telegraph británico, George habló de su hija, se refirió a ella como una mujer con un gran sentido del humor. Sí, la perturbada e inquietante Francesca, victoriana y precoz, abismal, gótica, inusual y tormentosa Woodman, una joven con sentido del humor. “Era una persona que conversaba animadamente, que usaba la ironía y la caracterización cómica a diario en sus discursos. Recuerdo que, con 10 años, prestaba particular atención al absurdo. Si íbamos a la carnicería, reparaba en cómo el carnicero tenía cara de cordero. Y cosas por el estilo”, asegura papá G sobre la petite F.

En miras de su desenlace final (ese suicidio), es difícil imaginarla de esa manera: alegre. De hecho, por el afán y la torpeza humanos de querer cargar (y juzgar) al arte por la biografía del artista, el trabajo de Francesca a menudo ha sido objeto de sensacionalismo. “Es a causa de los trágicos eventos que signaron su vida”, ofrece el otrora fotógrafo George (desistió en esa forma de expresión porque el territorio le parecía exclusivo de F). Al respecto, apuesta una hipótesis: “El trabajo de mi hija sufre un poco de lo que el trabajo de Van Gogh ha sufrido: la imagen de este loco que se cortó una oreja no es particularmente útil para comprender sus pinturas. Algunas personas se han vinculado tanto a su historia que, sin la tragedia, quizá no les interesarían sus fotos. Pero no creo que esa manera de ‘leer’ su obra sea productiva o correcta”. En eso, sin duda, hay que coincidir.

Por Guadalupe Treibel

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/las12/13-6971-2011-12-30.html
http://www.elpais.com/articulo/cultura/Vida/muerte/Francesca/Woodman/elpepucul/20110126elpepucul_5/Tes
http://es.wikipedia.org/wiki/Francesca_Woodman

Seneca Falls: la Primera Convención Feminista

2012-01-16T00:30:00.001+01:00

El 18 de julio de 1848, trescientas personas se reunieron en una capilla de Seneca Falls (New York) para discutir una declaración sobre las condiciones y derechos sociales, civiles y religiosos de la mujer. Las inspiradoras y organizadoras: Lucretia Mott, Elizabeth Cady Stanton y Margaret Fuller. No es extraño que el feminismo haya nacido en el país que se originó en la modernidad, por ella y para ella. Los movimientos europeos fueron posteriores y miraban constantemente hacia Norteamérica como experiencia modelo. Mientras Marx y Engels decían en el Manifiesto Comunista (texto que se discutía febrilmente en Europa) que “la historia de todas las sociedades que han existido hasta nuestros días es la historia de la lucha de clases”, dividiendo así el mundo en explotadores y explotados, las mujeres norteamericanas proclamaban que “la historia de la humanidad es la historia de las repetidas vejaciones y usurpaciones por parte del hombre con respecto a la mujer,y cuyo objetivo directo es el establecimiento de una tiranía absoluta sobre ella”. Partieron ellas la humanidad entre hombres y mujeres; comenzaba entonces la guerra de los sexos.

¿Quiénes eran esas mujeres?

Las de 1848 fueron mujeres que heredaron la valentía e inconformidad de Abigail Smith Adams. Fervorosas militantes de una causa, organizaban conferencias populares, recogían firmas para solicitar a las Legislaturas la revisión de disposiciones injustas, se atrevían a concurrir a las elecciones a depositar un voto que no les era permitido. En fin, mas de una trifulca resulto de la actividad incansable de estas mujeres. Cualidad que caracterizaba a las mas importantes militantes feministas de esa época era su elocuencia; oradoras por excelencia, formadas en la pelea diaria, dejaron muy pocos testimonios o análisis escritos.

Entre las muchas razones que explican la aparición de esta nueva “tribu” están: el auge del liberalismo, el ascenso vertiginoso de la clase media y el gran crecimiento económico que caracterizó a los EE. UU. en el siglo XIX. Tenemos, sin embargo, dos circunstancias ciertamente importantes: el debate encendido de leyes y códigos para regir la vida política, económica y social en permanente cambio para esos días; y el vinculo de las primeras contestatarias con movimientos religiosos tales como el Puritanismo y los Cuáqueros. Resulta que muchas de las pioneras y figuras claves del feminismo norteamericano eran cuáqueras, dos ejemplos relevantes son Lucretia Mott y Susan B. Anthony. Como muchos otros cultos perseguidos en Europa, los cuáqueros se asentaron en territorio de América del Norte y fundaron colonias, la mas famosa de ellas, Pennsylvania. Pero, ¿qué tenían de particular los cuáqueros?

Al igual que otras religiones, eran encendidamente fanáticos a su fe y normas de conducta - entre las cuales estaban: la práctica del pacifismo, la honestidad estricta, la negación al pago de contribuciones a cualquier iglesia (incluyendo la propia) y el no reconocimiento de los sacramentos -, siendo severamente vigilados en la observancia por sus propios correligionarios. Rechazaban toda intermediación con la deidad y de allí su negativa a aceptar la liturgia tradicional. Los cuáqueros sufrieron con el tiempo el mismo destino de innumerables sectas de la Norteaméricacolonial: fueron diseminados, subsumidos en la cambiante religiosidad del espíritu norteamericano, otras confesiones tomarían su lugar, fenómeno constante en la vida religiosa de los Estados Unidos. No obstante, algunos preceptos defendidos por los cuáqueros como el antiesclavismo y el igualitarismo (hombres y mujeres tenían los mismos deberes y derechos) permanecieron y fueron de capital importancia para la maduración entre sus filas de mujeres luchadoras. Otras características del culto cuáquero fueron importantes tales como la verbosidad de sus miembros y la desobediencia civil.

¿Qué se discutía?

En Seneca Falls se dio una denuncia fervorosa sobre la situación de minusvalía política, social, moral, religiosa y civil de las mujeres norteamericanas:

En el plano político:

* “El hombre nunca le ha permitido que ella disfrute del derecho inalienable del voto.”

* “La ha obligado a someterse a unas leyes en cuya elaboración no tiene voz.”

* “Le ha negado derechos que se conceden a los hombres mas ignorantes e indignos, tanto indígenas como extranjeros.”

En lo social:

* “Él (el hombre) ha monopolizado casi todos los empleos lucrativos, y en aquellos que ella puede desempeñar no recibe mas que una remuneración misérrima... No se la admite ni como profesor de medicina, ni de teología, ni de derecho.”

* “Le ha negado la oportunidad de recibir una educación adecuada, ya que todos los colegios están cerrados para ella.”

En lo moral:

* “Moralmente la ha convertido en un ser irresponsable, ya que puede cometer toda clase de delitos con impunidad, con tal de que sean cometidos en presencia de su marido.”

* “Él ha tratado por todos los medios posibles de destruir su confianza en sus propias virtudes, de disminuir su propia estima, y de conseguir que esté dispuesta a llevar una vida de dependencia y servidumbre.”

En lo religioso:

* “Tanto la Iglesia como el Estado no le permiten que ocupe mas que una posición subordinada, pretendiendo tener una autoridad apostólica que la excluye de todo ministerio.”

En lo civil:

* “Si está casada, la ha dejado civilmente muerta ante la ley.”

* “Después de despojarla de todos los derechos como mujer casada, si es soltera y posee fortuna, esta se ve gravada con impuestos para sostener un gobierno que no la reconoce más que cuando sus bienes pueden ser rentables”...

Los siguientes fueron los acuerdos mas importantes aprobados en esa primera asonada feminista:

1.- Que todas aquellas leyes que sean conflictivas en alguna manera con la verdadera y sustancial felicidad de la mujer, son contrarias al gran precepto natural y no tienen validez.

2.- Que todas las leyes que impidan que la mujer ocupe en la sociedad la posición que su conciencia le dicte, o que la sitúen en una posición inferior a la del hombre, son contrarias al gran precepto de la naturaleza y no tienen validez, pues este precepto tiene primacía sobre cualquier otro.

3.- Que la mujer es igual al hombre - que así lo pretendió el creador - y que por el bien de la raza humana exige que sea reconocida como tal.

4.- Que las mujeres de este país deben ser informadas en cuanto a las leyes bajo las cuales viven; que no deben seguir proclamando su degradación, declarándose satisfechas con su actual situación, ni su ignorancia, aseverando que tienen todos los derechos que desean.

5.- Que puesto que el hombre pretende ser superior intelectualmente y admite que la mujer lo es moralmente, es preeminente deber suyo animarla a que hable y predique en todas las reuniones religiosas.

6.- Es deber de las mujeres de este país asegurarse el sagrado derecho del voto.

7.- La igualdad de los derechos humanos es consecuencia del hecho de que toda la raza humana es idéntica en cuanto a capacidad y responsabilidad.”

(Nota: Las citas son del libro de Amalia Martín Gamero: Antología del Feminismo, Madrid, Alianza, 1975.)

Cynthia Wikander

(Correo A # 28, noviembre 1995, pp. 12-13)

http://correoa.blogspot.com/2010/10/recordando-seneca-falls-la-primera.htm

Yvonne Domenge de México

2012-01-15T00:29:00.003+01:00

Yvonne Domenge escultora mexicana cuyas obras forman parte de varias instituciones tanto a nivel nacional como internacional.

Yvonne Domenge nació en Distrito Federal, México, donde estudió artes plásticas así como en Montreal y en Washington D. C.. Igualmente, cursó la carrera de desarrollo humano en la Universidad Iberoamericana.

Tras esto, ha impartido cursos y talleres además de ser la coordinadora de proyectos socioeconómicos relativos a zonas de escasos recursos de Distrito Federal. Asimismo, ha participado en exposiciones tanto a nivel nacional como internacional llevadas a cabo en sitios como el Museo de Arte Contemporáneo de Monterreyy el Museo del Louvre. En 2004, fungió como creadora artística del Sistema Nacional de Creadores de Arte.

Sus esculturas se hallan en numerosas instituciones tanto a nivel nacional como internacional entre ellos el Palacio Nacional de Distrito Federal, México., elInstituto Nacional de Investigaciones Nucleares, el Jardín Botánico de Culiacán, Sinaloa, el Tecnológico de Monterrey, Campus Estado de México, la Universidad Autónoma Metropolitana, mientras que en el extranjero figuran las ciudades estadounidenses de Washington D. C. (en el Banco Mundial), San Francisco (en las empresas PG & Energy Services Company y Novell Inc.) y San Ramón, ambas en California, así como Japón (en el Toyamura General Center desde 1997) y la Ciudad internacional universitaria de París. Ha contribuido además en el diseño de varios jardínes ubicados en Veracruz y Distrito Federal. Se dedica a impartir clases de apreciación artística.

En septiembre de 2010, para celebrar los cien años de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), contribuyó con la creación de una escultura alusiva a la pandemia de gripe A (H1N1) de 2009

En abril de 2011, se convirtió en la primera mexicana en participar con algunas de sus esculturas en el Millennium Park, de Chicago, Estados Unidos, en una exposición que habría de durar dos años. Entre las obras seleccionadas figuran Listón de Tabachín, Esfera de coral, Olas de viento y Árbol de vida. Para su construcción y traslado a Chicago, los gastos fueron cubiertos por el propio Millennium Park y el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes. Tras el término de la muestra, las obras serían trasladadas a diferentes museos de arte contemporáneo de esa ciudad.

http://es.wikipedia.org/wiki/Yvonne_Domenge

Joy Harjo

2012-01-14T20:51:00.001+01:00

I am a dangerous woman

The sharp ridges of clear blue windows
motion to me
from the airport's second floor.
Edges dance in the foothills of the Sandias
behind security guards
who wave me into their guncatcher machine.

I am a dangerous woman.

When the machine buzzes they say
to take off my belt,
and I remove it so easy
that it catches the glance
of a man standing nearby.
(Maybe that is the deadly weapon
that has the machine singing.)

I am a dangerous woman,

but the weapon is not visible.
Security will never find it.
They can't hear the clicking
of the gun inside my head.

en How we became human, New York-London: W.W.Norton, 2002

~~~~~~~~~~~~~~~

Las nítidas cadenas de ventanas azules
me llaman
desde el segundo piso del aeropuerto.
Unos bordes bailan al pie de las Montañas Sandía
detrás de guardias de seguridad
que me dirigen hacia su máquina cazadora de pistolas.

Soy una mujer peligrosa.

Cuando la máquina zumba me dicen
que me saque el cinturón,
y me lo saco con tanta facilidad
que atrae la mirada
de un hombre parado ahí cerca.
(Quizá ésa es el arma mortal
que hizo sonar la máquina.)

Soy una mujer peligrosa,

pero el arma no es visible.
Los de Seguridad no la van a encontrar nunca.
No pueden oír el click
de la pistola que está dentro de mi cabeza.

ver That's What She Said: Contemporary Poetry and Fiction by Native American Women, edited by Rayna Green, Indiana University Press, 1984

Joy Harjo (nacida en Tulsa , Oklahoma , May 9, 1951) es un nativa americana poeta, música y autor de la ascendencia. Conocida sobre todo como poeta, Harjo también ha enseñado a nivel universitario, tocaba el saxofón alto con una banda llamada justicia poética ,ha editado revistas literarias, y escrito guiones . Es miembro de la Muscogee (Creek) . Se graduó en el Taller de Escritores de Iowa en la Universidad de Iowa .

En 1995, Harjo recibió el Lifetime Achievement Award del Círculo de Escritores indígenas de las Américas

Fuentes :
http://en.wikipedia.org/wiki/Joy_Harjo
http://books.google.com/books?id=S2ODW3K4Se0C&printsec=frontcover&dq=%22when+the+machine+buzzes+they+say&hl=es

http://mitakuyeoyasinn.blogspot.com/2007/12/joy-harjo.html

Flora Tristán

2012-01-13T10:58:00.002+01:00

El relato de la vida de Flora Tristán (1803-1844) está lleno de circunstancias que parecen arrancadas de la novelística romántica al gusto de la época y son de irresistible referencia. Nació en Paris, hija mayor de Mariano Tristán, rico aristócrata peruano, y Théresè Leisné, plebeya que había vivido emigrada en España. Al hogar son asiduos algunos viajeros americanos como el joven Simón Bolívar (cuya amistad con Théresè hará correr ríos de tinta histórico-chismográfica) y su maestro Simón Rodríguez. Luego vendrían las guerras napoleónicas y la muerte del padre (en 1808), perdiéndose el contacto con la parentela peruana y cesando el envío de dinero, lo que inicia una etapa de pobreza para la viuda y sus dos hijos, mitigada por la ilusión del futuro acceso a la fortuna familiar cuando pudiesen viajar a América.

Entre penurias, la madre procura darles un nivel de instrucción digno, pero la necesidad se impone y en 1820 la ya muchacha debe trabajar como obrera en un taller de litografía, cuyo joven propietario - André Chazal - se prenda de ella. Huyendo de la miseria y sometida a la presión materna, Flora accede a casarse en 1821; vienen 2 hijos y 1 hija - Aline, futura madre del insigne pintor Paul Gaugin -, pero en 1826 ya no soporta aquella unión sin amor y convencional, abandonando el hogar e iniciando una agria disputa legal y personal que se prolonga los siguientes 12 años, hasta que Chazal casi la asesina y es condenado a 20 años de trabajos forzados. Esa vivencia personal será sin duda un estímulo para que afloren un pensamiento y una acción que serán referencia importante para el movimiento feminista, pues es figura de excepción que denuncia con la más sentida sensibilidad los padecimientos de la mujer de su tiempo, planteando reivindicaciones que siguen siendo actuales.

La esperanza por la herencia paterna se quebrantará definitivamente cuando Flora viaje a Perú en 1833-34, pues aún siendo atendida por sus parientes, la respuesta es fría al pedir un reparto justo de la riqueza familiar, cediendo apenas en la concesión de una modesta pensión anual, que le retirarán tiempo después al evidenciarse su compromiso político. Retorna a Europa reafirmándose en las convicciones igualitarias radicales que viene madurando desde 1825, con la lectura de autores como Saint-Simon, Aurora Dupin, Fourier, Considerant, Owen y los contactos directos con el movimiento obrero de ambos lados del Canal de La Mancha, pues tendría varias estancias prolongadas en Gran Bretaña. Además, el viaje a América sirve para que perciba sus raíces personales y los objetivos de sus posteriores combates de un modo distinto, llegando a identificarse a si misma como "La Peruana" y, más aún, como "La Paria", en una proclamación pionera del carácter internacional del socialismo y sus luchas.

En 1835 publica su primer folleto, dedicado a la situación de las mujeres extranjeras pobres en Francia; en 1837 sale el segundo, en pro del divorcio; en 1838 les siguen los 2 volúmenes de su diario de viaje a América, dedicado a los peruanos y firmado por "vuestra amiga y compatriota"; su título es "Peregrinaciones de una Paria" y le da gran renombre en los medios literarios parisinos, reafirmado meses después con la novela "Mephis o El Proletario", que como escritora la eleva a la categoría de rival de la celebre George Sand. Prosigue en 1839 con una selección y traducción al francés de cartas del Libertador, y en 1840 sus impresiones críticas de la sociedad capitalista inglesa dan pie a "Paseos por Londres". Al mismo tiempo, aquella mujer cuya belleza y talento encandilaban a literatos y periodistas, profundiza su empeño activo con las luchas sociales más radicales de entonces, en primer lugar por la emancipación real de la mujer y de la clase obrera, pero también por la abolición de la pena de muerte y de la esclavitud, contra el oscurantismo religioso y en muchas otras causas, destacando siempre por su dedicación plena e ideas agudas.

Como presintiendo la muerte cercana, los 2 años postreros de Flora Tristán son de plenitud en labor y pensamiento, siendo una imaginativa influencia que se percibe hasta en los poco románticos textos de Karl Marx, que la conoce en esos días. Es entonces que escribe "La Unión Obrera" (publicada en 1843) y "La Emancipación dela Mujer" (inédita hasta 1846), obras que marcan su madurez intelectual y política; además, emprende por toda Francia la tarea de organizar esa Unión Obrera que recogía la experiencia inglesa de las Trade Unions, aunque con un énfasis internacionalista y socialista radical que hacen justa la apreciación de quienes ven en ella la olvidada precursora de la I Internacional, como su biógrafo peruano Luis Alberto Sánchez, quien afirma: "Aquella Asociación Internacional de Trabajadores era la vieja Unión Obrera, amplificada, ecuménica y viril, trocada en lógica - acaso por lo mismo menos penetrante - al pasar a cerebros masculinos, emergiendo del impetuoso fervor de una mujer. Nadie recordó a la precursora en la célebre asamblea de Albert Hall. Pero ella, con su pensamiento y ejemplo, estuvo presidiéndola desde lejos, desde la eternidad o la nada.

Sofía Comuniello

(Correo A # 26, p.18; septiembre 1994)

http://www.boletindenewyork.com/floratristan.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Flora_Trist%C3%A1n
http://correoa.blogspot.com/2010/10/flora-tristan-la-paria-peregrina.html
http://emplugones.blogspot.com/2011/04/flora-tristan-y-su-sitial-ganado-en-la.html

Elizabeth Blackwell

2012-01-12T07:29:00.000+01:00

Elizabeth Blackwell (3 de febrero de 1821 - 31 de mayo de 1910) fue la primera mujer que ejerció como médica en los Estados Unidos.

Nació en Bristol (Inglaterra), siendo la tercera de los nueve hijos de Samuel Blackwell, un refinador de azúcar y de Hannah Lane, criándose así en una familia con suficiente capacidad económica como para pagar la educación a todos sus hijos. En 1831 emigró con su familia a Cincinnati, Estados Unidos, abriendo su padre una refinería en Nueva York. Blackwell, tras fallecer su padre, comenzaría a estudiar medicina, con el deseo de dedicarse a la práctica médica.

El suyo sería un papel activo en el movimiento abolicionista estadounidense.

Diez universidades rechazazon su solicitud hasta que fue admitida en Ginera (Nueva York). El 11 de enero de 1849 se convirtía en la primera mujer en recibir el título de doctora en Estados Unidos.

Recibió el consejo de realizar cursos de homeopatía y dedicarse a la práctica de la medicina no oficial.

Marchó a París donde ejerció en maternidad. En una de las curas, una secreción purulenta le salpicó el ojo izquierdo dejándolo ciego. Aquello truncaría su carrera de cirujana. Poco después, marcha a Inglaterra donde conoce a Florence Nightingale y al regresar a Estados Unidos, funda junto a su hermana Emily, una Escuela de Enfermería para mujeres. El estallido de la Guerra de Secesión las dará a conocer a ellas y a sus primeras discípulas. Además escribe tratados para difundir entre la población femenina, consejos y recomendaciones para mejorar su higiene y salud.

Terminada la guerra, en 1868 funda una Universidad de Medicina para mujeres y al año siguiente marcha a Inglaterra donde ejerce la cátedra de ginecología hasta su jubilación en 1907.

Cita:

"No es fácil ser una pionera, ¡pero es fascinante! No negociaría un momento, incluso el peor momento, por todas las riquezas en el mundo"

http://es.wikipedia.org/wiki/Elizabeth_Blackwell

http://womenshistory.about.com/od/blackwellelizabeth/a/eliz_blackwell.htm

http://lifestyle.iloveindia.com/lounge/elizabeth-blackwell-biography-9976.html

https://docs.google.com/viewer?a=v&q=cache:qE5GX0ob5WoJ:webs.uvigo.es/pmayobre/textos/pilar_iglesias_aparicio/tesis_doctoral/cap8_sin_fotos_elizabeth_blackwell_y_las_escuelas_de_medicina_en_los_estados_

Alfonsina Storni

2012-01-11T00:31:00.001+01:00

El clamor

Alguna vez, andando por la vida,
por piedad, por amor,
como se da una fuente, sin reservas,
yo di mi corazón.

Y dije al que pasaba, sin malicia,
y quizá con fervor:
-Obedezco a la ley que nos gobierna:
He dado el corazón.

Y tan pronto lo dije, como un eco
ya se corrió la voz:
-Ved la mala mujer esa que pasa:
Ha dado el corazón.

De boca en boca, sobre los tejados,
rodaba este clamor:
-¡Echadle piedras, eh, sobre la cara;
ha dado el corazón!

Ya está sangrando, sí, la cara mía,
pero no de rubor,
que me vuelvo a los hombres y repito:
¡He dado el corazón!

Alfonsina Storni Martignoni (Sala Capriasca, Suiza, 22 o 29 de mayo de 1892– Mar del Plata, Argentina, 25 de octubre de 1938) fue una poetisa y escritora argentina del modernismo.

Sus padres, dueños de una cervecería en San Juan, regresaron a Suiza en 1891. Y en 1896 volvieron a Argentina junto con Alfonsina, quien había nacido durante la estadía de la pareja en el país europeo. En San Juan concurrió al jardín de infantes y desarrolló la primera parte de su infancia. A principios del siglo XX la familia se mudó a Rosario, donde su madre fundó una escuela domiciliaria y su padre instaló un café cerca de la estación de ferrocarril Rosario Central. Alfonsina se desempeñó como mesera en el negocio familiar, pero dado que este trabajo no le gustaba se independizó y consiguió empleo como actriz. Más tarde recorrería varias provincias en una gira teatral.

Storni ejerció como maestra en diferentes establecimientos educativos y escribió sus poesías y algunas obras de teatro durante este período. Su prosa es feminista, ya que busca en ella la igualdad entre el hombre y la mujer, y según la crítica, posee una originalidad que cambió el sentido de las letras de Latinoamérica. Otros dividen su obra en dos partes: una de corte romántico, que trata el tema desde el punto de vista erótico y sensual y muestra resentimiento hacia la figura del hombre, y una segunda etapa en la que deja de lado el erotismo y muestra el tema desde un punto de vista más abstracto y reflexivo. La crítica literaria, por su parte, clasifica en tardorrománticos a los textos editados entre los años 1916 y 1925 y a partir de Ocre encuentra rasgos de vanguardismo y recursos como el antisoneto. Sus composiciones reflejan, además, la enfermedad que padeció durante gran parte de su vida y muestran la espera del punto final de su vida, expresándolo mediante el dolor, el miedo y otros sentimientos.

Fue diagnosticada con cáncer de mama, del cual fue operada. A pedido de un medio periodístico se realizó un estudio de quirología, cuyo diagnóstico no fue acertado. Esto la deprimió, provocándole un cambio radical en su carácter y llevándola a descartar los tratamientos médicos para combatirla.

Se suicidó en Mar del Plata arrojándose de la escollera del Club Argentino de Mujeres. Hay versiones románticas que dicen que se internó lentamente en el mar. Su cuerpo fue velado inicialmente en esa ciudad balnearia y finalmente en Buenos Aires. Actualmente sus restos se encuentran enterrados en el Cementerio de la Chacarita.

Cuadrados y ángulos

Casas enfiladas, casas enfiladas,
casas enfiladas.
Cuadrados, cuadrados, cuadrados.
Casas enfiladas.
Las gentes ya tienen el alma cuadrada,
ideas en fila
y ángulo en la espalda.
Yo misma he vertido ayer una lágrima,
Dios mío, cuadrada.

http://amediavoz.com/storni.htm#

http://es.wikipedia.org/wiki/Alfonsina_Storni
http://libre-expresion2009.blogspot.com/2009/07/silencio-de-alfonsina-storni.html

http://donesicultura.blogspot.com/2012/01/silencio-de-alfonsina-storni.html

Lygia Clark de Brasil

2012-01-10T00:34:00.000+01:00

Nacida en 1920 en Belo Horizonte, Minas Gerais, Brasil. Fallecida en 1988 en Rio de Janeiro

A los 27 años realizó estudios con el arquitecto paisajista Roberto Burle Marx en Rio de Janeiro; 1950-52 con Arpad Szènes y Fernand Léger en París. 1952 Exposición de una obra abstracta en el Ministério da Educaçao e Cultura en Rio de Janeiro; 1953 Participación en al Bienal de São Paulo. 1964 miembro del »Grupo Frente&laqno;, del que surgió el movimiento concreto en Rio de Janeiro. 1954-58 Serie de pinturas que destacan preocupaciones constructivistas. 1955 y 1957 participación en la Bienal de São Paulo y en 1957 en la I Exposiçao Nacional de Arte Concreto en Rio de Janeiro; 1959 firmante del manifiesto neo-concreto. Después de 1959 realización de objetos, que cuentan con la activa participación del espectador, en especial después de 1965 con happenings y performances. 1970-75 actividad docente en la Sorbonne en Paris.

La actitud básica de la obra de Clark es antimecanística y biológica. En los años 70 se interesa cada vez más en las posibilidades terapéuticas del arte. Sus trabajos interactivos posteriores, si bien contienen elementos del happening o performance, son más bien intentos de moverse a lo largo de una fina linia divisoria entre al arte fijado espacial y temporalmente y la actividad psicoterapéutica. A partir de 1978 se dedicó exclusivamente a la práctica psicoanalítica.

Retrospectivas: 1986 Paço Imperial do Rio de Janeiro con Hélio Oiticica; 1987 Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo.

Exposiciones: 1959,1961,1963 y 1967 Bienal de São Paulo; 1960, 1962 y 1968 Biennale di Vanenzia; 1960 »Arte concreto&laqno; en Zürich; 1964 Signals Gallery, London

Universes in Universe - Compilada por Tadeu Chiarelli, aparecida en el catálogo »Lateinamerikanische Kunst im 20. Jahrhundert&laqno;, Josef-Haubrich-Kunsthalle, Colonia, Febrero/Abril, 1993

En la combinacion peculiar entre su actividad artística y terapeutica jugó Lygia Clark un papel muy influyente en el arte brasileño. Comenzó su carrera artística a finales de los años 50 pudiendo desarrollar su obra en una época de intensa creatividad espiritual, en la que los artistas procuraban integrar su trabajo en el proceso de cambiar la sociedad. (...)

En un principio se dedica a la abstracción geométrica, pero comprende muy pronto que realidad se halla a la búsqueda de una forma de expresión orgánica básica, liberada de las limitaciones de la pintura de caballete. Se convierte a la par de su amigo Hélio Oiticica, en un miembro importante del movimiento neo-concreto y se dedica a comienzos de los años 60 a la producción de objetos efímeros manipulables. Sus Objeto Sensoriais son para ella »organismos vivientes&laqno;, que adquieren forma y sentido, cuando el cuerpo del espectador entra en contacto con ellos. (...)

Universes in Universe - (De un texto de Paul Sztulman en la guía breve de la dX)

http://lavidanoimitaalarte.blogspot.com/2008/08/lygia-clarke-belo-horizonte-1920-ro-de.html
http://en.wikipedia.org/wiki/Lygia_Clark
http://www.artemercosur.org.uy/clark/index.html

Mujeres en el Arte .

2012-01-09T08:00:00.001+01:00

"She Screams" A Poem & Dream by Margaret Wilken.dv. Ella grita . Un poema y sueño de Margaret Wilken.dv

Nuestras antepasadas

Nos apoyamos sobre los hombros de todas las que vinieron antes de nosotras.

Este vídeo nos presenta mujeres que nos recuerdan donde hemos llegado en derechos y nos alienta a seguir luchando por conseguir los no alcanzados.

El poema nos invita a sentir el poder de ser una mujer,porque ser una mujer es un poder ,dice.

Nos invita a la lucha por alcanzar nuestro deseos, a seguir estudiando, porque el conocimiento es un poder, dice.

Nos recuerda derechos alcanzados y nos invita a usarlos. nos invita a escuchar a nuestro alrededor y nos alienta a vivir el hoy : Hoy es tu momento, nos dice, el grito de ellas, nuestra antepasadas, nos lo recuerda .

Una mujer que ha vivido muchas cosas y ha visto trazos y colores como expresión de vida, puede deciralgo que un hombre no puede. Siento que hay algo inexplorado sobre las mujeres que solo las mujeres puedenexplorar. Georgia O´Keefe

Elizabeth Garrett Anderson

2012-01-08T00:49:00.000+01:00

Elizabeth Garrett Anderson , hija de Newson Garrett (1812-1893) y Louise Dunnell (1813-1903), nació en Whitechapel , Londres el 9 de junio de 1836. El padre de Elizabeth, fue el nieto de Richard Garrett , fundador de la maquinaria agrícola .

El padre de Elizabeth había originalmente tenido una tienda de empeños en Londres , pero en el momento en que ella nació era dueño de un almacén de maíz y de carbón en Aldeburgh , Suffolk . El negocio fue un gran éxito y por la década de 1850 Garrett podría permitirse el lujo de enviar a sus hijos a ser educados.

Después de dos años en una escuela de Blackheath , de Elizabeth se esperaba que permaneciera en el hogar familiar hasta que encontrara a un hombre para casarse. Sin embargo, Elizabeth estaba más interesada en obtener un empleo. Durante una visita a una amiga en Londres en 1854, Elizabeth se reunió con Emily Davies , una mujer joven con fuertes opiniones acerca de los derechos de las mujeres. Davies presentó a Elizabeth a otras feministas jóvenes que vivian en Londres .

En 1859, Garrett se reunió Elizabeth Blackwell , la primera mujer en los Estados Unidos titulada como médica. Elizabeth decidió que también quería hacer carrera en medicina. Sus padres fueron inicialmente hostiles a la idea, pero finalmente su padre, Newson Garrett, acordó apoyar sus intentos de convertirse en la primera mujer médico de Gran Bretaña.

Garrett trato de estudiar en varias escuelas de medicina, pero todas se negaron a aceptar a una estudiante mujer. Garrett se convirtió en enfermera en el Hospital Middlesex y asistió a las conferencias que eran impartidas para los médicos varones. Después de las quejas de los estudiantes varones a Elizabeth se le prohibió la entrada a la sala de conferencias.

Garrett descubrió que en la Sociedad de Boticarios no estaba especificado que a las mujeres se les prohibiera pasar los exámenes. En 1865, Garrett aprobó el examen de boticarios. Tan pronto como a Garrett le fue expedido el certificado que le permitió convertirse en doctora, la Sociedad de Boticarios cambió sus reglamentos para detener a otras mujeres a acceder a la profesión de esta manera. Con el apoyo financiero de su padre, Elizabeth Garrett fue capaz de establecer un consultorio médico en Londres .

Elizabeth Garrett fue una feminista comprometida y en 1865 se unió con sus amigas de Emily Davies , Barbara Bodichon , Bessie Rayner Parkes , Dorothea Beale y Francis María Buss para formar un grupo de discusión de mujeres llamado la Sociedad de Kensington . Al año siguiente, el grupo organizó una petición al Parlamento para solicitar a las mujeres el derecho de voto.

Aunque el Parlamento rechazó la petición, la mujer recibió el apoyo de los liberales como John Stuart Mill y Henry Fawcett. Elizabeth se hizo amiga de Fawcett, miembro del parlamento por Brighton , pero rechazó su propuesta de matrimonio, ya que creía que podría dañar su carrera. Fawcett se casó con su hermana menor, Millicent Garrett .

En 1866, Garrett estableció un dispensario para mujeres en Londres (más tarde rebautizado como Elizabeth Garrett Anderson Hospital ) y cuatro años más tarde fue designada médico visitador de los hospital del este de Londres . Elizabeth estaba decidida a obtener el título de médico y después de aprender francés, fue a la Universidad de París donde aprobó los exámenes requeridos. Sin embargo, el registro médico británico se negó a reconocer su título de médica.

A pesar de que era partidaria de la Unión Nacional de Sociedades de Sufragio de la Mujer (NUWSS) no era una miembro activo durante este período. Según su hija, Louisa Garrett Anderson , pensó "que no sería prudente que se identificara con una causa impopular" .

La Ley de Educación de 1870 permitió a las mujeres votar y participar en las juntas escolares. Garrett estaba en Londres y obtuvo más votos que cualquier otro candidato. Al año siguiente se casó con James Skelton Anderson, copropietario de la de la Compañía de Vapores de Oriente , y el asesor financiero del hospital del este de Londres .

Al igual que otras feministas de la época, Elizabeth Garrett mantuvo su propio apellido. Aunque James Anderson respaldo el deseo de Elizabeth para continuar como médico . La pareja se vio envuelta en una controversia cuando él trató de insistir en que debía tomar el control de los ingresos.

Elizabeth tuvo tres hijos, Louisa Garrett Anderson , Margarita, que murió de meningitis, y Alan. Esto no le impidió continuar con su carrera médica y en 1872 abrió el Nuevo Hospital de la Mujer en Londres, un hospital que estaba formada íntegramente por mujeres. Elizabeth Blackwell, la mujer que la inspiró a convertirse en un médico, fue nombrada profesora de ginecología.

Elizabeth Garrett Anderson también se unió a Sophia Jex-Blake para establecer una escuela de medicina para mujeres en Londres . Jex-Blake esperana dirigirla , pero Garrett creia que su temperamento la hacia inadecuada para la tarea y encargo a Isabel Thorne el nombramiento en su lugar. En 1883, Garrett Anderson fue elegida Decano de la Facultad de Medicina de Londres. Sophia Jex-Blake fue la única miembro del consejo que votó en contra de esta decisión.

Tras la muerte de Lydia Becker en 1890, la hermana de Elizabeth, Millicent Garrett Fawcett fue elegida presidente de la Unión Nacional de Sociedades Sufragistas . En ese momento Elizabeth era miembro del Comité Central del NUWSS.

En 1902 se retiró a Aldeburgh . Garrett Anderson continuó con su interés por la política y en 1908 fue elegida alcalde de la ciudad - la primera alcaldesa en Inglaterra. Cuando Garret Anderson tenía setenta y dos, se convirtió en miembro de la militante de la Unión de Mujeres Políticas y Sociales(WSPU) . En 1908 tuvo la suerte de no ser detenido después de que ella se uniera con otros miembros de la WSPU para tomar por asalto la Cámara de los Comunes . En octubre de 1909 se fue en una gira de conferencias con Annie Kenney .

Elizabeth salió de la WSPU es en 1911 . Su hija Louisa Garrett Anderson permaneció en la WSPU y en 1912 fue enviada a prisión por sus actividades militantes. Las autoridades se dieron cuenta de los peligros de su huelga de hambre y la liberaron

Elizabeth Garrett Anderson murió en 17 de diciembre 1917.

http://es.wikipedia.org/wiki/Elizabeth_Garrett_Anderson
http://www.spartacus.schoolnet.co.uk/WandersonE.htm

Lygia Pape de Brasil

2012-01-07T14:25:00.000+01:00

"Rueda de los placeres" se inspira en el principio sensorial en la que los espectadores pueden servirse unas gotas de agua con colorante alimentario de distintos sabores para teñirse la lengua de distintos colores

Lygia Pape (7 de abril de 1927– 3 de mayo 2004) fue una influyente y reconocida artista brasileña. Se la reconoce dentro del llamado Arte Concreto y del neoconcretismo, movimientos artísticos muy significativos en Brasil.

Lygia Pape logró agrandar el campo del arte contemporáneo, al igual que figuras tales como Lygia Clark. Inicialmente, se contó entre el grupo de los Concretos, geométricos, que se alejaban de la representación en el arte, pero de un modo muy original y variado. Luego, incorporó otro tipo de elementos artísticos. También colaboró con el "cinema novo" brasileño (Glauber Rocha, Pereira Dos Santos), incluso haciendo su cartelería; y ella misma acabó realizando vídeos de muy distinto calado. Pero nunca perdió su referencia expresiva geométrica y dinámica que ella contribuyó a enriquecer.

Desde 1972 hasta 1985, Lygia Pape enseñó semiótica en la Escuela de Arquitectura de la Universidade Santa Ursula, en Rio de Janeiro, y fue profesora en la Escuela de Bellas artes de la Universidade Federal do Rio de Janeiro en 1983.

Lygia Pape murió el 3 de mayo 2004 en Rio de Janeiro, a los 77 años; desaparecía una figura mayor del arte brasileño.

La gran exposición en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, , extiende en Europa su reconocimiento. Ya en Venecia, en 2009, se vio que es una de las figuras artísticas más famosas de Brasil y del arte americano.

Navegar por sus trabajos y vida :
http://es.globedia.com/monografica-lygia-pape-europa
http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/2011/pape.html
http://www.lygiapape.org.br/
http://www.bbc.co.uk/collective/gallery/2/index.shtml?collection=tropicalia&mode=dynamic
http://www.eluniversal.com/2011/05/24/museo-reina-sofia-de-madrid-muestra-el-arte-sensorial-de-la-brasilea-lygia-pape.shtml

Anne Mansfield Sullivan

2012-01-06T13:17:00.000+01:00

Anne Sullivan (adultta ) y Helen Keller (niña)

Anne Mansfield Sullivan (Feeding Hills, 14 de abril de 1866 - Forest Hills, 20 de octubre de 1936), fue una maestra estadounidense.

Sullivan nació el 14 de abril de 1866 en una familia pobre en Feeding Hillsy en el estado de (Massachusetts). Era una mujer extraordinaria. Fue la maestra de Helen Keller. Sus padres fueron Thomas Sullivan y Alice Cloesy, que llegaron a Estados Unidos desde Irlanda, como consecuencia de la Gran hambruna irlandesa. Su madre padecía de tuberculosis y murió cuando Ana tenía ocho años. Sullivan tuvo dos hermanos: María y Jimmie. Cuando su madre murió sus dos hermanos fueron enviados a vivir con otros parientes y Anne permaneció en el hogar para cuidar a su padre.

Después de un tiempo los parientes no podían seguir con el cuidado de los niños, y Anne no podía seguir más a su padre. Enviaron a los dos niños a la casa de niños pobres del condado en Tewksbury, Massachusetts. Allí murió Jimmie afectado por una tuberculosis de cadera.

Anne Sullivan había contraído una enfermedad llamada tracoma, la cual deterioró su vista. Estuvo en la Escuela de Perkins para los Ciegos en Boston, en donde se le hicieron muchas operaciones para tratar su enfermedad. Su vista mejoró y llegó a ser una estudiante ejemplar, graduándose con honores.

Para ayudar a otros niños ciegos, Anne aprendió el alfabeto manual y trabajó con una chica ciega y sorda llamada Helen Keller. Esta experiencia le serviría para el futuro.

Sullivan se trasladó a Tuscumbia, Alabama, donde conoció a su nueva alumna, Helen Keller. Empezó inmediatamente a trabajar con ella enseñándole a leer, escribir y hablar. Así Helen pudo empezar a entender su entorno. Sullivan hacía que Helen tocara las cosas y entonces deletreaba lo que el objeto era en la mano de Helen. Así, Helen aprendió a leer. Para que aprendiera a escribir, Sullivan le consiguió un tablero especialmente diseñado, acanalado de modo que un lápiz podía formar letras. Para enseñarle a hablar, Sullivan ponía la mano de Helen en su garganta para que pudiera sentir las vibraciones creadas al pasar los sonidos por la garganta. Sullivan hacia que Helen tratara de formar estas mismas vibraciones.

Su discurso, sin embargo, seguía siendo confuso. No fue hasta años después que, con la ayuda de la técnica de un profesor de voz y el apoyo de Annie, Helen pudo finalmente hablar claramente.

Eventualmente Helen Keller fue a la Universidad de Radcliffe y se graduó con honores. Helen Keller publicó su primer libro en 1902, La historia de mi vida, que fue redactado por John Albert Macy. Macy se casó con Annie Sullivan. Sin embargo, la unión no duró.

Sullivan y Keller viajaron a Hollywood para filmar una película basada en sus vidas, básicamente por interés económico.

La película, llamada La Liberación, fue un fracaso. Pero esto no las desalentó para tratar de ganarse la vida en espectáculos públicos de vodevil.

En el 20 de octubre de 1936, a la edad de setenta, Sullivan murió en Forest Hills, Nueva York, con Helen a su lado. Cuando ya había tomado medidas para que otra mujer ayudara y acompañara a Helen, quien vivió muchos años más, hasta 1968, sus cenizas fueron colocadas en la Catedral Nacional de Washington junto a las de Anne Sullivan.

En 1962 se estrenó la película El milagro de Ana Sullivan, basada en la historia de Helen Keller y ganadora de dos óscar.

Sullivan posteriormente recibió el reconocimiento por sus habilidades como profesora, y en 1993 una escritora llamada Nella Braddy publicó una biografía llamada Anne Sullivan Macy: La Historia Detrás de Helen Keller.

http://es.wikipedia.org/wiki/Anne_Sullivan

Helen Keller

2012-01-06T12:12:00.000+01:00

Helen Keller (27 de junio de 1880 – 1 de junio de 1968) fue una autora, activista política, y oradora estadounidense sordociega.

Helen Keller nació en Tuscumbia, una pequeña ciudad rural de Alabama, Estados Unidos. Su sordoceguera fue causada por una fiebre en febrero de 1882 cuando tenía tan solo 19 meses de edad. Su incapacidad para comunicarse en tan temprana etapa de desarrollo fue muy traumática para ella y su familia, debido a esto, estuvo prácticamente incontrolable por un tiempo.

A pesar de sus discapacidades, muchos años después daría discursos acerca de su vida, e incluso escribiría libros sobre sus experiencias personales. Todo esto fue posible gracias a la gran ayuda e influencia de su institutriz Anne Sullivan, quien le enseñó a leer y comunicarse con los demás, junto con llevar una vida disciplinada.

Para que aprendiera a escribir, Sullivan consiguió a su discípula un tablero especialmente diseñado, acanalado de modo que un lápiz podía formar letras.

Para enseñarle a hablar, Sullivan ponía la mano de Helen en su garganta para que pudiera sentir las vibraciones creadas al comunicarse. Los doctores en su tiempo la llamaron "fiebre del cerebro", mientras que los médicos de hoy piensan que pudo haber sido escarlatina o meningitis.

Cualquiera que haya sido la enfermedad, por muchos días lo único que se esperaba es que Helen muriera. Cuando la fiebre bajó, la familia de Helen se puso feliz creyendo que su hija iba a estar bien otra vez. Sin embargo, la madre de Helen pronto notó que su hija no podía responder cuando sonaba la campana de cena, o cuando ella pasaba su mano delante de los ojos de su hija. Llegó así a ser evidente que la enfermedad de Helen la había dejado ciega y sorda.

Los siguientes años fueron muy difíciles para Helen y su familia. Helen se hizo una niña muy difícil, aventaba los platos y lámparas y aterrorizaba la casa entera con rabietas, gritos y su mal genio. Los parientes la miraban como un monstruo.

Pero su familia - y ella misma - no se resignan con ese destino, y lo fueron superando a fuerza de voluntad y constancia, y gracias también a tutores y amigos que la ayudaron; entre ellos, Anne Sullivan.

Helen fue a la escuela de Cambridge para señoritas desde 1896 y en el otoño de 1900 entró en la Universidad de Radcliffe, siendo la primera persona sordociega que podía alcanzar el reto de presentarse y transitar en una Universidad.

La vida en Radcliffe era muy difícil para Helen y Anne, y la cantidad enorme de trabajo condujo al deterioro de la visión de Anne.

Durante su tiempo en la universidad Helen comenzó a escribir sobre su vida. Ella escribía la historia en Braille y en una máquina de escribir normal. Fue en este tiempo que Helen y Anne resolvieron con Juan Albert Macy que él debía ayudar a corregir el primer libro de Helen ("La historia de mi vida"), el cual fue publicado en 1903 y aunque al principio no fuese exitoso en ventas, se convirtió más adelante en una obra clásica.

El 28 de junio de 1904 Helen se graduó "Con Honores" de la Universidad de Radcliffe, siendo la primera persona sordociega en obtener un título universitario. Ese mismo año en la exposición de San Luis habla por primera vez en público.

Helen y Anne iniciaron en los años siguientes una gira de charlas y conferencias sobre sus experiencias. Helen contaba su vida y su discurso era interpretado frase a frase por Anne Sullivan, lo que siempre generaba sesiones de preguntas y respuestas acerca de sus historias. A causa de sus viajes, Helen y Anne buscaron una nueva forma de vivir a través de sus conferencias y la venta de sus obras literarias.

En 1918 la demanda de sus obras había disminuido, pero ellas seguían viajando con más interés, mostrando las cosas increíbles de Helen, como la primera vez que entendió el significado de la palabra "agua". Ese año Helen, Anne y John (Esposo de Anne), se trasladaron a Forest Hills en Nueva York. Helen usaba su nueva casa como la sede para consecución de fondos de la Fundación Americana para Ciegos.

Ella no solo recolectaba dinero, también hacía campañas para mejorar la calidad de vida y las condiciones de las personas ciegas, quienes eran rechazados y erróneamente educados en asilos. Su insistencia fue uno de los factores importantes para que las condiciones de éstos cambiaran.

En 1957 fue presentada por primera vez "La trabajadora milagrosa" un drama donde Anne Sullivan muestra sus primeras formas de comunicación cuando Helen era una niña, fue la primera aparición en televisión en los Estados Unidos. En 1959 esta obra fue presentada en Broadway y llegó a ser un éxito por casi dos años.

En 1962 se realizó otra película en donde las actrices que hacían el papel de Anne y Helen recibieron premios Oscar por sus actuaciones.

En octubre de 1961 Helen sufrió el primero de una serie de accidentes cerebro vascular, y su vida pública se fue cerrando. En los últimos años de su vida se dedicaría entonces a cuidar su casa en Arcan Ridge.

En 1964, Helen fue galardonada con la Medalla Presidencial de la Amistad, el más alto premio para personas civiles otorgada por el presidente Lyndon Johnson. Un año más tarde fue elegida como La mujer del “Salón de la Fama” en la Feria Mundial de Nueva York.

Poco antes de su muerte en 1968, a la edad de 87 años, Helen Keller le dice a un amigo: "En estos oscuros y silenciosos años, Dios ha estado utilizando mi vida para un propósito que no conozco, pero un día lo entenderé y entonces estaré satisfecha."

El primero de junio de 1968, en Arcan Ridge, Helen Keller muere mientras dormía. Su cuerpo fue cremado en Bridgeport, Connecticut, y su funeral se realizó en la Catedral Nacional de Washington DC. La urna más tarde sería llevada a un lugar cerca de donde descansaban los restos también de Anne Sullivan y Polly Thomson.

http://es.wikipedia.org/wiki/Helen_Keller

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/keller_helen.htm

El rol de las mujeres quichuas en la construcción de la democracia ecuatoriana

2012-01-05T12:10:00.000+01:00

"Natural solo, es como hebra de poncho que fácilmente se rompe. A natural unidos, como poncho tejido nadie podrá doblegar."

En esta cita, Dolores Cacuango alude a la complementariedad necesaria para subsistir, resistir y desenvolverse. La noción de complementariedad es central

en la cultura del pueblo quichua y se expresa de distintas formas y en distintos niveles. Si se toma, por ejemplo, el ámbito del género, se podrá advertir que las mujeres representan una de las partes de la trama, necesitando la otra parte, la de los varones. De ese modo, la unidad es la pareja entretejida, no el individuo aislado. De ello se deriva que la mujer quichua ecuatoriana ha tenido y tiene un papel imprescindible en el núcleo familiar, en la comunidad y, progresivamente, en otras instancias sociales y políticas.

Tradicionalmente, ella ha cumplido funciones de sustentadora y transmisora de los valores culturales y lingüísticos de su pueblo, conformando una sólida base de resistencia frente a las influencias homogeneizadoras de la sociedad mestiza. La revitalización de la identidad quichua, observada a partir de los años setenta, se debe así en buena parte a la voluntad y la perseverancia de esas miles de mujeres anónimas -muchas analfabetas o con escasa escolaridad- que han defendido de manera sostenida e implacable los conocimientos y especificidades culturales de su pueblo

Josefina Amaguaña, otavaleña, perteneciente a la comunidad de Peguche, simboliza a esas mujeres "anónimas" que custodian y reproducen cotidianamente la identidad cultural de su pueblo. Como esposa, madre y abuela, se ha ocupado del hogar, la manufactura de tejidos y de su pequeña tienda de abastos, situada en la parte anterior de su casa. Este fragmento de su testimonio ilustra bien cómo el principio de complementariedad de géneros aún se observa en el pueblo quichua:

Después que se murió mi mamita, unas vecinas decían: "Verás, Josefina, si un caso hay matrimonio, mejor pensarás casarte, porque no hay quién te cuide. De ahí me casé. Después (del matrimonio) ya se fue mi marido a Colombia, fue a trabajar como obrero, a buscar (dinero) para la casita, para tapar la cubierta. Yo me quedé a hilar lana de borrego, a trabajar chalina con mi guagua. Nuestra situación duro es, eso digo. Habiendo de ambos lados (alude a la pareja) quien apoye, sí es otra cosa, no habiendo quien, se sufre.

Cuando (mi marido) estuvo otro tiempo aquí, ya le dije "los guaguas están grandes, no quisiera que te vayas, acomodémonos como sea". (En esa época) vivíamos (de la fabricación de tejidos), pero no había mucha ganancia. Por eso yo puse la tiendita. Eso digo, nadie me ha dicho que hay que trabajar. Eso también es de mi pensamiento, yo he hecho y hasta ahorita pienso así y sigo poniendo cualquier cosita. A toditos mis guaguas los hemos educado. El papá les iba a matricular. Y en reuniones de familia, él. Yo me he atendido del aseo, en bañar. Yo sabía conversar a mis hijos: "]Mi$hos, Dios no quiera! ¡Indígenas han de ser!

Más que sea un trapo han de usar". El Fausto no más se crió de zapatos. Hasta segundo grado sería. ¿No ve que el papá le traía de Colombia? A mí no me gustó eso, y dije: "tiene que criarse con pelito, con ponchito, con alpargatito mi hijo". Así les he criado. Les he curado también. Hasta ahora les curo con hierbitas, con la medicina de nuestros tiempos.

Marta Bulnes V.

Marta Bulnes V. Ecuatoriana, licenciada en letras hispanoamericanas por el Instituto Superior de Arte y Ciencias Sociales, de Santiago de Chile. Es editora y consultora independiente y conferencista regular en la Universidad de Montreal, ciudad en donde reside actualmente. Sus consultorias en organismos internacionales se refieren a la interculturalidad y la educación bilingüe. Entre sus obras, destacan: Hatarishpa Ninimi. Me levanto y digo. Testimonios de tres mujeres quichuas; La lluvia, el granizo y los dioses de Huarochirí. Adaptación de antiguos ritos y tradiciones andinas; y el libro de entrevistas: ¿Quién es el otro? Conversaciones para la convivencia.

www.revistas.unam.mx/index.php/archipielago/article/.../19246
http://lamula.pe/tag/quechua

VALORES COMPARTIDOS

2012-01-04T12:24:00.000+01:00

Vemos como el desarrollo arrolla valores básicos. Vemos como muchas ONGs actúan como las más duras empresas capitalistas. Vemos como la conciliación no parece objetivo de todas-os .

Vemos como la publicidad y el marketing nos trata como cosas y que todo parece legitimo para vender más.

Queremos reflexionar sobre los valores que queremos trasmitir. Necesitamos tener tiempo para cambiar lo que no está bien. La educación es prioritaria, pero hablamos de una educación social que limite la violencia, que vaya a la raíz de nuestros males y nuestros errores que ponga la lupa en ,por ejemplo, la televisión .

Proponemos, para la reflexión, valores como los de esta empresa:

Nosotras en el Diseño de Servicios de la Mujer(Women's Design Service) nos hemos comprometido a trabajar de acuerdo a los siguientes valores en todo lo que hacemos en relación con el trabajo de la organización

Nuestros objetivos son:

-ser una organización centrada en la mujer dirigida por mujeres que trabaja para lograr la igualdad de género.

-promover el diseño inclusivo y de planificación que responda a las necesidades de las mujeres, especialmente aquellas que han sido tradicionalmente marginadas

-ser una organización basada en la ética que actúa con compromiso e integridad

-ser una organización basada en los derechos valoración de la diversidad y promover la igualdad

-promover el empoderamiento, la participación y colaboración

-crear una organización abierta, honesta, solidaria y transparente

-actuar de manera profesional en todo momento

-crear una organización eficiente, eficaz e influyente

-ser una organización de aprendizaje que fomenta la creatividad, la capacidad de adaptación e intercambio de conocimientos

-minimizar cualquier impacto ambiental negativo y promover la sostenibilidad en todos nuestros proyectos y prácticas de trabajo

Haga clic en los enlaces de abajo para ver algunos de los documentos de política que apoyan nuestros valores: -

política de igualdad y diversidad (pdf 51kb)

La política ambiental (pdf 39kb)

Agradecemos la imagen del cuadro de Patricia Domingues.

http://www.wds.org.uk

OUR SHARED VALUES

We at Women’s Design Service are committed to working according to the following values in all that we do in connection with the work of the organisation

WE AIM TO:-

-be a woman centred and woman led organisation and work to achieve gender equality

-promote inclusive design and planning that is responsive to the needs of women especially those who have been traditionally marginalised

-be an ethically based organisation acting with commitment and integrity

-be a rights based organisation valuing diversity and promoting equality

-promote empowerment, participation and partnership

-create an open, honest, supportive and transparent organisation

-act in a professional manner at all times

-create an efficient, effective and influential organisation

-be a learning organisation encouraging creativity, adaptability and sharing of knowledge

-minimise any negative environmental impact and promote sustainability in all our projects and working practices

Please click on the links below to see some of the policy documents that support our values:-

Equality and diversity policy (pdf 51kb)

Environmental policy (pdf 39kb)

http://www.wds.org.uk/www/values.htm

Brasil : Por el fin de la violencia contra las mujeres negras

2012-01-03T12:12:00.000+01:00

Campanha Nacional da AMB(Articulação de Mulheres Brasileiras) pelo o fim da violência contra as mulheres negras "Solte os cabelos e prenda o racismo.")

Preciosa campaña por el fin de la violencia contra las mujeres negras.Nos sumamos en la lucha por la igualdad contra el racismo y discriminación que sufren estas mujeres .

En países como Brasil las mujeres enfrentan ademas de la discriminación de género otra muy fuerte de raza, con la que hay que terminar en estos momentos de bonanza económica para este país.

Sabemos que se están haciendo esfuerzos pero no son suficientes por los siglos de inequidad que preceden.

Negro es el color de la certeza

de la bondad y de la belleza

Brasil brindará apoyo a sus mujeres maltratadas en el extranjero: "llame 180 "

2012-01-02T09:57:00.001+01:00

El servicio funcionará en Italia, España y Portugal

BRASILIA- El Gobierno de Brasil anunció que habilitará un número telefónico para recibir denuncias de violencia de género de mujeres nacidas en el país pero que residan en Italia, España o Portugal con sus documentos en regla o sin ellos.

El servicio de la línea "Llame 180" será gratuito y estará a cargo de los consulados en esos tres países, escogidos para una primera fase del proyecto que luego será expandido a otras naciones europeas y a todo el continente americano.

"Las mujeres que están lejos se sienten más desamparadas, sin sus familias, muchas veces con la barrera del idioma, y precisan que el Estado brasileño les ofrezca la atención necesaria", declaró al anunciar esta iniciativa la titular de la Secretaría de Políticas para Mujeres, Iriny Lopes.

En 2011, más de 500 mil llamadas de denuncia

El anuncio se hizo en coincidencia con la conmemoración del Día Internacional de la Erradicación de la Violencia contra la Mujer, instituido por la Organización de las Naciones Unidas (ONU) en 1999.

El servicio será similar a otro que funciona en el territorio brasileño desde abril de 2006 y que, según las autoridades, ha permitido cohibir en buena medida la violencia de género en el país.

Según datos de la Central de Atención a la Mujer, desde que esa iniciativa está en funcionamiento han sido recibidas cerca de dos millones de denuncias.

Solamente este año, hasta el pasado mes de octubre, el teléfono de atención a las mujeres recibió 530 mil 542 llamadas, de las cuales 58 mil 512 correspondieron a casos de violencia física, mientras que las otras se referían a agresiones psicológicas, morales o sexuales.

http://noticias.univision.com/america-latina/brasil/article/2011-11-25/brasil-brindara-apoyo-mujeres-maltratadas-extranjero#axzz1i0z20eUh

Rosa Parks de Estados Unidos

2012-01-01T13:19:00.000+01:00

Rosa Parks, en el autobús de Montgomery, Alabama desde el que empezó su protesta contra la segregación

Rosa Parks, la mujer negra que desafió a la América blanca

En 1955, Parks se negó a ceder su asiento en un autobús público de Alabama e impulsó el fin de la segregación racial en EEUU

En 1955, Rosa Parks tenía 42 años. Afroamericana, natural de Montgomery, Alabama, e hija de un carpintero y una maestra de escuela. De profesión, costurera. Pero además, secretaria y ayudante en la Asociación Nacional para el Avance del Pueblo de Color.

En aquellos años, los negros sufrían en EEUU la humillación -especialmente en el sur- de no poder compartir con los blancos los mismos lugares públicos: escuelas, restaurantes, salas de espera... la segregación llegaba al punto de que en los baños se mostraban letreros de "sólo blancos" o, directamente, "negros no". Las leyes Jim Crow, heredadas de la esclavitud del siglo XIX, fueron diseñadas para que los afroamericanos se sintieran inferiores y así mantenerlos marginados de la sociedad.

Gente como Rosa Parks tenía claro que las cosas podían cambiar. El 1 de diciembre de 1955, cogió un autobús público para volver a su casa. Por entonces, los vehículos estaban señalizados con una línea: los blancos adelante y los negros detrás. Así, la gente de color subía al autobús, pagaba al conductor, se bajaba y subía de nuevo por la puerta trasera.

En el asiento equivocado

Parks se sentó en los asientos del medio, que podían usar los negros si ningún blanco lo requería. Cuando se llenó esa parte, el conductor le ordenó, junto a otros tres negros, que cedieran sus lugares a un joven blanco que acababan de subir. "Éste ni siquiera había pedido el asiento", dijo después Parks en una entrevista a la BBC. Los otros se levantaron, pero ella permaneció inmóvil.

El autobusero trató de disuadirla. Debía ceder su asiento, es lo que marcaba la ley. "Voy a hacer que te arresten", le dijo el conductor. "Puede hacerlo", respondió ella. Cuando la policía le preguntó que por qué no se levantaba, contestó con otra pregunta: "¿Por qué todos ustedes están empujándonos por todos lados?".

Condenada pero libre

"Mientras más obedecíamos, peor nos trataban", asegura Parks en sus memorias. "Aquel día estaba fatigada y cansada. Harta de ceder". Por el lance del autobús, Rosa Parks pasó la noche en el calabozo, acusada de perturbar el orden público y pagó una multa de catorce dólares. Sin embargo, el caso trascendió y acabó por dar voz a los movimientos por el fin de la segregación que ya habían comenzado a hacerse notar.

Mientras, el caso Parks llegó a la Corte Suprema del país, que declaró que la segregación era una norma contraria a la constitución estadounidense, que declara iguales a todos los individuos de la nación. Un año después, el gobierno abolió cualquier tipo de discriminación en los lugares públicos.

Parks, que falleció en 2005 a los 92 años, continuó luchando durante el resto de su vida por los derechos civiles de los afroamericanos. En 1999, recibió la Medalla de Oro del Congreso de los EEUU.

JESÚS CENTENO Madrid 09/12/2007

http://www.publico.es/culturas/26201/rosa-parks-la-mujer-negra-que-desafio-a-la-america-blanca

No os perdáis la muy completa información sobre ella en :
http://marivi-hypatia.blogspot.com/2011/02/rosa-louise-mccauley-rosa-parks.html

http://rwor.org/a/021/la-memoria-rosa-parks-s.htm

Gracias mujeres anfitrionas de la vida !

2011-12-31T15:04:00.002+01:00

Nadie como las mujeres estamos pegadas a los ciclos de lavida.

Nadie como las mujeres abre su nido y prepara su casa hecha corazón,en estos días, para celebrar la vida y para trasmitir su calor.

Gracias mujeres que preparáiscenas y comidas infinitas, alimentando a la niña o niño que llevamos dentro, casi sin saber si iba a venir o cuando se ira.

La vida sigue, ojala vuestro papel sea reconocido yvalorado en este nuevo pedazo de tiempo que empezamos.

Alejandra Pizarnik de Argentina

2011-12-30T09:58:00.000+01:00

"...¿Y quién no tiene un amor?
¿Y quién no goza entre amapolas?..."

Alejandra Pizarnik es una importante poeta de la literatura argentina nacida en Buenos Aires en 1936.

Obtuvo su título en Filosofía y Letras por la Universidad de Buenos Aires y posteriormente viajó a Paris hasta 1964 donde estudió Literatura Francesa en La Sorbona y trabajó en el campo literario colaborando en varios diarios y revistas con sus poemas y traducciones de Artaud y Cesairé, entre otros.

Autora de obras como «La tierra más ajena» en 1955, «La última inocencia» en 1956,"Árbol de Diana" (1962), "Los trabajos y las noches" (1965) y "El infierno musical" (1971), es además una personalidad donde se funden vida y obra. «Textos de sombra y últimos poemas», fue publicación póstuma en el año 1982.

Es una de las voces más representativas de la generación del sesenta y es considerada como una de las poetas líricas y surrealistas más importantes de Argentina.

En 1972 falleció como consecuencia de una profunda depresión

En este video, la actriz Ingrid Pelicori interpreta un fragmento de su texto poético "Extracción de la piedra de locura" que integra el libro homónimo, publicado en 1968. La lectura fue producida para el programa radial "Antología del Aire", de la Biblioteca Nacional, por Radio Nacional Clásica (96.7 FM).

http://amediavoz.com/pizarnik.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Alejandra_Pizarnik

Cecilia Porras de Colombia

2011-12-29T12:33:00.000+01:00

Una maravilla desconocida

Cecilia Porras (Cartagena 1920-1971), fue una ráfaga breve y perdurable en la vida artística de la ciudad y el país, y su actitud y su devoción por las formas estéticas más allá de la pintura, hicieron de ella una criatura elegida. Todos sus arlequines y sus ángeles que cruzan el aire, todos sus bodegones, sus retratos de la soledad y el desamparo y sus autorretratos, persiguen atrapar la luz recóndita de Cartagena de Indias.

Cecilia Porras irrumpe en el panorama artístico del Caribe y el país en 1945 al ganar con un autorretrato una Mención de Honor en el Primer Salón de Artistas Costeños, celebrado en la Biblioteca Departamental de Barranquilla. Se inició pintando escenas religiosas que satisfacían las creencias católicas de su padre, el historiador Gabriel Porras Troconis. Discreta y silenciosamente asume el retrato y los paisajes marinos y urbanos con una perspectiva geométrica y una evocación cubista que aún reinaban en el espíritu creativo de esos años. La paleta de la artista se fija en los grises y azules, en las tonalidades sombrías y nostálgicas como en el que ella considera su primera obra “Calle de Sincelejo”, realizado en 1948. Es una escena bucólica y rural: un burro en la plaza, unos niños sentados en un pretil, dos arquitecturas en contraste: la casa de palma en la que salen a flote las altas palmeras de un patio, la calle solitaria con su árbol en la esquina. Todo es pintado con esos matices opacos como si la artista pintara “a través de un cristal ahumado”, como bien lo precisa el crítico de arte Álvaro Medina. Aquella estación gris se confronta cuando Cecilia Porras recibe clases de pintura de Obregón y Grau entre 1948 y 1949 en la Escuela de Bellas Artes de Bogotá. Es el encuentro con el esplendor solar y el descubrimiento de otra luz. “Mi paleta se hizo más clara y luminosa”, confesó la artista. “Me entregué entonces a pintar flores alegres, frutos maduros y cristales transparentes; los pintaba con alegría, y segura de mí misma; habiendo perdido ya el miedo de pintar jugaba desprevenida con la luz y el color y así logré una pincelada más suelta y más segura”.

Todos sus lienzos pasan de la penumbra al estallido de luz. Urgida de misterio, deja que su lienzo se colme de silencios. La ambigüedad es su forma de explorar la existencia. Sus ojos se abren a lo insondable. Mientras intenta descifrar con trazos geométricos, aún con la huella reinante de Picasso, la armonía amurallada de su ciudad natal, los grises se confabulan con los amatistas y los naranjas. Cruza como bien lo señala el poeta y novelista Héctor Rojas Herazo las comarcas naturales de las influencias pero señala rumbos personales a su propia obra y deja de ser la alumna aventajada de dos maestros: Alejandro Obregón y Enrique Grau, para sugerir y reinventar sus propios pasos. Son sus maestros los primeros en maravillarse y ver en ella a una alumna innovadora y decidida en la decantación de su propia voz en el ámbito moderno del arte en Colombia.

Hay en su trazo suelto y a mano alzada un rigor de síntesis en las líneas que perfilan la figura humana y el espíritu de sus criaturas. La niña de ojos negros, profundos y tristísimos que nos entrega en su Dibujo en tinta china sobre papel realizado en 1958, retrata el ánima de orfandad de la niña, la profunda desolación de sus ojos y la patética soledad de sus manos que se juntan como diez soles abandonados. La solitaria delgadez de ese cuerpo sentado que parece no esperar nada de este mundo tiene elementos de contraste que dulcifican la atmósfera desamparada del retrato en ese taburete donde está sentada la niña: la oscuridad está al fondo de ella y en su blusa hay estampados unas flores de seis pétalos. La brevedad expresiva de estas líneas están resueltas magistralmente: los pliegues de la blusa, el cabello suelto los brazos largos, la silueta oscura del entorno, el volumen de la silla y la gravedad del desconsuelo.

La producción artística de Cecilia Porras entre 1956 a 1958 llega a su esplendor, según el juicio de Álvaro Medina, pero ese nivel altísimo se ve quebrantado a principios de los años sesenta cuando la artista retoma la figura humana en grandes dimensiones y se extravía del camino inicial. Las obras que pinta a finales de los cincuenta son asumidos con tendencia cubista y con apertura cromática. Se destacan “Rehilete” (1958), cuya figura alargada en lila contrasta con una policromía en donde se cruzan el rojo, el verde y el amarillo; “Velero y figura” (1958) y el maravilloso “Ángel volador” (1959) en donde prevalece el naranja, el amarillo y el verde. Es una de las mejores y privilegiadas obras de Cecilia Porras: el ángel que sobrevuela una naturaleza en naranja está confabulado con el paisaje, es una unidad fantástica; las alas y las hojas de los árboles tejen entre la tierra y el ángel una cosmogonía mágica.

GUSTAVO TATIS GUERRA | Publicado el 18 Octubre 2009

http://elarciniegas.blogspot.com/2011/04/gustavo-adolfo-garces-daybreak.html
http://www.eluniversal.com.co/suplementos/dominical/cecilia-porras-una-maravilla-desconocida

Los derechos conseguidos por las mujeres siempre están en riesgo

2011-12-28T09:26:00.001+01:00

Tomado de entrevista a Marcela Lagarde:

Miedo a utilizar un lenguaje no sexista

En relación a la oposición que la sociedad mantiene a utilizar un lenguaje no sexista, Marcela Lagarde opina : “El uso de un lenguaje incluyente ocasiona malestar político, porque si solo hay un sujeto y de repente viene otro sujeto que reclama su condición de ser, hay que hacerle espacio para que quepan dos. El monopolio de condición de sujeto genera un poder enorme y cuando las mujeres nos colocamos ahí, hay temor de que adquiramos esa condición del sujeto que domina. Cuando nosotras decimos no solo la “a” sino que queremos el poder, se imaginan que queremos el poder de dominar. Y entonces tenemos que explicar que queremos poderes democráticos. Hay muchos miedos sociales. Hay quien se molesta porque hablar en femenino en una cultura que se radicalizó en el uso de un lenguaje sexista implica hacer una reivindicación política. Estás haciendo un acto político de vindicación de eso que se niega, se rechaza”.

“Y hay mujeres que se avergüenzan de hablar en femenino porque han sido educadas en los parámetros del machismo en el lenguaje, luego hablar en femenino es como colocarse en el lado que pierde, en el lado interiorizado, oprimido, y muchas mujeres lo que quieren es estar en el otro lado. Es preciso recorrer un camino lingüístico, porque el lenguaje vindica nuestra existencia plena, reconocidas como mujeres y no subsumidas en lo masculino, en los hombres”.

La defensa de lo adquirido

Los derechos conseguidos de las mujeres –afirma Marcela Lagarde– siempre están en riesgo y se pueden perder. Por eso, propone que hay que defender “con mucha conciencia y lucidez, todo lo que hemos ganado porque si perdemos esos derechos es la sociedad entera la que sale perjudicada. Es un daño a la convivencia pacífica: si se puede lesionar con esa impunidad a las mujeres, se está ejerciendo la violencia brutal a la luz pública contra ellas”.

Su propuesta es “que tengamos una conciencia profunda de que somos mujeres con el derecho a tener derechos, que somos humanas investidas de modernidad. Es desde la modernidad desde donde tenemos que defender esos derechos y ampliarlos y consolidarlos cada vez más”.

La crisis como freno del empoderamiento

“Esta defensa de los derechos y esa necesidad de organizarse hay que incrementarla aún más en momentos como los actuales, en los que se utiliza la crisis económica como una justificación para recortar o suprimir acciones que todavía eran muy incipientes para construir la equidad entre mujeres y hombres, y para lograr el apoyo a las mujeres con el fin de eliminar desigualdades, desventajas, obstáculos y brechas de género. Ya se aduce que hay que recortar y se recorta en programas que tenían como objeto promover el empleo de las mujeres o la salud y se van recortando muchas de estas políticas. Me parece muy importante que nosotras, con conciencia, nos dispongamos para evitar eso, si no nadie lo va a hacer por nosotras y cada una tiene un papel que jugar. Por ejemplo, defender lo que ya se había logrado y estar ahí, cuando se discuten los presupuestos. En México, este año la consigna del movimiento feminista fue ‘ni un peso menos para las mujeres’ y logramos incrementar el presupuesto, aunque las negociaciones iniciales eran difíciles. La eliminación del Ministerio de Igualdad no sólo les afecta a ustedes sino que va a repercutir en muchos países que estamos tratando de construir los mecanismos, los programas. El efecto que tiene una medida así es en cadena”.

El velo de la igualdad

Respecto a la percepción que las nuevas generaciones de mujeres tienen de que no hay desigualdad real y de que las mujeres hemos conseguido todos los derechos, Marcela Lagarde responde que ese fenómeno se ha producido siempre, en todas las generaciones. “Lo que ocurre es que ahora se dan condiciones mucho más favorables, se participa en un mundo bastante más mixto: educación, participación social, deportiva. Todo eso hace confundir la igualdad con mixtura. Pero el feminismo no se enseña en las escuelas. No se estudia la historia de la causa de las mujeres por la igualdad, es una causa borrada. Nos enseñan las batallas, las guerras, pero nunca cómo hemos ido generando derechos o cómo hemos ido planteando las cosas. En edades tempranas y en sociedades desarrolladas, con acceso a la educación y a la alimentación, hay mayores condiciones de igualdad estructurales entre mujeres y hombres pero es un poco más adelante cuando aparecen las desigualdades, no tanto en lo público como en lo privado. El tema es complejo, difícil, pero me parece que tenemos que encontrar los mecanismos de información para la ayuda a las adolescentes. Ellas y muchas de las mujeres tenemos un velo de la igualdad. Creen que están en igualdad y son retadoras y temerarias. ¿Con qué se elimina la temeridad y el reto? Con conciencia de género. Tenemos que extender un manto protector que sea la conciencia de género para todas esas niñas y adolescentes”.

Memoria de género

Para llegar a este punto, considera que es imprescindible tener memoria de género: “El tiempo largo de la historia tiene que estar en el tiempo corto de nuestras vidas. Si no descubrimos el pasado, ese pasado político de las mujeres, estaremos huérfanas, en el sentido que han dicho las clásicas feministas, la orfandad que nos produce a las mujeres ser parte de un género secundario pero que no tiene referentes porque han sido invisibilizados, borrados, omitidos, y nosotras todavía aprendemos una historia patriarcal. Por eso es necesario saber qué tiempo dedicaron otras mujeres a la política, cómo hicieron para participar, qué recursos destinaron a su transmisión a las demás personas para que las apoyaran y para que fueran solidarias”.

La solidaridad con las mujeres –agrega– es muy difícil. “Está bloqueada androcéntrica y patriarcalmente. Se da la solidaridad con pueblos, con grupos en desventaja o excluidos, pero la que cuesta más trabajo es la solidaridad con las mujeres. Un trabajo importante y un nuevo uso del tiempo es que las asociaciones y también las instituciones procuren construir solidaridad social hacia las mujeres, aceptación social, eliminación de androcentrismo y de machismo”.

http://www.emakunde.euskadi.net/u72-rev79con/es/contenidos/informacion/aldizkaria_079_2010_entrevista/es_entrevis/01_marcela_lagarde.html

http://es.paperblog.com/referente-obligado-la-obra-de-la-feminista-marcela-lagarde-75858/

Maria Goeppert-Mayer

2011-12-27T18:13:00.001+01:00

Maria Goeppert-Mayer (1906-1972)Física de origen alemán.

Nombre de nacimiento: Maria Goeppert

Premio Nobel en Física -1963, (conjuntamente con J. Hans Jensen y Eugene P. Wigner), "Por el descubrimiento de la estructura nuclear orbital."

María nació en Polonia y, de adulta, constituyó la sexta generación de científicos en su familia. Desde pequeña su padre le decía: "Nunca seas sólo una mujer". Su capacidad como investigadora y su reconocida inteligencia, la impulsaron a desplazarse geográficamente y a destacarse a nivel mundial.

Conocida como "La belleza de Göttingen", se graduó en Física en 1930, en el contexto de los nuevos descubrimientos de partículas, reacciones atómicas y los primeros aceleradores; un período muy emocionante para la Física Nuclear. Ese año casó con Joe Mayer, profesor de Química, y presentó su tesis doctoral. En ella calculó la probabilidad de un electrón de emitir no uno, sino dos protones, o unidades de quantum de luz, mientras brinca a una órbita más cercana al núcleo, al orbitarlo. Su solución fue confirmada décadas más tarde, en 1960, por medio de rayos láser..

Emigró a los Estados Unidos de América, e impartió años de trabajo voluntario en docencia e investigación en la Universidad de John Hopkin. Por ser esposa de otro profesor, no fue contratada en sus años más productivos.

Mientras tanto, también enfrentó los retos de la doble función: madre y profesional. El nacimiento y crianza de sus hijos Marianne (1933) y Peter (1838) cambiaron temporalmente su intensa vida social y cuestionaron su continuidad como investigadora. Junto con su esposo Jo enfrentó estos retos y ambos siguieron adelante. Tuvo algunos trabajos remunerados temporales, pero sólo a partir de 1960 fue contratada en propiedad por la Universidad de California.

http://www.cientec.or.cr/equidad/modelos.html#Maria

http://www.nobelprize.org/nobel_prizes/physics/laureates/1963/mayer-bio.html

Adela Zamudio de Bolivia

2011-12-25T18:53:00.000+01:00

Un gran número de escritoras y mujeres intelectuales intervinieron en la política y la conformación cultural de las naciones latinoamericanas. La poetisa boliviana Adela Zamudio, considerada como la pionera del feminismo en Bolivia, fue una maestra que luchó por los derechos de las mujeres y cuyo natalicio fue declarado el día de la Mujer Boliviana; la escritora Alfonsina Storni (1892-1938) expresó las inquietudes de las empleadas urbanas en el diario argentino La Nación, participando en el amplio debate sobre las ocupaciones de las trabajadoras, las relaciones de las mujeres con la tradición nacional y cultural, y el papel de la Iglesia Católica en la vida femenina. El primer Premio Nobel de literatura en América Latina fue otorgado en 1945 a la maestra chilena Gabriela Mistral (1889-1957), quien realizó campañas educativas de protección para las mujeres, y cuya poesía utilizó los papeles tradicionales de madre y maestra para proponer valores sociales de mayor justicia para todos.

Es importante hacer un reconocimiento a las maestras, quienes primero articularon la denuncia de la desigualdad en actividades colectivas. El 10 de mayo de 1910, el primer Congreso Femenino Internacional se reunió en Buenos Aires con más de doscientas mujeres del Cono Sur, para discutir asuntos tales como las leyes internacionales, los problemas matrimoniales y la igualdad salarial. El derecho femenino al sufragio fue una de las causas de lucha más significativas, que se consiguió en Ecuador, Brasil, Uruguay y Cuba durante los años treinta, en 1952 en Bolivia y para fines de los años cincuenta era general en todos los países latinoamericanos.

En Latinoamérica, existen avances importantes en cuanto a la participación de la mujer en esferas públicas, actividad política y sus acciones destacan en temas como acceso a la vivienda, el empleo, la salud pública, la conservación ecológica, el derecho al desarrollo, la superación de la violencia, la plena participación democrática y los derechos humanos. A pesar de ello, aún existen muchas tareas por cumplir y nuevos desafíos que surgen en un entorno político, doméstico (en Cuba se aprobó una ley que establece la igualdad de hombres y mujeres en la realización de las labores domésticas), laboral (aún existen diferencias salariales para hombres y mujeres), de superación de la violencia y la extrema pobreza.

Bolivia

En Bolivia, la actual Constitución Política del Estado Plurinacional, garantiza, entre otros, el derecho a la vida sin violencia y con dignidad, el acceso de la mujer a la educación en todos sus niveles, a la maternidad segura, además de la participación equitativa entre hombres y mujeres como forma de gobierno. Además reconoce la igualdad entre cónyuges, el ejercicio de los derechos sexuales y reproductivos, el derecho de la mujer a la titularidad de la tierra. Actualmente, las mujeres ocupan el 50% de las carteras ministeriales, en el senado su representatividad alcanza al 45% y el 23% en la Cámara de Diputados.

Recordar los derechos de las mujeres, los avances y la lucha por la igualdad de género que aún continúa, es el principal sentido de este día. No sólo es el reconocimiento individual del valor femenino, sino la movilización colectiva que ha conseguido poner sobre la mesa temas de esencial importancia para América Latina y el mundo. La reflexión para este día debería ser aquella que celebre avances y replantee objetivos.

http://wwwlmujer-alesito.blogspot.com/2011/10/dia-de-la-mujer-boliviana.html

http://www.educabolivia.bo/educabolivia/index.php?option=com_content&view=article&id=3023:mujer&catid=12:escuela-y-comunidad&Itemid=44

Os deseo a todas feliz Solsticio de Invierno!!!

2011-12-25T16:38:00.000+01:00

El pasado día 22 de diciembre entramos en el solsticio de invierno y a partir de ahora los días empiezan a alargar. Es por ello que, antes de que la religión cristiana se apropiara de rituales y celebraciones paganas, los pueblos y culturas antiguas ya celebraban el solsticio como “el retorno del Sol”, el nacimiento de la luz. Y el Sol, que contiene el yin y el yang, representaba la fertilidad, la creación, todo lo que era generador…

Al Sol se le representaba en forma de Diosas solares, llenas de luz: en Egipto Isis, Menehtet y Sekhmet ; en la cultura celtas y escandinavas Rihannon, Cabarsul y Lucina; Mama Ocllo en la inca, Amateratsu en la sintoísta; Perséfone, Gaia,… todas ellas daban a luz (es decir daban vida a nuevos seres)y repartían vida.

Identifiquémonos, pues, con la energía creadora y la fuerza femenina del Sol! Vivamos estas fechas de consumismo e hipocresía con otra actitud, con otro significado.

El solsticio de invierno, junto a la luna nueva de hoy, significa renovación, renacimiento, nuevas siembras,… y nosotras somos capaces de esto y mucho más!!

Feliz Solsticio y que el 2012 sea el año de la luz para todas nosotras!!

Repetimos el mensaje de Chris de TransFeministesVLC

Gracias Chris.